音乐鉴赏论文1200字古典音乐和流行音乐的关系

音乐鉴赏论文1200字古典音乐和流行音乐的关系

古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。当人们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音乐家的音乐作品时，它带给人们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅……　　流行音乐是属于一种有着广泛听众极具吸引力音乐，相较于艺术音乐站和传统音乐。流行音乐是一个不分年龄人人共享音乐以“雅俗共赏”通称。现代音乐主要表现形式有爵士乐，摇滚，电子合成乐等。现代音乐，自由拍子，节奏也不规则，但魅力也就在此，它让人产生一种太空般的幻境，不像古典音乐让人产生崇高的美感，同样让人着迷，感到深奥。　　古典音乐与流行音乐本身并不是对立的两个概念，古典音乐，在他们诞生的年代，其实就是流行音乐。现在国内有些人称呼它做高雅音乐，籍此标榜自己的品位独特，其实这只能害了古典音乐，令大众敬而远之。另外称呼古典音乐作严肃音乐也不是特别恰当，不过“严肃”用来形容现在去公共场合欣赏古典音乐时的着装似乎比较合适。其实除了一小部分室内乐当年是专为欧洲宫廷创作和演奏的以外，更多的古典音乐都是服务于大众的。比如亨德尔所创作的众多意大利式歌剧，就是专供伦敦市井百姓听的，即便如此，这些作品最后还是被更为通俗的“乞丐歌剧”所取代，以至亨德尔的歌剧院最终破产倒闭，他不得不转行去写英语的清唱剧来重新抢回市场，这其中就包括音乐史上最伟大的古典音乐《弥赛亚》。由此可见，古典音乐的受众群体并非都很高雅，而古典音乐本身也并非都很严肃。

行音乐和古典音乐表面上看是两种不同的音乐类型，它们有不同的音乐特点，不同的表现方式，其实最大的区别是他们的音乐组织方式不同。 古典音乐的组织讲究音乐的逻辑性，动机的统一性，音乐发展的连贯合理性等，最伟大的古典音乐中的每个音符就像宇宙中的星球，合理存在、互相联系、互相影响。绝大多数伟大的古典音乐都有较长的篇幅，表达完整复杂的乐思。舒伯特的《未完成交响曲》虽然形式上不完整，但是其内容完美无缺，作者及后人都无法为其拟补形式上的不完整。古典音乐的严密逻辑性由此可见。 反观流行音乐，一首歌曲4、5分钟是标准长度，兔子尾巴长不了。为什么？因为流行音乐的组织缺乏严谨的理性思维方式。就好比，土木结构的房子随便搭是搭不高的，能够搭得很高的一定是精心设计的摩天大厦。流行音乐没法像交响乐一样，用很严谨的方式组织起很长的篇幅，即使是比较复杂的爵士乐也难与交响乐媲美。流行音乐的组织只有一些比较简单的逻辑，更多讲究的是感性的东西。总而言之，流行音乐是较感性、缺乏理性思维的音乐。 世界上有各式各样的人，各式各样的生物，音乐也应该是多种多样的，古典音乐、流行音乐等等各种音乐都应该有它们存在的空间。

在当今社会，流行音乐占有了音乐领域的重要地位。而流行音乐的主要市场是年轻人，这些人群都比较能接受流行音乐。可他们为何喜欢流行音乐，流行音乐究竟有什么魅力呢？有些人则提出较喜欢古典音乐，当然是少数人。我认为相对与流行音乐而言，古典音乐有着较高的鉴赏价值，那又是为何艺术鉴赏性较高的古典音乐的听众却大大少于流行音乐呢？我们一起来探讨一下吧！ 当我们坐在幽雅的餐厅里，大都能听到优美的古典音乐，而如果换作是在某快餐厅里，那我们大都听到的赋有现代感的流行音乐。这也是商家为了迎合消费人群的口味而定的。从中可见，古典音乐和流行音乐有很大的差别 古典音乐给人的感觉是高雅，值得人品味的。流行音乐的感觉是简单明了，中心明确。其实这两种音乐给人感觉上的差异也是由表达方式的差异所造成的。古典音乐是用乐器的搭配，演奏来表达的，意境蕴藏在跳动的音符中。但听过流行音乐的人都知道，听流行音乐时，我们往往还要注意歌词，也就是说，流行音乐的表达方式是需要歌手来演唱，再加上乐器的伴奏，如果我们单听伴奏是无法体会到意境的，我们通常要靠歌词来理解其中含义。下面，我们来仔细地分析这两种音乐。 对于古典音乐的定义，有三种说法。第一是泛指从十八世纪初的巴赫韩德尔起，至十八世纪末的克鲁克，海顿，莫扎特，贝多芬等音乐家的创作。第二是指十八世纪下半至十九世纪初形成于维也纳的一种音乐派，即“维也纳古典乐派”，以海顿，莫扎特，贝多芬为其突出的代表。第三是泛指十七，十八，十九世纪中古典，浪漫，民族各乐派大师们的典范作品。这种“古典音乐是指一切具有进步思想，高度的艺术表现力和完善艺术形式的音乐。不管古典音乐的定义如何，我们都可以发现它们的共同点：古典音乐的起源比流行音乐早。在现在人的眼中，古典音乐是一个“老古董”，有一种古老而神圣的感觉。不懂古典音乐的人会很自觉地敬而远之，就像一个人不懂得古董，就不会轻易地去评论它。原因很简单，就是怕旁人嘲笑。我在做问卷调查的时候，就发现了这个问题。“你喜不喜欢古典音乐？”“不喜欢。”“为什么？”“我才不像某些人，明明自己听不懂，还装高雅！”``````我当时在思考，难道这也是古典音乐不被人注意的原因吗？那我为什么不把古典音乐当成一种新事物，撇开旁人的议论，重新去认识它。 再来看看流行音乐。 流行音乐富有现代感，歌曲的演唱方式是通俗唱法，有些乐器也是与古典音乐不相同。比如一些电子乐器，贝斯啊，电吉他等等，所制造的效果和所营造的气氛也是不一样的。而现在的年轻人大都喜欢追逐时尚，活泼好动，并且喜欢寻找刺激。那些动感十足的音乐给他们带来的感觉就是他们想要的。所以年轻人大都接受流行音乐。那有人要说了，流行音乐中也有抒情的，而且有很多人就是冲着这一点才喜欢流行音乐的。不错，还有一些年轻人喜欢节奏慢，感情丰富的音乐，兴许他们是悠扬，哀伤的节奏所吸引，也许是歌词特别的吸引他们。总之，喜欢流行音乐的理由是说不尽，道不完，又或许是没道理的。 不过现在也有人把两者成功地有机结合起来。例如陈美，THE BORN等，她们用电子小提琴演奏出的古典音乐，同样受到了一致的好评。这样的事例也提醒了我们，在欣赏现有成果的同时，也要去尝试走新的路。

看到与音乐研究有关的问题真开心，我是音乐学院的学生，流行和古典是必修的课程。其实要说起来二者的联系要扯一大本书。这不是哲学问题。我自己大概总结了一下：1 两者都是音乐，古典音乐的范畴很广，有器乐曲有声乐曲，歌剧音乐剧，民族乐器曲等等。不是说除了我们现在所听到的POP音乐就是古典的，古典音乐的时代一般是指从15世纪有教堂音乐开始，到20世纪初现代派音乐的产生。古典音乐可以包括古典时期（巴洛克时期，贝多芬，海顿，亨德尔等代表人物），浪漫时期（萧邦，李斯特，舒曼等等），印象派早期（拉威尔等等）。这些都被现代人统一称为古典音乐。但是到印象派后期开始出现了现代派音乐的标志。2 和声技法不同，从音乐理论上说，古典音乐是有固定的和声写作技法的，现代派的和声使用更古怪更脱离原本古典和声的要求。所以为什么古典时期浪漫时期的音乐听起来和20世纪初的现代派音乐家有很大的音响效果与风格迥异。而流行音乐也有它自己的和声技法，又与前两者不同。3 配器不同，古典音乐是以交响乐为原理的，所有的乐器独奏，都需要别的乐器或者整个乐团伴奏。而流行音乐更多采用的是摇滚与爵士音乐的伴奏体系，爵士鼓，钢琴，萨克斯或者更多。更重要的是，流行音乐大多用MIDI合成音乐，就是电脑音乐制作软件来完成，虽然方便简单，但从效果上说，远不如真人进录音棚录伴奏来得好。电脑是会失真的。虽然现在世界上运用得最多的来自芬兰的西贝柳斯软件已经非常接近真实的音色。如果仔细分，还有很多，但是我认为这些是比较主要的，古典音乐所采用的创作动机来自于各个国家的民间小曲，而流行音乐则融合了时下各种音乐风格。二者一定不可以轻易说哪个不好，我们研究音乐要习惯听各种音乐，我们可以不喜欢不欣赏，但一定要知道它的优点和它被人喜欢的原因。哈哈 就象我极度讨厌时下的中国流行音乐一样，其实我们国家很奇怪的，国外把爵士摇滚等都叫做流行音乐，而我国却只有在专业院校才被列为统一的音乐形式。流行音乐的兴起，大部分是由20世纪20年代的爵士兴起，和50年代末摇滚的产生而引起的，才有了今天的很多口水音乐。不说那么多，自己写的，累了。好好学习音乐，加油

