中国传统艺术论文1500字高清

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对于中国传统文化我一直都很热衷，但是我最喜欢的要算中国结了，中国结精致喜庆，让我觉得爱不释手手。中国结是一种装饰手工艺品，也是一种中国民间艺术形式。它是用一根根五彩的丝线编织成的。别看这小小的中国结，它可是一种非常潮流的艺术品，在很多地方都可以看到它。它可以做为汽车挂件，室内挂件。。。。。。也可以编织成手链，腰带，戒指。。。。。。带在身上非常漂亮。特别在过新年的时候，几乎家家户户都挂着中国结。因为它为主人祈福来年的平安富贵，也体现着主人的不同审美观念。中国结有很多不同的名字，有盘长结，吉祥结，如意结。。。。。吉祥结一般装饰在扇子上，代表大吉大利，吉人天相。如意结一般装饰在玉佩上，代表称心如意，万事吉祥。中国结是我们中国传统文化的典范，代表着中国几千年文明，我喜欢中国结，希望中国结可以继续给人们带来喜庆吉祥!

中国画传统艺术论文1500字高清

对中国传统中国传统绘画与平面设计（以下简称设计），感触最深的莫过于平面设计师了。设计师不但需要具备中国传统中国传统绘画的基本造型技能与审美意识，更需要具备对形式美法则的特殊理解和创造性的意念。 出于职业的因素，对中国传统中国传统绘画与平面设计的异同性，一种人认为，只要有中国传统中国传统绘画的造型功夫，设计便不成问题；而另一种人则认为，设计就是设计，有中国传统中国传统绘画的造型功底不见得就懂设计。持前一种观点的人多为美术院校的师生，而持后一种观点的人则一般为职业设计师。本文就此话题谈几点看法，欲起到抛砖引玉的作用。 1．中国传统绘画是个性的表露 中国传统绘画的意义在于创新，而创新只有通过“个性化”才能够得以实现，重复的中国传统绘画没有生命力。回顾中国传统绘画发展史就会发现，无论中国还是西方，每一位杰出的大师都曾经创造过极端个性化的作品。每一位巨匠都具有自己的典型特征。画家，尤其是现代派画家，他们在创作时可以完全不用考虑其作品的社会性。 在某种意义上说，作品的生命力，正表现在个性化上。通过作者对美的形式法则的特殊理解而存在着。任何一个伟大的画家，都会有自己独特的审美个性。画家必须 把自己个人的主观意志潜能释放出来，最大限度地表现自我。这方面，梵高无疑最具典型的代表意义。梵高于他生前极其艰苦的条件下所创造出的大量个性化作品从 未卖掉过，就是因为其作品的极端“个性化”，以致不能被人们所接受。 现代中国传统绘画个性化的表现还体现在五花八门的创新手法上。当今的世界正走向一个信息高度发达的社会，如何反映这一时代特征，是每一个前卫艺术家 思考的问题。在西方艺术表现形式日趋复杂多样的今天，架上中国传统绘画似乎处于一种低迷的状态。前卫艺术家们为了表现具有个性的独创性，往往将一些不同种类的艺术 式样相结合，以完成自己的艺术创作。这些光怪陆离的所谓“个性”的艺术品在现代艺术展中司空见惯，艺术家们完全不必考虑观众能否接受，而只表现自己的创 新。 2．依附性是现代设计在商品经济中的本质反映 设计与中国传统中国传统绘画最大的区别在于其对商品的依附性上。设计作为商品在为市场服务时必须具备“包装”价值与“使用”价值。要想赢得客户的信任与满意，最终实现设计的价值，就必须通过市场竞争的考验，设计得成功与否在于它能否通过美化产品而最终实现促销的日的。 现实中几乎每一位设计师在为客户提供设计服务时，都会尽量去迎合和满足客户的需要。一方面设计师必须站在客户的 角度去揣摩他们的心理，以使自己的设计方案得以通过。另一方面，客户可能对市场的把握了解远胜过设计师，设计师不得不服从客户对他提出的要求。在设计的过 程中，设计师绞尽脑汁去思考去解释自己的作品，也许自己认为很满意了，但最终的评判还是客户对其设计能否通过。 在这里有一种情形可以肯定，那就是被客户选中的未必就是“好作品”，而未通过的设计不一定就是“坏作品”。我们 常常可以碰到这样的情况，设计师为某一设计出了一组方案，对其中的某个方案很满意，而客户往往选中的却是设计师自认为“陪衬”的方案，最终的裁决权当然是 客户。