音乐鉴赏论文1200字古典音乐和流行音乐

大学音乐鉴赏论文音乐是生活不可缺少的一部分，学会欣赏音乐便走出了欣赏美的关键一部分。因此学习欣赏音乐是一门很重的课程！在这门课程的学习中学到很多东西。一． 对中国古典音乐的认识在这课程的学习过程中在一定程度上了解了中国的古典音乐，体味到了中国古典音乐的美。笛声的清脆，箫声的深沉，琵琶的铮铮之音，这些我们都从中感受到了华夏之音的美妙，体味到古典的魅力所在。中国的古典音乐是以五音--宫商角徵羽为基础的，中国古代的音乐大家创作了中国独特的音乐形式如今在民间十分流行的是唢呐这种乐器，无论民间的喜事还是丧事唢呐都是一种不可或缺的乐器之一。唢呐作为我国传统的乐器我国的音乐大家创作了优秀曲子如《百鸟朝凤》堪称经典。在这门课的学习中感受最多的就是对我国传统文化的了解，增强了民族的自豪感与自信心，有提升了对祖国的爱。二． 对西方音乐的认识《命运交响曲》堪称经典，历史上表现命运的音乐很多唯独只有贝多芬用选取了敲门声来表现命运，一声声短促而有力的敲门声显示出生命力的旺盛和与命运抗争到底的决心。“命运”这一主题在贝多芬的演绎下有了另一种境地，成为了历史上无人挑战的经典。同时在这门课的学习中还有欣赏了幽默曲、圆舞曲等，其中印象深刻的是对幽默曲的欣赏，不但一定程度上了解了这个时代的音乐更是在这些艺术家的身上学到了追求理想的不放弃精神和为实现目标不断奋斗的高尚品格。三，传统音乐与现代音乐中国是有着悠久历史的国度，其音乐的发展历史更是一部丰满的史诗。在当今的乐坛最受年轻人欢迎的是Rap音乐，其中周杰伦便是一位现代音乐的代表人，但是即使在人们看来如此现代的音乐人，在他的音乐里我们依旧可以看到传统的音乐元素，如在《菊花台》，这首曲子的结尾用的便是我国云南的传统乐器葫芦丝。再如当今的年轻人所喜欢的歌曲《苏三说》与《One Night in Beijing》更是大胆的吸取了我国传统艺术京剧中的音乐元素，受到人们的欢迎。回归传统是一种趋势，我国是有着深厚文化底蕴。立足于传统并且与现代的音乐元素相结合进行创新这是一种必然。有我国“西部歌王”之称的王洛宾先生是将传统音乐用现代音乐元素演绎的典范，他创作的歌曲脍炙人口，在广大人民群众中传唱。四． 音乐对人的影响音乐由人创作自然表达的是人的情感，音乐的欣赏着便是要在欣赏音乐的过程中体味创作者的情感，从而达到人与音乐的共鸣。《义勇军进行曲》，中国人民内心的坚决，顽强的意志，作曲人满怀的崇高，神圣，庄严都融进那雄壮的旋律之中，无论何时何地听到都热血沸腾，充满希望，让听者蓦地升起对崇高的一团敬畏与仰望。又如在欣赏陈钢、何占豪创作的小提琴协奏曲《梁祝》中，我们可以深刻的感受到梁祝二人真挚的情感，音乐主要以“草桥结拜”、“英台抗婚 ”、“化蝶”为情节展开，大提琴与小提琴交相互应的音乐形式让人印象深刻，欣赏者可以从中清楚的体味主人公的情感。伴随着社会的发展与进步，音乐在人们的日常生活中扮演着越来越重要的角色，成为生活的调和剂。在日常生活中我们可以深刻的感受到音乐的意义所在。在情绪低落时适合听激情澎湃的音乐如交响曲与进行曲，在心情烦躁的时轻音乐是不错的选择能让人平静下来，认真的思索。五音乐与素质教育音乐的最大功能是从精神上让我们超越有限的生命的围墙，把视野投向另一个关于美的音乐世界。她最奇妙的力量在于让我们日益漂泊的灵魂有回家的感觉，扩充我们生命的宽度和深度，寻找到生命的精神支柱，找到灵魂的归属。近年来，我国大学一直在提倡素质教育，其实是在追求自然科学教育和人文艺术教育的平衡。素质教育建立在和谐教育对素质的全面理解上。因此，素质教育本质上应该是面向全体学生的教育。在这个充满竞争的世界，在这个信息化的时代里，每个人都应该从各方面全面的提升自己，而通过各种科学有效的途径，成为“有理想、有道德、有文化、有纪律”，德、智、体、美等全面发展的社会主义事业建设者和接班人。素质教育其中一个要义就是德、智、体、美的全面发展。于是，我国的各个大学正逐步向综合性大学发展的同时，尤其注意了艺术教育的发展。在大学课程里，艺术不再只是艺术系学生的学习内容，也纳入了普系的教程，艺术成为公共必修课程。当代大学教育中强调素质教育是我国社会经济不断发展的要求，而艺术教育的关注正是人类感情的关注，作为一种意识形态，作为一种感情重要的存储和表达方式，艺术教育为实现素质教育的总体目标提供了生动的教育手段和教育内容成为受教育者最易接受的、最有活力的一种教育形式

中外音乐欣赏音乐，在日常生活中时刻伴随我们，音乐已经不知不觉成为我们生活的一部 分，很难想象没有音乐的日子是什么样的。建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建 筑。音乐是人类灵魂的艺术表现，从古典音乐中寻找精神寄托。 音乐，在日常生活中时刻伴随我们，音乐已经不知不觉成为我们生活的一部 分， 很难想象没有音乐的日子是什么样的。 绝大多数人偏爱于流行音乐， 它时尚， 动感，充满现代的活力与气息。但是提到古典音乐，大多数人认为离我的时代好 遥远。以前我只关注流行音乐，偶尔在电视上看到交响音乐会，只是觉得气势磅 礴， 场面壮观而已， 对古典音乐只是些感性认识， 比较肤浅。 通过选修音乐鉴赏， 我开始真正接触到古典音乐。我发现古典音乐是完美，优秀，经典的。要真正听 懂古典，必须具备一定的音乐理论知识和西方历史背景知识，这样才能更理性， 更深刻的认识。 “建筑是凝固的音乐，音乐是流动的建筑。 ”音乐是人类灵魂的艺术表现， 从古典音乐中寻找精神寄托。海顿、莫扎特，贝多芬这三位古典主义音乐大师， 给我留下了最为深刻的印象。 第一位大师是海顿， 他是交响音乐的泰斗。 他的音乐典雅、 华丽、 结构方整、 旋律流畅， 很少有戏剧性冲突， 使人飘飘欲仙。 交响乐和弦乐四重奏之父的美誉， 对海顿来说是当之无愧的。他奠定了古典乐派的形式和风格，并使其发扬光大。 在他创作的黄金期，对音乐的形式与语法的掌握已是炉火纯青，乐曲风格精致， 曲思丰富，似乎具有无穷无尽的想象力。许多作品在原创及精练技巧下，经常蕴 含着幽默感，表现为惊人的手法、出人意料的不同风格的同时呈现，还有精湛的 和声、 转调。 更重要的是他发展主题素材的形式， 延续巴洛克音乐的模拟对位法， 根据主题的轮廓而衍生出乐曲组织。他的改革具有重大的时代意义，是维也纳音 乐真正的奠基者。献给奥地利皇帝的《颂歌》亦是海顿的著名作品。如今，这首 颂歌的曲调变成了德国的国歌。柴可夫斯基说：“海顿是交响乐创作的锁链中一 个不可缺少的、牢固的环节。没有他，也就没有莫扎特、贝多芬了。” 第二位大师是“音乐神童”莫扎特。他的音乐细腻、华贵、含蓄、典雅，风 格明朗，旋律优美，结构严谨，具有强烈的古典色彩和超然物外的特点。莫扎特 的音乐创作完美地体现了歌德的一句名言，即“艺术就是自然，自然就是艺术”。 莫扎特是唯一可以在优美的乐曲中表现悲伤和痛苦的作曲家， 他能表现人类的灵魂。伟大的德国作家歌德，认为莫扎特是 “禀承了上帝旨意的创造力的化身。 ” 他的作品之所以能够流传至今、 历久不衰，就是因为我们永远无法回避它的真正 魅力——自由与人性。 第三位大师贝多芬，他的音乐则升华为美中有“奋” ，乐中有“哲” ，激情洋 溢，形象鲜明，矛盾纷呈，英雄气势撼人，如同熊熊烈焰，无比辉煌。贝多芬被 后人评为“集古典派之大成，开浪漫派之先河”的作曲家，在音乐创作从古典走 向浪漫的进程中，贝多芬是一块里程碑。他亲自将《第六交响曲》注上“田园交 响曲：感情的表达胜于音画的勾勒” ，并在各乐章分别写出“到达乡间时的快感” “溪边景色”等大小标题，使它成为音乐史上第一部著名的标题音乐。由于他的 作品的英雄气概，奔放热情，幻想风格，复杂织体一级丰满的和声因素，并扩大 了交响乐队的编制，为浪漫主义音乐开辟了道路。贝多芬一生与苦难命运搏斗， 对人生的感触极深，因此在作品中融入了不少前人不曾想象的感情，处处充满自信 他的作品歌颂了生命的美好和对人类的爱 ，充满奋斗向上的精神"通过斗争，达到 胜利"这八个字可以说是贝多芬创作思想的概括。 中外音乐鉴赏这门课程带给我们的不只是音乐本身， 更加包括如何以一个绅 士的姿态面对音乐、 面对艺术， 真正的静下心来感知和享受音乐带给我们的激情 与安慰。 古典音乐艺术领域中有着无数的伟大作家，他们同样用他们的思想与精 神为我们诠释艺术的真谛， 每一部作品都是作家的心血集成，都是他们在挖掘内 心，挖掘社会，挖掘时代后的结晶。听古典音乐，它的每一个音符都好像是在你 的心头跳动， 每一个旋律都像是能踏入我们的内心深处，让我们的心境与思绪也 随着音乐的起伏而变化， 我想这就是古典音乐永远能带给我们奇妙的感受，也是 古典音乐亘古不衰的道理所在。

流行音乐和古典音乐表面上看是两种不同的音乐类型，它们有不同的音乐特点，不同的表现方式，其实最大的区别是他们的音乐组织方式不同。　　古典音乐的组织讲究音乐的逻辑性，动机的统一性，音乐发展的连贯合理性等，最伟大的古典音乐中的每个音符就像宇宙中的星球，合理存在、互相联系、互相影响。绝大多数伟大的古典音乐都有较长的篇幅，表达完整复杂的乐思。舒伯特的《未完成交响曲》虽然形式上不完整，但是其内容完美无缺，作者及后人都无法为其拟补形式上的不完整。古典音乐的严密逻辑性由此可见。　　反观流行音乐，一首歌曲4、5分钟是标准长度，兔子尾巴长不了。为什么？因为流行音乐的组织缺乏严谨的理性思维方式。就好比，土木结构的房子随便搭是搭不高的，能够搭得很高的一定是精心设计的摩天大厦。流行音乐没法像交响乐一样，用很严谨的方式组织起很长的篇幅，即使是比较复杂的爵士乐也难与交响乐媲美。流行音乐的组织只有一些比较简单的逻辑，更多讲究的是感性的东西。总而言之，流行音乐是较感性、缺乏理性思维的音乐。　　世界上有各式各样的人，各式各样的生物，音乐也应该是多种多样的，古典音乐、流行音乐等等各种音乐都应该有它们存在的空间。　　流行乐就像是可乐，刚刚入口的时候会给人很爽朗的感觉。但是一旦入口就没有什么可品味的了，所以流行乐需要不停的更新来适合人们口味，每年都会有新的歌曲出来，一两年前的歌就已经是老歌了。　　流行乐自然离不开流行二字，过了流行期的专辑就不在值钱了，没人要了。流行吗，一年一个样子。　　古典乐则需要慢慢品味，到有点像茶，初入口时给人的感觉是微微的有点苦涩，但是回味无穷，古典是需要慢慢的品味才能找到其中感觉。有人喝茶一辈子也没有找到感觉，因为没有用心来喝，喝茶只是当作喝水。古典也同样，有人买了一大堆的经典，弄了一套一套的高级设备，时不时的就拿出来播放可是播放了一辈子也只是为了播放而听音乐，并没有真正的品味到古典中的韵味！古典也是需要用心来品味的，其中的韵味不是简简单单一两次播放就能体味出来的。

音乐鉴赏论文1200字古典音乐和流行音乐的区别

古典音乐注重的是其中的思想感情，所表现的是古代人们的生活艺术，纯朴优雅，多是以曲作的形式流传，对于我们而言，很适合去欣赏、聆听，提高我们对音乐的认识，陶冶情操。相对而言，流行音乐注重的是表现曲风和歌词，节奏明快，所表现的是现代人对生活的态度，对人们具有积极的意义。我个人认为作为中学生，应注重学习，多听听古典音乐有助于积累乐理知识，加强对音乐的敏锐度，当然听听流行音乐也无妨。 流行与古典的关系是很复杂的，古典音乐是经过时间沉淀的流行音乐，而流行音乐是没有经过考验的古典音乐。 风格不同了，应用的乐器音调，等方面，古顶音乐比较沉没有生气显得好沉重没气瘟 流行音乐，就是一种超风格的精锐风格，体现歌手的心情及一些感受。记得采纳啊

区别应该就是在于两种音乐的风格不一样，而且在社会当中的受欢迎程度不一样，喜欢的人群也不一样

流行音乐和古典音乐表面上看是两种不同的音乐类型，它们有不同的音乐特点，不同的表现方式，其实最大的区别是他们的音乐组织方式不同。 古典音乐的组织讲究音乐的逻辑性，动机的统一性，音乐发展的连贯合理性等，最伟大的古典音乐中的每个音符就像宇宙中的星球，合理存在、互相联系、互相影响。绝大多数伟大的古典音乐都有较长的篇幅，表达完整复杂的乐思J娌?氐摹段赐瓿山幌烨?匪淙恍问缴喜煌暾???瞧淠谌萃昝牢奕保?髡呒昂笕硕嘉薹ㄎ?淠獠剐问缴系牟煌暾?9诺湟衾值难厦苈呒?杂纱丝杉?? 反观流行音乐，一首歌曲4、5分钟是标准长度，兔子尾巴长不了。为什么？因为流行音乐的组织缺乏严谨的理性思维方式。就好比，土木结构的房子随便搭是搭不高的，能够搭得很高的一定是精心设计的摩天大厦。流行音乐没法像交响乐一样，用很严谨的方式组织起很长的篇幅，即使是比较复杂的爵士乐也难与交响乐媲美。流行音乐的组织只有一些比较简单的逻辑，更多讲究的是感性的东西。总而言之，流行音乐是较感性、缺乏理性思维的音乐。 世界上有各式各样的人，各式各样的生物，音乐也应该是多种多样的，古典音乐、流行音乐等等各种音乐都应该有它们存在的空间。古典音乐和流行音乐的差别只在于二者的表现形式不同。 李岚清在一次高校的讲话中曾经说："通俗的流行音乐是面向大众的、娱乐性音乐类型，在文化品质上具有某种快餐性，因此，有人将纯娱乐性的通俗流行音乐比喻为'零食'，真正的知识分子只吃零食是远远不够的，无助于文化修养、高尚情操的养成，所以还是要吃主食，这主食就是经典音乐。"这段话用一个恰好的比喻道出了古典音乐和流行音乐对于一个人的精神需求所发挥的重要性。古典音乐因其严谨、深邃、陶醉和沉思冥想等等特点一直被人们称作"高雅音乐"。而通俗音乐因其具有大众性和时代感，通常和"娱乐"紧密联系在一起。"娱乐"和"高雅"似乎从来就是水火不相容，"高雅"很多时候给人以严肃、刻板的印象，而娱乐似乎常常就是庸俗的代名词。正是这样一种印象，使得很多人将古典音乐和流行音乐对立起来，造成了对两种音乐类型认识上的一些误解。 其实，既是高雅的东西曾经也流行是的。古典音乐和流行音乐是一个历史性的概念，流行和高雅是相对的，先前时代的流行音乐到了下一个时代可能就变成了高雅艺术。海顿、莫扎特的音乐被我们叫做高雅音乐，可在当时人们的眼中也是流行音乐，所以，古典音乐和流行音乐不存在绝对的分界线。同时，高雅音乐也具有娱乐。"音乐的娱乐功能存在于所有的民族文化之中"①，古典作品能给人带来愉悦这一点无可厚非。愉悦只要是指精神层面的享受，而娱乐趋向与生理方面。但是愉悦又是以娱乐为基础的，没有娱乐性的东西很难想象更在多大程度上给人以精神愉悦，因此娱乐并不是流行音乐的专利。另外，娱乐并非低俗。许多流行音乐是从严肃音乐和古典音乐的基础上发展而来的。古典音乐和流行音乐的差别只在于二者的表现形式不同。蔑视娱乐性，甚至把它同庸俗、肤浅、空洞等消极概念混为一谈，进而否定它的存在价值。这样，会把音乐引向纯功利性，变成生硬的说教，以致同政治、经济、哲学等划上等号。时间上的不同。流行音乐（当代音乐）使用的音乐元素是符合现代人欣赏标准的元素。古典音乐的的元素比较单一（也有失传的因素）主要以交响为主，并且要符合当时那个年代的欣赏水平，现在能听到的古典音乐都是经过历史的提炼沉积所留下的经典中的经典。其实今日的流行（某些）经过时间的沉积就成为明日的古典了。