设计师只有屈从于他们的“上帝”，这就是市场。 设计对商品的依附性还体现在“市场”是设计的指挥棒。市场的强劲与疲软将直接影响设计行业的起伏。如1991年海湾战争爆发之初，欧洲主要工业化 国家的生产过剩，消费匮乏，市场处于严重的经济萧条状态，生产停滞不前。荷兰的顿巴设计公司上门为一些厂家服务时得到的回答是：“经济不景气我们暂时不需 要设计，现有的设计就足够了”。还有另一种情况是，当市场上某种产品在卖方市场状态，产品供不应求，厂家对“设计”也会不屑一顾。 3．对混浊美的追来是中国传统绘画艺术的本质体现 中国传统绘画与设计的区别不仅仅体现任“个性化”与“依附性”方面，还体现在对形式美规律追求的差异性上。 “混沌”一词是“指宇宙形成以前模糊一团的景象”。中国人喜欢含蓄，认为“含蓄”就是美。“混沌”本身就体现着一种不确定的耐人寻味的特征，这和中国的古哲学与宗教有关。中国古典中国传统中国传统绘画所表现的“空灵”、“气韵”，以及“墨分五色”，用有限的笔墨表现无限的意境等美学思想，都在于这种“混沌”之美。 这些手法在设计中也偶尔能见到，但一般来说仅是借用中国传统绘画的表现手法，以增强设计的艺术性而已。它们不是设计的最 终目的。我们从杉浦康平等大师的作品中就可以体会出这一点。具体来说：杉浦康平为敦煌设计的系列从书，从表面上他是在追求中国画“空灵”、“气韵”之境 界，而更深刻的是他把敦煌中的图形元素，运用现代设计的基本构造原理加以组合。这种“空灵”混沌美的境界只是作为设计的一种手段而不是目的。希望最终能真 正反映出这套系列丛书的内涵。这充分表示出大师的独具匠心和对中国传统中国传统绘画与设计关系的把握上。 在西洋绘画方面，虽然流派众多，形式各异，但整体精神同样是在追求“混沌美”。古典油画尽管形态表现得细致、逼 真，但其意境追求的则是深奥悠远，发现出不确定的“混沌美”。而现代派追求的则是标新立异，追求的是超现实荒诞的不确定性。米罗追求的是童趣的海底世界般 的梦幻，体现着不确定的“混沌美”，柏洛克则拎着颜料桶在画布上滴洒而不拘一格，他似乎是更接近在追求着“宇宙形成以前模糊一团的景象”。 中国传统绘画对“混沌美”的追求还体现在对材料肌理的选择上。何种题材何种效果，需要何种肌理是中国传统中国传统绘画追求混沌美的表现之一。中国传统绘画，尤其是现代中国传统中国传统绘画，在一幅作品中 选择综合材料已到了随心所欲的境地，多种材料的运用旨在加强画面的“混沌美”的效果，通过扑朔迷离不确定的材质肌理的运用，以达到变化多端的目的。 4．秩序美是平面设计的核心体现 设计不同于中国传统绘画还体现在对秩序美的追求上，现代设计对实体的进一步把握是形式法则。形式是实体的具体化、丰富化、精确化。可以看出德漠克得特以原子结构来解释宇宙实体的内在形式，毕达哥拉斯派则以数理描述宇宙实体的外在形式，他们从天空星辰的布局中悟出了点、线、面的几何关系，从而把数推为宇宙的本体（“宇宙”这个词在古希腊就包含着和谐、数量、秩序等意义）。在设计方面，数对设计的影响，远的不说，仅从近代有关设计的理论， 对平面设计的贡献就可以看出它的重要性。如瑞士设计家约翰•契肖德所发明的数字逻辑形体设计在书籍设计中的运用。再如设计家罗尔•罗塞利奥对哥特式圣经内 页边缘数值比例的发现，即著名的九段划分法，他求出了开本宽度尺寸的一个1／9作为内边，两个1／9作为外边，开本宽度尺寸的一个1／9作为天头，两个 1／9作为地脚的规律。而在1946年，方•德•格拉夫根据罗尔罗塞利奥的九段划分法，求边缘的比例图，发现了用几何计算的简单方法取代九段划分法，这种方法被称为“蛇瓜式划分法”。 在现代设计史上对20世纪影响最大的代表人物是 勒•科布歇。他运用建筑学的基本理论根据人体比例进行黄金分割，被称为模数设计体系。模数最初对于建筑形式有着重要的贡献，后来被运用到平面设计中。模数 理论的基本原理就是对太阳神的肚脐、头顶和伸直手臂的指尖进行分割。之后勒•科布歇将之变为44个长方形进行空间分割。模数体系的核心，就是试图利用人们 对级数变化心理反应所产生的秩序美进行设计。