流行音乐和古典音乐表面上看是两种不同的音乐类型，它们有不同的音乐特点，不同的表现方式，其实最大的区别是他们的音乐组织方式不同。　　古典音乐的组织讲究音乐的逻辑性，动机的统一性，音乐发展的连贯合理性等，最伟大的古典音乐中的每个音符就像宇宙中的星球，合理存在、互相联系、互相影响。绝大多数伟大的古典音乐都有较长的篇幅，表达完整复杂的乐思。舒伯特的《未完成交响曲》虽然形式上不完整，但是其内容完美无缺，作者及后人都无法为其拟补形式上的不完整。古典音乐的严密逻辑性由此可见。　　反观流行音乐，一首歌曲4、5分钟是标准长度，兔子尾巴长不了。为什么？因为流行音乐的组织缺乏严谨的理性思维方式。就好比，土木结构的房子随便搭是搭不高的，能够搭得很高的一定是精心设计的摩天大厦。流行音乐没法像交响乐一样，用很严谨的方式组织起很长的篇幅，即使是比较复杂的爵士乐也难与交响乐媲美。流行音乐的组织只有一些比较简单的逻辑，更多讲究的是感性的东西。总而言之，流行音乐是较感性、缺乏理性思维的音乐。　　世界上有各式各样的人，各式各样的生物，音乐也应该是多种多样的，古典音乐、流行音乐等等各种音乐都应该有它们存在的空间。　　流行乐就像是可乐，刚刚入口的时候会给人很爽朗的感觉。但是一旦入口就没有什么可品味的了，所以流行乐需要不停的更新来适合人们口味，每年都会有新的歌曲出来，一两年前的歌就已经是老歌了。　　流行乐自然离不开流行二字，过了流行期的专辑就不在值钱了，没人要了。流行吗，一年一个样子。　　古典乐则需要慢慢品味，到有点像茶，初入口时给人的感觉是微微的有点苦涩，但是回味无穷，古典是需要慢慢的品味才能找到其中感觉。有人喝茶一辈子也没有找到感觉，因为没有用心来喝，喝茶只是当作喝水。古典也同样，有人买了一大堆的经典，弄了一套一套的高级设备，时不时的就拿出来播放可是播放了一辈子也只是为了播放而听音乐，并没有真正的品味到古典中的韵味！古典也是需要用心来品味的，其中的韵味不是简简单单一两次播放就能体味出来的。

古典音乐和流行音乐的论文

抄来回答你：[彻底研究] 柴可夫斯基 《1812》序曲文／Jackie一、前言： 在八十年代初，柴可夫斯基的《1812》序曲是香港发烧友试机指定曲目之一。如果你自称发烧友，而又未听过这首序曲，有两个可能，一是你很年轻，可能是八十年代出生的小朋友、二是你并不怎麼发烧，极其量只是感冒罢了。「序曲」原指歌剧、芭蕾舞剧或清唱剧等的开场音乐，19世纪以来，作曲家常采用这种体裁写成独立的管弦乐曲，其结构大多为奏鸣曲式，并加有标题。《1812》序曲即属於独立、有内容的管弦乐曲。在乐评家心目中，《1812》序曲不算柴可夫斯基最好的作品，即使柴氏本人，在写给梅克夫人（柴可夫斯基的主要赞助者）的信中也说：「这首序曲将会非常嘈杂而喧哗，我创作它时并无太大热情，因此，此曲可能没有任何艺术价值。」讽刺的是，《1812》序曲在首演时已大受欢迎，为柴可夫斯基赢得极高的声誉。后来陆续在俄罗斯许多城市和德国、捷克、比利时各地演出，自此一直成为柴可夫斯基交响乐作品中最形象鲜明、通俗易懂和备受欢迎的作品之一，这点恐怕出於柴可夫斯基意料之外。二、《1812》序曲的创作背景。 柴可夫斯基在1880年写的《1812》序曲，全名为《用於莫斯科救主基督大教堂的落成典礼，为大乐队而作的1812年庄严序曲》。够长吧！如果你去唱片店买碟时可以一字不漏的背下去，那我真的佩服你了。这首曲是柴可夫斯基应他的老师尼古拉‧鲁宾斯坦之请而作，目的是庆祝莫斯科救主基督大教堂的重建––这座教堂曾在1812年法俄战争中被战火焚毁（另一说是此曲为莫斯科艺术工业博览会而写）。三、《1812》序曲的内容。 1812年，拿破仑率领60万大军入侵俄国，企图在短时间内歼灭俄军，占领莫斯科，并迫使俄国投降。战争开始时，拿破仑军队在数量占优势的情况下，俄军不得不逐步撤退，法国迫近莫斯科，俄军司令库图佐夫采取坚壁清野，烧毁粮草的战略，并撤退居民，率军暂时撤离莫斯科。拿破仑在占领莫斯科一个月后，仍无法迫使俄国投降，反而令自己孤军陷入重围，於是下令撤离莫斯科。撤退途中，拿破仑军队不能适应俄国严酷的冬天，加上饥饿和俄军的反击，终致溃败。拿破仑入侵俄国时多达六十万的的部队大部分被歼灭，最后只剩下不足万人逃出俄国国境。《1812年》序曲是根据上述史实写成的一部管弦乐作品。柴可夫斯基在这首序曲中层次分明地叙述了1812年的这一事件，包括俄罗斯人民原来的和平生活和随后发生的不安和骚乱，俄法两军的会战，以及最后俄国击溃法军，俄罗斯人民庆祝胜利的狂欢情景等。四、《1812》序曲为何被音响发烧友用作测试器材。 我在上面已提过，这首序曲并不是柴可夫斯基最佳作品之一，但为甚麼会广泛被发烧友用作测试器材之用呢？（这里有不少《音响论坛》刘汉盛的信徒吧，告诉你，刘汉盛测试管弦乐也推荐利用《1812》序曲）理由很简单，这首序曲除了运用正常管弦乐编制的乐器外（包括三个定音鼓、三角铁、铃鼓、大鼓、钹等），还动用了军鼓、大炮、钟等超常乐器在内，在序曲的结尾处还另加了一支军乐队，以期收到热闹和生动的效果。这首序曲在第一次上演时，钟鼓炮齐声轰鸣，配合乐团的演奏，已令参加典礼的公众大为激动。到了近代双声道时代之后，录音技术大为跃进，有几家公司在唱片内加入真实炮声，更使音响发烧友著迷，他们往往利用实炮录音的版本来考验器材的力度、瞬态、低频等方面的能力。假使你并非「大炮党」，请细听全曲，留意到吧！这首序曲音量起伏变化极大，动用的乐器非常多，听清楚其中的弦乐、木管、铜管和打击乐器，它可以检验你的器材音质音色、结像定位、强弱和动态对比……如果你不能分辨不同乐器的声音，可以先买一只「彼得与狼」的音乐碟。我推荐你买NAXOS的版本（Peter and the Wolf Naxos 554170DX）一本画册加CD，正价是50元左右，特价时30多元（错了别骂我）。任何古典乐的初入门者和有小朋友的家长，我都推荐你们买一张「彼得与狼」，在这首曲的故事里，每一个角色都由管弦乐团其中一种乐器扮演，对你辨音帮助很大，而小朋友一定听得很开心（你要陪著他听啊！）。五、分析《1812》序曲。 我选取用作分析的版本是Mercury Antal Dorati指挥 Minneapolis Symphony Orchestra的版本，这是我比较喜欢的版本。当然，我也喜欢RCA Eugene Ormandy指挥The Philadelphia Orchestra的版本，为甚麼我没选近期很多网友买了的Telarc版本？很简单，我认为这版本不理想。（刘汉盛的信徒别骂我，也许你们看了刘老总的推介已买了张Telarc的版本），由於每个版本的演绎都稍有不同，请自行调节（例如，我说甚麼时候听到某些乐器，你在家聆听时发觉时间可能早了或晚了出现，并不是你的音响有问题，也许只是我们听的唱片版本不同而矣。），还有，听之前找一张管弦乐团排位的图看看，用来了解乐器的定位。分析部分我根据杨民望的《世界名曲欣赏》（上海音乐出版社出版）来写，这是权威版本，国内和台湾好多评论都是根据这书写（偷）的（香港例外，我们的唱片评论员有极丰富的想像力，他们会胡乱创作和胡说八道，他们有足够的无知和失实，因此，让香港人有足够的材料被人取笑）。如果你习惯看字典一般厚的书，你可以买下来（两本字典），如果你怕大书，杨民望有一本《交响乐欣赏入门》（上海译文出版社出版），是前书的节本。这篇文章主要是针对古典音乐的入门朋友，故此我尽可能不使用音响用语，实在不能不用时，请网友见谅，这些术语并不难理解。希望完全不懂古典音乐的朋友查查书籍，再不然运用一下自己的想像力吧，写得不够专业和准确的地方，也请方家雅正和见谅。（唉！免费午餐，写得唔好都不要骂我！）乐曲从一段辽阔的慢引子开始：这是由中提琴和大提琴分成六个声部的方式（每个声部两人）奏出的一支古老的赞美诗《主啊，拯救你的子民》（台湾译为《天主佑民》）的旋律，它那安详的步伐象徵著俄罗斯人民和平与安宁的生活。到了（1：18）左右，这个主题加入木管乐器，音响庄严、宏伟而有力。紧张的气氛在增长著，随著（1：53）左右的一声定音鼓，你会听到低声部出现一种惊惶不安的节奏，它带来骚乱而激动的情绪，象徵法军的入侵已打破俄罗斯人民安宁的生活。这时你可以听到一个音调柔和动人、如泣如诉的主题在双簧管、长笛、单簧管和大管（2：46）声部轮流传递。（2：53）和（3：01）左右，你会听到鼓钹对击的声音，音乐的速度开始不断地加快，音响也不断地增强，音乐进入一个小高潮。在（3：12）左右，原先的不安情绪被一个描绘徵集俄罗斯军队的插段所代替，你会听到急促的军鼓声（3：26），在小军鼓背景的衬托下，木管乐器和法国号奏出一个号召性的合奏主题，这个主题经过几次反复，随后是一个短暂的休止（4：25）左右，音乐转入快板部分（4：28）左右。这时的音乐和前一段音乐形成鲜明的对比，这时音乐的速度极快，开始描写两军决战的场面，从这主题特意加强的重音和切分音中，彷佛可以听到剑击声和马蹄声似的。当这个主题逐渐遍传整个乐队并发展到最高潮时，在（5：02）左右你会听到击鼓声，到了（5：08）左右，法国号和短号相继奏出《马赛曲》，它的反复呈现用以作为法国军队侵入俄国的象徵。两支旋律在互相碰撞交错后逐渐舒缓下来（6：04），接著出现的是同《马赛曲》主题相异的两个俄罗斯风格主题。（6：20）出现一支流畅、辽阔的俄罗斯民歌，诉说著俄罗斯人民对自己祖国的热爱，以及他们不畏强暴、准备给予来犯的敌人迎头痛击的决心。留意这时乐团打三角铁的声音，你应该听到足够的泛音，如果你只能听到暗哑的音色，不是你的唱片录音欠佳，就是你的器材差劲。另一个在（7：35）出现的主题是俄罗斯婚礼歌曲《在大门旁》，先由长笛和单簧管奏出，具有一种热情的特性，在（7：53）左右你会听到铃鼓的声音，它应该是澄清的。这投歌曲充分表现出俄罗斯人民即使在危难时刻仍然不失去蓬勃的朝气和肯定自己力量的信心。和上面的俄罗斯旋律一样，舒缓了紧张的战斗情绪。随后一段（8：36）又是会战场面的描绘，音乐显示新一轮的搏斗，铜管乐器和弦乐器错综交织，打击乐器象徵刀光剑影的搏斗，（9：08）开始，你会听到多次击鼓和击钹的声音，而《马赛曲》在后期会渐次减弱并逐渐消失，它的片断只是加快了速度，时断时续，后来在低音弦乐器的阴沉音调衬托下转入低音区（大管、低音长号和大号）。（10：06）又出现我们熟知的两个俄罗斯风格的主题，留意三角铁的声音。这段再一次强调俄罗斯人民对入侵的敌人的胜利。（10：52）左右你会再听到熟悉的俄罗斯民歌。紧接在《马赛曲》（11：13）主题之后，乐声的速度加快和加强，到了（11：47）出现第一声炮响，接连出现五下炮声，音乐转入暴风骤雨般的下行乐句，至（12：36）停止，描绘最后的搏斗和敌军的溃逃，形象鲜明、逼真。（12：37）左右，进入乐曲的尾声，从引子的赞美歌调主题开始，这时候，整个乐队和临时添加进来的管乐队以雷霆万钧之势庄严而宏伟地奏出，你会听到加入来的钟声，由於结合著管钟的特别新颖的色彩，显得更加威武堂堂，成为一首辉煌的胜利颂歌，象徵著斗争的光荣结局。但是这首赞美诗的有力陈述屡次被会战主题的一些急速的乐句所打断（13：40），这些音阶式乐句的重现，使人们又回想起过去同敌人的搏斗。最后，一个庄重而有力的主题响起来了，这就是格林卡的歌剧《伊凡‧苏萨宁》的终场合唱《光荣颂》的主题，（13：52）左右，配合十一响炮声和教堂响起的钟声，它是俄罗斯人民最后胜利的宣告，整个乐曲就以这凯旋的欢乐颂歌作为结束。六、简介十个《1812》序曲版本。 （1）、MERCURY 434 36O－2Antal Dorati指挥Minneapolis Symphony Orchestra（现已改名Minnesota Orchestra）的《1812》序曲，是我的首选。这只唱片多年位居TAS榜内，亦曾被企鹅CD指南（97／98年鉴）给予3星带花的最高评价，并将它列为《1812》序曲的首选版本。香港陈瑛光的《CD圣经》也推荐此版本（好可惜，他的简介离不开讲炮声）。无可否认，此碟的炮声是它卖点之一，而MERCURY公司大获成功的原因，就在於它开创性地利用录音技术，在乐队的演奏中加入了真正的炮声和教堂的钟声。这张唱片MERCURY公司一共录制过两次，两次都是同一指挥和乐团。第一次录音是在1954年，仍然是单声道时代，炮声是在西点军校录下拿破仑时期制造的古炮射击声，钟声则录自耶鲁大学校园内的大钟；第二次录音是在1958年，这时已进入立体声时代，炮声改为使用1775年法国制造的大炮，钟声则改用纽约河畔教堂的大钟钟声。MERCURY和TELARC都是分别录制炮声、钟声和乐团的演奏，然后进行混音。这张唱片由於录音出色，效果传神，而真实的炮声有著震撼人心的效果，因此，单声道时的制作，就已成为发烧友和音响厂家采用为试音碟。1958年的制作，运用了三支咪和三声道的录音机来进行录音，录音效果效果在当时是极先进的。黑胶时代，这张唱片就卖出超过200万张，可谓MERCURY的镇山之宝。现时的CD版本是根据1958年的录音母带转录而成，以今日的录音技术来看，这只碟的背景噪音稍大（放心，是我挑剔，也许你会不赞同）。其实，我最欣赏这张唱片并非它的炮声（即使这张唱片不加入真实炮声，我仍然觉得它是一流的）。Antal Dorati指挥Minneapolis Symphony Orchestra演绎很好。整体给人的感觉是非常流畅、富有动力和内涵。值得一赞是唱片的混音师，他将炮声、教堂钟声等音效处理得很好，没有喧宾夺主，配合乐团演奏，浑然天成，给人水乳交融的感觉。这只CD Track 2介绍录音情况，挺好玩的。HMV现时的减价项目，大概70元左右（2）、TELARC CD-80541对不起，我由始至终觉得TELARC出品的《1812》序曲不过尔尔，Erich Kunzel算不上大师级的指挥家，Cincinnati Pops Orchestra也不是世界一级乐团，但这并非我要批评的地方，因为我听过Erich Kunzel指挥Cincinnati Pops Orchestra其他曲目，整体上仍给人活力感。最可惜是这个《1812》序曲版本，正如TELARC部分录音为人诟病一样，它给我的感觉是整体协调差劲，录音不平衡，演奏音色暗哑，层次不够分明，唯一的卖点是炮声厉害，音效惊人，但炮声不是评价一首管弦乐的重点啊！真的佩服这张唱片的代理，是他们的功劳，将一只不怎麼样的唱片吹成试音天碟，唉！清醒下啦！香港人。当然，这只碟也并非一无是处，它收录的炮声音效相当惊人，经过DSD处理后，唱片的背景宁静度也提高很多。此外，这张是唯一有SACD的唱片，如果你要听音效，你要听大炮声，买这只碟吧！但假使我只能买一只《1812》序曲，这只唱片显然并非我首选。正价货品，大约100元左右。（3）、RCA BVCC38126Eugene Ormandy指挥The Philadelphia Orchestra（美国费城交响乐团）是我的另一心水选择，假如你没听过Ormandy和费城交响乐团的大名，很明显，你并不算古典乐迷。这个版本的录音是我听过这麼多版本中比较出色的一张，Ormandy指挥得不徐不疾，乐团演奏精彩，你能感觉到管乐与弦乐的结合的最高境界，听《1812》序曲，你不应错过这个感情真摰的版本。正价货品，大约100元左右。（4）、RCA Living Stereo 09026-61246-2Fritz Reiner 指挥Chicago Symphony Orchestra（芝加哥交响乐团）也很出色，这位已故的指挥家被多位乐评人评为世界十大指挥家，他的指挥锐利，速度准确，这张唱片音响也非常光洁。听过费城交响乐团的费城之声，你怎能错过芝加哥交响乐团的演奏呢？如果你有Eugene Ormandy的版本，把这张也买下来吧。听这两大乐团较技，绝对是赏心乐事。正价货品，大约100元左右。（5）、PHILPS CD 442 011-2听老柴怎能不听俄国指挥家的演奏呢？杰基耶夫（Valery Gergiev）指挥 Kirov Orchestra and Chorus的版本令人倾倒（99年杰基耶夫率领基洛夫歌剧院乐团及合唱团来港，有人看了吗？），这位前苏联的指挥家，绝对是柴可夫斯基的理想演绎者，他指挥热情，演奏充满张力，唱片的录音水平极高，音色优美，录音平衡，你听过RCA和PHILPS的版本，就明白我为甚麼批评TELARC了。正价货品，大约100元左右。（6）、DECCA 443 094-2这是Antal Dorati 指挥 Detroit Symphony Orchestra 的版本，听过MERCURY 的版本后，也许你可以听听Dorati的这个版本，这张唱片虽非典范录音，但属於水准之作。这只CD还收录了柴可夫斯基的义大利奇想曲、斯拉夫进行曲和哈姆雷特幻想序曲。低价系列，大约55元。（7）、DECCA 448 494-2这是Zubin Mehta指挥 Los Angles Philharmonic Orchestra的演出，Mehta的演出很有感染力，特别是末段的演出，令人赞赏，同属水准之作。这只CD还收录了柴可夫斯基的斯拉夫进行曲和罗密欧与茱丽叶幻想曲。低价系列，大约55元。（8）、UNIVERSAL 469 611-2小泽征尔（Seiji Ozawa）指挥Berlin Philharmonic的版本不是《1812》序曲的权威版本，但音色平衡，小泽也指挥得很好，这只CD除了这首序曲外，还收录了柴五交响曲。假使你因为印刷不够精美，少人谈论而看轻这只CD，那真的很可惜。环球出版的这系列CD很便宜，才39元一只，外地比香港贵一点，这个价钱，你买了绝不后悔。千万不要看轻这批低价CD，全是一流指挥和顶级乐团，是古典音乐入门者最佳选择。新手买碟，不要尽信广告甚麼「天碟王」的宣传，一流的演奏家和乐团的合约都在大公司手里，你买的「天碟王」有可能只是夸张的音效，平庸的演奏，根本不能提高你欣赏音乐的水平。极低价系列，订价39元。（9）、HUGO HRP 750-2这只CD是叶咏诗指挥中国中央交响乐团，假如你爱国爱港，那这只碟你一定要买下来。但坦白说，这个版本从指挥到乐团的水准离世界级仍有一段距离，而且是一段颇长的距离。叶咏诗的指挥一板一眼，欠缺感情，这个版本的录音也不理想，随便举个例，你听听打三角铁的声音，好像漏了「三角」两字，泛音不足，变成「打铁」声。不过，前面的「画展」好一点，所以争回一点分数。 雨果正价系列，80元至90元左右。（10）、普罗艺术 POLOARTS POLO CLB-86033-2Vladimir Fedoseev指挥Moscow Radio Symphony Orchestra（莫斯科广播交响乐团）的版本比想像中好，Vladimir Fedoseev的名气比不上Valery Gergiev，Moscow Radio Symphony Orchestra也不能和列宁格勒爱乐乐团相比，但有机会你一定要听听这个版本，俄国佬演奏老柴，感情演绎俱佳，加上这是日本仔的母带，运用了K2录音技术，只花了人民币35元，收货有余，真的，这只唱片很便宜。还有，你一定要听第二首「如歌的行板」，这才是柴可夫斯基的精彩作品。内地近年有不少好的唱片品牌，普罗艺术是其中一家，这家制作室出品大部分是日本JVC提供母带，在国内生产，他们的唱片好多都运用K2 技术，售价便宜，值得留意。平价系列，人民币35元。如果你一点头绪都没有，而要我介绍买那只CD时，下面也许可以作你的参考： 如果你喜欢听真实炮声，买第（1）、（2）吧。 如果你喜欢整体平衡效果，买第（1）、（3）、（4）、（5）吧。 如果你喜欢靓声录音，买第（2）、（3）、（4）、（5）吧。 如果你要买平价货，买第（8）、（10）吧。 如果你有钱，把所有都买下吧，在香港，你随时找到十只以上的《1812》序曲版本。还有没有其他版本呢？当然有，而且有好多好多，不过说下去，Review33可能变成柴可夫斯基网站了。七、后记 真的很抱歉，原本打算为几位网友写的这篇简介，因为工作忙碌，一直拖拖拉拉未完工。另方面，我特别喜爱俄国音乐家（柴可夫斯基当然是其一），单《1812》序曲，我就有十多二十个版本，每张唱片听几次，也花去我不少时间。这篇文章其实批评了香港和台湾几本杂志的评论，但最后决定删掉了，不想得罪别人。老生常谈的一句，接受讯息时要懂得过滤，别人云亦云，否则如皇帝穿新衣，容易著凉，慎之。最后想说的是，《1812》序曲并非柴可夫斯基最佳作品，他的罗密欧与朱丽叶（Romeo and Juliet）幻想序曲比《1812》序曲好多了。如果你想认识这位俄国作曲家，应该听他的第六号交响曲b小调「悲怆」，第四至五号交响曲也很值得欣赏。其他管弦乐作品如钢琴协奏曲第一号（降b小调）和小提琴协奏曲（D大调），芭蕾音乐天鹅湖（Swan Lake）、胡桃夹子（Nutcracker）等也去听听吧。諴意推荐。不过，《1812》序曲真的很好听，也极富戏剧性，要不然，我怎麼会有那麼多版本呢。这篇文章写得很粗疏，我也没时间深入校对和订正，有错误的地方，烦请指正。