在勒•科布歇发明模数之后，欧洲各国设计师纷纷运用这一设计原理并将之进一步推进，最终形成了网格设计的理论 体系。网格设计体系把几例分析法和数在平面设计中的运用提升到了空前的高度，其特征是重视比例感、秩序感、连续感、清晰感。总之，它是以理性的数理为基础的形式法则在平面设计中的运用。 从上述的例证来看，设计的美感体现在有秩序的数理的韵律上，这点与中国传统绘画有着本质的不同。 5．平面设计的独立性体现在版式编排和字体形态上 中国传统绘画是以图的形态传达着信息，一幅好的中国传统绘画作品可以浓缩巨大的信息内容，是文字高度浓缩的载体，在某些场合它可以代替或补充文字的不足。虽然如此，由于中国传统绘画与文字传播的功能存在着较大的差异，中国传统绘画作为单独的艺术形式其画面不存在文字的说明。既然中国传统绘画艺术可以无文字表述出现，故此它也就不存在版式编排问题。 而设计无论是作为独立的艺术形式，还是特地为某种产品服务，都必须有文字的说明。只有通过文字形态的存在，其自 身价值才能够得以充分体现。现代平面设计作为版面设计（typography）有两种意义上的版式编排：一种是图形与文字的结合，另一种是纯粹文字间的自 由组合。这两种形式均可称为版式设计。但无论哪一种形式的版式设计都离不开文字的存在。一方面版式编排需文字组成，另一方面文字本身形态的差异也丰富了版 式编排的多样性。 从世界范围来看，各国各民族文字其形态演化的过程都来源于“画图记事”，与图相联系。如果把这种“图形”称之为“中国传统绘画”的话，那么文字和中国传统绘画在他们幼年时代本是同根同源。但从现代设计的角度或世界文明史的进程来看这一问题，就会发现文字的形态特征显然已完全抽象地“独立”于“中国传统绘画”了。此外，在近一个世纪的现代设计发展历程中，前辈设计师们在实践中总结出 了一系列版式编排的形式法则，构成了现代设计的基础理论，如：比例、力场、中心、方向、对称、均衡、韵律、对比、分割等，以及黄金分割在设计中的运用，德 国标准比例、动力对称学说、草席形、立体派格调、螺旋形、模数等等都集中体现了平面设计的独特语言。而影响版式编排艺术性的“字体形态”已逐渐发展成为新 的设计学科。从本世纪初至今，西方许多发达国家相继成立了字体设计公司并在高等学校开办了字体设计学科。亚洲的日本、韩国等也没有相应的机构。由此可见， 设计有别于中国传统绘画是独立于中国传统绘画而具有时代特征的专门学科。 6．中国传统绘画与设计的差异性体现在各自的实现方式上 由于中国传统绘画与设计存在着巨大的功能上的差异性，同时，在工艺制作的实现方式上也就存在着本质的区别。 中国传统绘画虽然是一门艺术，但在制作过程中技术的成份占有相当大的比重。如果说中国传统绘画在艺术的前提下，是一个运用新观念新手段的创造过程，那么中国传统绘画在其技术中所包含的材料、技巧等一系列因素则是完成和实现这种创造性思维的最重要的手段。 前文中曾提到的中国传统绘画是个体劳动并突出表现“个性”的单一行为。因此，这就决定了某一中国传统绘画作品，绝对不能重复出 现，并且呈现给观众的必须是“手工”制作的真实的肌理材料。如油画，是用以油为结合剂的油性颜料画在布面或其它材料上。国画则以笔、墨、宣纸、帛以及水溶 性颜料为主要肌理特征。 而作为设计，其产生和发展都由“商业”行为而来，是随着商品经济的 激烈竞争而出现的。它的目的是为整个市场服务，具有显著的商品特征。在其“实现”方式上必然是在脑力劳动与机器大生产相结合的物化过程。在过去近一个多世 纪的发展历程中，设计从来都是以机器印刷的方式来证明自己的价值。它从未脱离过大机器生产而独立存在。即使是在国际各种设计比赛中，设计作品的机器生产工 艺水平也是评判的重要着眼点。现今时代变了，科技又有了长足的进步，电脑的产生无疑给设计业带来革命性的变化。设计作品的“生产”方式更加体现了机器的智能化、工业化和系列化，越来越显示出“机器”的重要性。因此作为一个设计师不仅应懂得设计还要懂得机器的印刷功能，印刷装订工艺，甚至还要懂得在何种状态下，机器墨色套排序列会对作品产生什么样的效果，纸张的品牌、种类、性能将会影响设计作品的怎样质量。 