古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。当人们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音乐家的音乐作品时，它带给人们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅……　　流行音乐是属于一种有着广泛听众极具吸引力音乐，相较于艺术音乐站和传统音乐。流行音乐是一个不分年龄人人共享音乐以“雅俗共赏”通称。现代音乐主要表现形式有爵士乐，摇滚，电子合成乐等。现代音乐，自由拍子，节奏也不规则，但魅力也就在此，它让人产生一种太空般的幻境，不像古典音乐让人产生崇高的美感，同样让人着迷，感到深奥。　　古典音乐与流行音乐本身并不是对立的两个概念，古典音乐，在他们诞生的年代，其实就是流行音乐。现在国内有些人称呼它做高雅音乐，籍此标榜自己的品位独特，其实这只能害了古典音乐，令大众敬而远之。另外称呼古典音乐作严肃音乐也不是特别恰当，不过“严肃”用来形容现在去公共场合欣赏古典音乐时的着装似乎比较合适。其实除了一小部分室内乐当年是专为欧洲宫廷创作和演奏的以外，更多的古典音乐都是服务于大众的。比如亨德尔所创作的众多意大利式歌剧，就是专供伦敦市井百姓听的，即便如此，这些作品最后还是被更为通俗的“乞丐歌剧”所取代，以至亨德尔的歌剧院最终破产倒闭，他不得不转行去写英语的清唱剧来重新抢回市场，这其中就包括音乐史上最伟大的古典音乐《弥赛亚》。由此可见，古典音乐的受众群体并非都很高雅，而古典音乐本身也并非都很严肃。

音乐鉴赏古典音乐论文

西方古典音乐有着灿烂辉煌的历史。奴隶社会中，古希腊、古罗马的音乐文化占有很重要的位置；中世纪，宗教音乐占有统治地位；其特点是以歌唱为主的多声部音乐形式；11世纪世俗音乐和民间音乐发展起来；文艺复兴时期，器乐逐渐取得重要地位；经历16、17世纪，器乐的发展为18世纪的古典音乐打下基础。一、古典音乐的划分 18世纪是古典音乐的分界线。18世纪以后，进入古典音乐时期，音乐史步入一个辉煌的时代。 二、古典音乐的流派 巴洛克音乐时代 这是古典音乐的第一个流派。“巴洛克”原意是不圆的珍珠，最先用在建筑上。古典乐派时代18世纪下半叶开始的古典乐派时代，奥地利的海顿、莫扎特和德国的贝多芬是代表人物。这个时期的音乐形式基本上是器乐，声乐退居其次。浪漫主义乐派19世纪20年代进入浪漫主义乐派时代，杰出的作曲家有德国的舒曼、门德尔松、韦伯、波兰的萧邦、奥地利的舒伯特、法国的伯辽兹。 民族乐派时代民族乐派是浪漫主义的重要分支，它出现于19世纪下半叶。印象主义乐派时代印象主义乐派萌生于19世纪的法国巴黎，创始者是法国的德彪西。印象主义源于法国画家莫奈的《印象·日出》。

音乐永远是民族文化中的那唯美的一面，在乐器的缓缓鸣奏中，表达的是作者的情感，无形之中乐曲的深处流淌着的是民族文化血脉深处的精髓。。。每每听着古典音乐的响起，那种悠扬，那种独特的中国风，心灵深处的有着不一样的触动，虽然听不出《高山流水》的知音难觅，品不到《春江花月夜》的清丽奇幻；但是依旧为凄凉忧伤的《二泉映月》而伤怀，被《霸王别姬》的悲凉豪迈而震撼。。。。他们再现了古代的情感生活，过往的抑郁悲愤，那时的英雄儿女，跨时代的哲理思考，都是那么地多情，那么的发人深省。 中国民族音乐有悠久的历史传统，在四五千年前的原始氏族社会中，就产生了原始的歌舞和歌曲，到殷周奴隶主统治的时代，音乐文化已经相当发达。两千多年的封建社会中，音乐不断得到发展。在中国历史上曾经多次出现音乐文化繁荣昌盛的时代。中国民族音乐是中华民族传统文化的重要组成部分，它反映出中华民族的伟大精神，体现了中华民族的情感、意志、力量、幻想和追求。 中国民族音乐基本上由宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐、民间音乐四部分构成。 宫廷音乐：一部分是典制性音乐，如各类祭祀乐、凯歌乐、朝会乐等；另一部分是娱乐性音乐，如各种筵宴乐、行幸乐。这两大部分音乐体现了宫廷贵族文化的两个侧面，一是皇权至上自我形象的塑造，二是贵族阶层的精神享乐。 文人音乐：文人音乐包括古琴音乐与词调音乐，它与书、绘画、诗词共同构成中国传统文化中独特的文人文化，琴、棋、书、画，琴居首位。古琴音乐追求的是超尘脱俗的意境天人合一的思想，“清、幽、淡、远”的浪漫色彩，这种音乐最符合封建社会的“中和”思想，成为古人修身养性，塑造人格的最好手段。 宗教音乐：一、体现了中国宗教信仰的多元化特点，佛教、道教、基督教、萨满教，在各自的文化基础上宗教音乐各有特征； 二、外来的宗教带来的外来音乐和乐器不断与本土音乐的融和； 三、较浓的民间风格，大量的宗教音乐以民间歌曲为基础加以改动使之仪式 化、教仪化。 民间音乐：民间音乐分为民歌、歌舞、说唱、戏曲、器乐，以综合艺术为主。独特的中国传统文化孕育了独特的民族民间音乐的体裁、形式、风格、内容，成为中国民族音乐的基础。 如今古典民族音乐的现状不容乐观，中国历来重视音乐教育，有着悠久的历史传统。但在普通教育中将音乐作为正规课程列入期间，则是清末才开始的。1898年康有为以“请开学校折”上书光绪帝，提出了废八股遍设学校的主张。戊戌政变后，梁启超等人积极提倡在学校中设立乐歌课。此后几年间，新式学堂陆续开设了唱歌课，从而在普通学校中形成了以教授新式歌曲和欧洲音乐常识为主要内容的音乐教育，至此，学堂乐歌成为我国一个新文化即将实行切换的关键时期。1927年采用德国专业音乐教育体制建立的上海国立音乐院，均依照德国音乐院校的课程内容上课，学生们演奏我国传统乐器也是用现代方法演奏。 当时以西方音乐为主体的中国学校音乐教育虽然对建立和发展近代中国音乐文化起到了重大作用，做出了重大贡献，但由于学校中的音乐教育未能把传承中国音乐作为自己的重要职责，因而对多数教育者来说，接受民族音乐文化的传承受到了相当程度的阻隔和影响。虽然在各个方面做了一些有利措施，但从学校音乐教育的整体来看，民族音乐尚未能取得其应有的主体地位。这不仅对民族音乐文化传承是个沉重的打击，而且对今后的民族音乐教育也产生了重大影响。 由于多年来形成的教育体制和观念及外来文化的侵入，使得我国学校音乐教育与民族音乐教育传承之间存在割裂、脱节现象，这就造成了国民对民族音乐的不重视，而使民族音乐文化处于不断滑坡状态。因此，学校教育应该作为民族音乐文化传承的主要渠道，传承民族音乐文化是学校教育的重大历史使命。 民族音乐作为文化的一个重要组成部分，是富有民族特色的各种文化形式的综和，同时又是各民族在长期历史发展过程中创造出来的。音乐文化里包括了多种文化，涉及到人民生活的各个方面。因为各种类型的民族民间音乐是在劳动中创造出来的，它不仅仅是一种音乐现象，其中也体现了各个时代各个地方的文化、民俗、语言、美学观点，同时也寄托了一种文化的情思，其所涵盖的情感和精神是这个民族的灵魂与思想，是这个民族精神的载体。匈牙利音乐家柯达伊这样说过:“民族传统有机的继承，唯有从我们的民间音乐中才能找到。”意思是说，作为文化的民族民间音乐具有继承的价值，民族音乐教育同时也具有爱国主义教育的积极意义。 音乐教育是教育的一部分，民族文化是文化的一部分，而教育和文化是相辅相成的，没有文化的教育是不可行的，没有教育的文化就失去了它的实际存在价值，教育和文化是不可分割的整体。所以，民族音乐传承与学校的音乐教育是分不开的。 毋庸置疑，民族音乐文化在教育中有着举足轻重的作用，从几千年来的中国音乐史及现代的音乐教育现状看，我国音乐要得到真正的发展和提高，必须以中华民族本土音乐为主，如果把西方或者其他流行音乐当成主流，而将民族音乐作为附庸的话，必然会带来民族音乐衰退乃至消亡。学校教育作为传承文化的重要方式，要使民族音乐文化在学校音乐教育中得以很好地传承，就要强调民族音乐教育在音乐教育中的重要性，所以要加强民族音乐教育，改善教育措施是关键。 我国音乐教育的发展存在着一些不容忽视的问题，传统民间音乐的发展现状不容乐观，就像我们的母亲河每年断流一样，民间音乐中的许多品种也出现了断流，濒临绝灭。流行音乐充斥着中小学音乐课堂，民族音乐教育被忽视。专业艺术院校招生和业余器乐考级中，报考西洋乐器和报考民族乐器的人数惊人的悬殊。更令人痛心的是多数学生都不会欣赏民族音乐的美，甚至对教材中的民族音乐持排斥态度。造成这些现象的原因有很多，用历史追朔法分析这些现象不难发现： （一）近二十年来受外来文化、市场经济的影响，各种媒体播放民族音乐的比例较少，流行音乐所占比例较大，加上港台流行音乐的推波助澜，使得很大一部分学生趋之若鹜。致使我们成长起来的青年一代追星族与歌迷越来越多，而民族音乐的爱好者却越来越少。青年学生只知道四大天王、超级女生，对民族音乐知识可以说了解甚少，说不出几种民族乐器的名称、叫不出几位中国民族音乐家的姓名； （二）应试教育长期不重视音乐教育，音乐课的情况无人问津、无人监督、无人指导音乐教学。致使音乐教育无法执行教学大纲，更无法完成规定的内容。音乐教学科研不足，教学观念陈旧，教学模式没有改变，致使学生对音乐课丧失兴趣。 二、发展民族音乐教育的具体措施 长此以往，没有青少年对民族音乐的喜爱和发扬光大，民族音乐将会失去它存在和发展的基础。因此，“发展民族音乐教育，提高民族音乐素养”显得尤为重要。学校责无旁贷地成了弘扬民族音乐文化、振兴民族音乐的主要阵地。在教学中发挥民族音乐教育的优势，陶冶学生情操，增强民族意识，让绚丽璀璨的民族音乐自立于世界之林，乃是当前音乐教育工作的主要任务。怎样落实呢我认为应主要从以下几点抓起： （一）以情感教育为主线，培养学生对民族音乐的深厚感情。通过学习一些带有典型民族风味的歌曲，在掌握和灌输民族音乐知识的同时，让学生明白音乐离不开民歌，民歌是一切音乐创作的源泉的道理，使学生从心理上崇拜民族音乐，提高学生对民族音乐的感情。我国民歌浩若烟海，内蒙民歌的豪放、辽阔，江南民歌的婉转、秀丽，陕北民歌的高亢、奔放，云南民歌的明丽、清新，新疆民歌的活泼、欢快，无不给人以美的享受，从中得到丰富的体验，体味到各民族的风俗民情和鲜明的地域色彩。学生对这些民歌创作根源的追溯，会对民族音乐产生由衷的热爱之情。有了这样美好的感情，就会对学习民族音乐产生浓郁的兴趣，为学校进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。 （二）以民族音乐的欣赏为契机，增强学生的体验能力，体验民族音乐所塑造的意境，开拓学生的艺术视野，提高学生的艺术感受力、鉴赏力和创造力，以学生自我感受为基础，启发学生展开形象的翅膀，令学生将民乐与自我的情感认识不断协调起来，使民乐的欣赏成为学生情感体验的活动，在此活动中令学生自我振奋、自我感动。教师有意识地选择欣赏曲目，做到有浅到深、由表及里地对学生实施教育。只有这样，学生才能怀着由衷的喜悦去吸收民族音乐的营养，接受民族音乐文化的熏陶。 中国民族音乐走向世界很有市场前景，关键是要有好的作品和市场运作。我认为，当前中国民族音乐的发展存在着创作和市场两个问题，需要下大功夫解决。“中国民族音乐的作品不够丰富制约了其自身的发展。由于民族管弦乐的乐器和编制的特性，你不能用西洋的配器方式来写中国民乐作品，而当代作曲家的作品有许多却还是从西洋乐团的配器移植过来的，这样的作品并不适合民族乐团演奏。民族音乐的市场开发问题也十分明显，从我们在欧洲和美国的演出看，实际上民族音乐有市场，但国内缺少推广民族音乐的机制，没有专门的人才和经纪公司向世界各地推广中国民族音乐。” 古典民族音乐的传承也许还要走很远，但是我们必须不停的寻找契机，为民族的文化作出应有的保护，更要作出应有的创新，让更多的人去接受，去认识我们的音乐文化。