综上所述，中国传统绘画与现代平面设计有着巨大的差异。二者之间的关系属于两个不同性质行业之间的关系——是实用性与观赏性的关系；是多层次、多社会性的理性思考与情感宣泄，表现个性才气的关系；是体现工业化的生产技术水平与个体艺术者之手工技巧的关系…… 虽然本文在此强调了二者之间的差异性，但并不否认二者之间的联系性。如：早期中国传统绘画与设计的起源、艺术规律的相似性，设计必须具有中国传统中国传统绘画审美意识的基本特征，等等。 我们只有正确地把握中国传统中国传统绘画与设计的异同，掌握其中的奥秘，理解二者的共性与个性，才算对这一问题有了客观深刻的科学认识。

中西方绘画在色彩运用和对色彩的感受上显然有所不同。中国传统的绘画是以墨调色，与西方绘画以油色烘染出的立体感、明暗透视等有巨大差异，在厚与薄、深与浅、淡与浓等多组矛盾中求得视觉性效果。中国古代画论中认为，墨具有五色：焦浓、重、淡、清等；墨色之中又分为六彩：黑、白、干、湿、浓、淡。中国传统绘画黑白不分，是无阴阳明暗；干湿不备，是无苍翠秀润；浓淡不辨，是无凹凸远近。中国的绘画艺术以直觉的方式来感觉色彩的万千变化，而西方绘画艺术，整体上则是倾向于光学意义上的，更加富于多少何精神和理性的思考。 中国画和西洋画不一样，可能这是一个很大的特点。西洋画是表象的，非常写实的，对，更多。中国画是写意的，这个写意可不是大概其，是写的意象，写的是理想，写的是画境、意境。所以诗中有画，画中有诗。所以中国画不光要画得好，光是技术好不行，你还得有文化。涉及到诗、书、画、印各方面的修养 中国传统的美学观念一直延续到今天就是以天人合一，自然、朴实、返璞归真为美，这个中国画里表现得非常突出。另外中国人的禅学思想比较发达，形和意之间的关系不是弄得很实实在在的。一开始虽然是从写实、描绘人物出发，但是渐渐地融进了中国人独特的思维方式，天人合一的价值观念、美学观念，和形意之间辨证的这种思维方式，是。所以在中国从色彩、构图、黑白、线条，各个方面都表达了这种独特的哲学观念和思维观念，乃至人生的伦理观念。而且中国人历来有一种运动的画面感，这就是中国人天然地有电影的思维、运动的视觉形象，所以中国画里散点透视。你一看它是运动着的，看着山水是活的。 中国画意象所体现的是人与自然的同一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象，象中有意，主观情志外象化，客观之象情趣化，可谓物我交融，天人合一。当然，中国画也要面对客观物象，但这些物象经与审美主体交融后，也就蜕变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。对于自然物象，它不是不知，而是不必去知，更无意刻意去知，于是，中国画不讲焦点透视，而善散点构成；不讲三度空间，而求二度变化；不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受。它挣脱物理形象而获得提炼，变成一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客体形体本身的精神效应。中国画的意象特性有着强烈的表现力和艺术魅力，它的艺术追求也是另辟蹊径，既表现客观，还强调主观。作画时，要意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。中国画重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、意广象圆、情景交融。追求笔有尽而意无穷，象有限而意无边。总之，所有这些都是中国画意象特性的丰富内涵。多少千年来，中国画瑰丽多彩、绵延相继，即使是在世界文化大碰撞、大融合的今天，也仍显夺目光彩，这是与中国画意象特性的审美观分不开的。 西方绘画艺术概括地讲有两大派，一是写实派或称具象派，认识和把握自然的方式是纯客观的，始终贯穿着以科学精神为基础，画家观察研究自然的办法主要是对景写生。