超验的艺术──谈莫札特的音乐轻快愉悦的风格　　我一直对家与宗教之间的关系很有兴趣。有些人认为宗教是桎梏艺术的最大元凶，有人认为没有宗教就没有办法呈现出艺术最超越的心灵，有人则宣称艺术可以取代宗教，并达到宗教的功能。于是我决定「宗教音乐」。我的想法是，不管宗教与心灵的关系究竟为何，宗教音乐绝对呈现的出最真实的心灵状态。　　在研究宗教音乐的过程中，我对莫札特尤其好奇，因为他在萨尔兹堡这个宗教重镇成长的岁月中，一直为其生计：教堂管风琴职位谱写为宗教仪式而有的宗教音乐，而萨尔兹堡主教对莫札特这个艺术家又非常的不尊重，把莫札特的才华弃若敝屣，不断限制他的创作，甚至规定莫札特的宗教音乐只能写小弥撒曲，把莫札特自由的心灵视若宗教中的杂质。　　这期间，莫札特为想离职，主教竟然以辞去莫札特父亲之职务使其生活陷入困境来要胁莫札特。莫札特为了想离开撒尔兹保受限的创作气氛，与不被器重的艺术生命，也曾在母亲陪同下，周游当年以神童之名走访过的诸如慕尼黑，奥斯堡，曼汉，巴黎，伦敦，海牙，巴黎，里昂，瑞士等大城，想另寻创作生涯的开始，结果非但没有成功，母亲反倒因旅途劳累而病故。莫札特并不想耗费时间教授音乐课以餬口，只好再返回撒尔兹堡，忍辱继续作管风琴师，最终还是以跟主教彻底决裂收场。对萨尔兹堡的宗教气氛，莫札特曾写信给朋友说：「作人还是不要太『虔诚』比较好！」所以莫札特的生命，其实一直周旋在创作渴望与维持家计的现实中、周旋在跋扈主教的宗教压力与自由的艺术生命之间挣扎不已。和谐中隐藏的突兀　　莫札特六岁时的画像，此时的他是人所周知的神童。莫札特的父亲 Leopold Mozart莫札特的母亲莫札特的音乐总体而言非常轻快愉悦，这简直跟他的生命史格格不入。研究音乐史的人都知道莫札特的音乐生命非常早熟，他才三四岁就已充分显出其音乐的才华，七岁就以神童之名周游欧洲演奏钢琴，这时的莫札特深被王公贵族们宠爱，其音乐中的欢快愉悦是很能被理解的。这种欢快性质，也深深著莫札特的宗教音乐。他最早的宗教音乐 Kyrie（KV33）创作时年仅十岁，Kyrie的内涵是「求主垂怜我的生命」，其实应当是深沈的信仰告白，但这绝非被人视为稀罕天才的小小莫札特所能理解的。但很奇怪的，莫札特到了成人，已不再因神童受人宝爱，开始在撒尔兹堡跟主教折冲郁郁不得志以后，其音乐竟然还是有著愉悦欢快的特点。正是因著这种音乐风格，音乐诠释家开始注意在莫札特音乐中潜藏的，突然出现突然消失的小调，不谐和音与半音阶，他们都发现这些音符在诉说著欢快之外的另一些东西，而莫札特每每在彷佛不经意间陈述出这些情绪后，便立即以欢快，以和谐再度压过。而这样的音乐风格出现最明显的，就是在母亲去世，莫札特又必须比以前更卑屈的返回撒尔兹堡作管风琴师以后。　　譬如莫札特的 E大调小提琴协奏曲（KV364），此曲作于 1779，此时母亲已过世，莫札特回到萨尔兹堡，跟主教仍旧不合，（一年后终于彻底决裂），此曲就在一向欢愉轻快的风格中，间杂有半音阶的快速回旋上升音符，给人很焦虑不安的、彷佛想离开逃跑的感觉，此外还数度出现小提琴与大提琴沈重的往返对应，好像是在不安的质问著什么。但是这种音符的出现，都是突兀的过渡，不知何来何去的在和谐声中突然出现突然消失。　　虽然这种焦虑感，严厉的大主教是不可能准许莫札特将其放入宗教音乐的。但若仔细聆听同期的宗教音乐C大调庄严弥撒（KV337），就在其 Kyrie中，便有著间杂半音阶的上升，与突然出现嘎然而止的不谐和合音，尤其是因著其合音突然收入休止符，给人「提出没有答案」的不确定感十分的明显。这种宗教音乐的表达，已经是十分露骨了。　　不管莫札特最终是如何的以欢快否定忧郁与焦虑，其音乐呈现出来的真实心灵，却还是可以被聆听音乐者感觉出来：莫札特渴望自由渴望离开，对当时的生命处境并不满意。　　莫札特于 1781年终于跟大主教决裂，据说，是大主教踢著他的屁股，当众很难堪的把他赶出去的。莫札特在信中告诉父亲，「主教说为他服务的人中，没有像我这样坏的，又说其他我都不想重复的难听的话，还说我没教养。请你不要灰心，离开大主教我想我就开始会教好运了。」从此，莫札特开始他更艰困的，收入极不稳定的人生。　　灵魂深处的信仰告白　　莫札特离开撒尔兹堡后，于 1783年创作了他最著名的「C小调弥撒」（KV427），这曲弥撒因为没有教堂仪式肯用，终于没有完成，但光就其完成部份，便有人将之与巴哈「B小调弥撒」、贝多芬「庄严弥撒」并列世界最伟大的三大弥撒曲。　　这首弥撒曲的 Kyrie，先以乐器出现沈重的主题动机后，乐器与人声呈现二种不同的主题赋格，人声也分四部赋格。人声一开始就是急遽升高再急遽下降，给人十分戏剧性的激动感，而器乐主题重头到尾循环反覆进行式，彷佛在陈述一个明知结局却无法停止的抉择，更衬托出人声四部赋格「主我求你垂怜」的哀鸣。中间「基督请你怜悯我」歌词部份，是独唱清柔祈祷风，与合唱清柔祈祷风时而对话，时而互相附合。等祈祷风结束，就又回到器乐与人声二部赋格。

也许很多人认为古典乐迷们之所以欣赏古典音乐，完全是各人的喜好罢了，和欣赏流行音乐没有两样，或者他们以为古典音乐欣赏者食古不化，把流行音乐当成是不道德的或是不协和的。甚至有人把古典乐欣赏者说成势利的，认为我们只是用欣赏古典音乐来表达身份。这些说法完全误会了古典乐欣赏者的想法。许多古典乐迷其实比一般人的想法还来得开放和前卫，对各类现代思潮的接受力也较高。古典音乐欣赏者常常是最不在乎传统和别人想法的，不是一般人认为的老古板。 如果我们仔细分析一首贝多芬和一首流行歌曲，我们就会发现，贝多芬音乐里所使用不协和音的机率其实比流行歌曲中多得太多了。相对於一首古典乐曲，流行音乐反而显得保守而缺乏变化，犹如一篇光看第一页就知道全部情节的小说。 最受古典音乐欣赏者敬重的作曲家，绝大多数是当代最大胆前卫的作曲家，如莫扎特，贝多芬，萧邦，华格纳和德布西等人。即使是一般公认的保守派如巴哈，他所使用的和声在当代也是极为大胆的。相对的，缺乏新意的作曲家的作品就很少流传下来。 古典音乐欣赏者对音乐的要求到底是什么呢?又为什么那么多古典乐迷会对流行音乐大肆批评呢?这个现象可以由音乐欣赏者对音乐各要素的注重的比例得知。音乐要素分为三方面:旋律要素，节奏要素和和声要素，其中节奏要素又可细分为节拍和乐句。古典音乐欣赏者之所以偏好古典音乐绝非偶然。 一般人欣赏音乐的方式是欣赏音乐中的旋律要素。流行音乐欣赏者大多属於这种类型。他们注重音乐是否有流畅悦耳的旋律，因此贝多芬和巴哈等非旋律性的作曲家对他们来说是艰深难懂的。旋律要素的欣赏者经常需要跟音乐一起哼唱，或诉诸歌词等非音乐性的东西，因为他们只有这样才会被音乐感动。相对的，许多古典音乐欣赏者宁可欣赏他们听不懂的外文音乐，以防止歌词左右他们欣赏音乐本身的乐趣。 节奏要诉的欣赏者分成节拍的注重和乐句的注重。许多摇滚乐和重金属乐曲的欣赏者就是节拍欣赏者，因为摇滚乐强调低音和打击乐的节拍效果。许多古典乐欣赏者也是节拍取向的，但是他们注重的是节拍的复杂变化，而不是摇滚乐中过於规律的节奏。 乐句取向的欣赏者较旋律倾向和节拍倾向的欣赏者为少，但却占古典音乐迷的一大部份。他们是所有音乐欣赏者中最知性的，注重音乐中动机的发展，变化和组织。一段乐句或音乐素材无数的变化让他们有如看万花筒般地兴奋。缺乏发展性的流行音乐对他们来说是平淡无奇的，因为流行音乐的结构太过松散而简单。他们喜欢结构紧密而复杂的音乐，如贝多芬和布拉姆斯，对二十世纪的古典乐曲也颇能接受。