要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界，并把运用和体现透视、解剖、光彩原理的准确程度当作衡量艺术质量的重要尺度。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加任何个人的意念和想象。随着科学技术的发展，又出现了表现X光、红外光谱、光速、激光照明效果等，用肉眼看不到的内容和画派，意在进一步从画面上体现科学技术的最新成果。二是抽象派。西方艺术贯走极端，艺术家们在对具象写实感到厌倦以后，从印象派开始，仅在数十年内，有些人就从具象这个极端急剧转到抽象——另一个极端。抽象派与严格地再现客观物象的写实派正好相反，创作办法是使自然物象变形，追求抽象的装饰性和视觉效果，或用光色和多少何形态的抽象组合形式表现个人主观的思想体验，甚至是潜意识、下意识，以及种种隐秘的心理。随着夸张变形的创作办法越来越走向极端，有些人甚至干脆丢掉画笔搞起了装置艺术、行为艺术。某些西方现代主义、后现代主义所标榜的前卫，实际是远离现实，逆反一切传统文化、道德观念，越来越趋向病态的自我表现，给正常的艺术发展造成重大干扰和破坏，也肯定难以引起观者的共鸣，无法为广大人民群众所接受。 绘画展现的是一个丰富多彩的世界，如同把人带向一片宽阔的用鲜花与绿色织绣出来的原野。在一幅幅画中，各色线条像天籁的旋律，像隐身人的乐舞，更像无形春风，将生命的色彩翻飞，使之高蹈清扬，如音乐的节奏和诗歌的韵律。在绘画的创造上，中国传统一向推崇的是那些不以绘画为专门职业，但擅于绘画的文化人，被称为文人画家的画家，第一应该是一个在文化上有修养的人，同时又具有绘画技能，所以，绘画艺术的最高价值正是隐藏在艺术家无功利的动机之中。绘画本来就是一种源自心灵的感动，这种感动支配了形象的生成，使得画面上的色彩、线条、肌理、结构、空间相互共鸣，与画家的心灵共鸣，继而与观者的心灵共鸣。于是，便产生了一种被中国先哲概括为“天人合一”的绘画——纯粹的绘画。一个人开始动笔作画总有某种原因，对周围的事物表明态度、状物或者抒情，在特定的空间里写出自己目光之所见，在画面上留下物象的身影，甚至也可能就是一种无意识的摹仿，在笔墨的挥洒和折转间，反照和叠变着通向人生的玄思，通向自然万物的情怀。状态出神、联想自由，入神处都在意识的边缘进行，线与面的旋律动向不易料测，时有惊喜的跳跃，皆合心律，最终获得如有神助，不期而遇的回响，成为一个个色彩篇章生命的凝定，冲击着每一位欣赏者的心灵。 中国画往往只是寥寥数笔，但是从这幅画面上你能读到的东西，那可是太多了。所以就像刚才于教授说的，在中国绘画当中，我们指的是真正的中国绘画，有中国文化神韵的中国绘画，你真的能读出所有东方文化艺术的精要。

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子曰，没分儿，则没门儿

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浅谈中国画教学中国画在初中美术教学中占有很大的比重。中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。通过中国画教学，使学生认识中国画、了解中国画、喜欢中国画、会画中国画，产生美的悟性和创造力，是中国画教学的重要任务。在中国画欣赏课教学中，利用作品的创作背景、反映的内容以及作者的爱国名言和爱国事迹，来教育学生、启发学生，培养学生的爱国主义情感、民族自尊心和自豪感。如《风雨鸡鸣》图是徐悲鸿１９３７年创作的，画面表现了一只站在岩石上的雄鸡，激昂地高声鸣叫，画家喻意唤起人民赶快觉醒，加入抗日救亡的洪流之中，表达了画家对祖国的深情，对正义的伸张，对光明的向往。徐悲鸿１９４３年创作的《会狮东京》一画，表现群狮将富士山踏于足下，期望抗日战争的最后胜利。为使学生加深对画的理解和印象，再衬以徐悲鸿事迹简介，徐先生在抗日战争期间，积极投入到民族救亡运动中，以自己的画作在国外展售，支援祖国人民抗日，救济祖国受苦受难人民，使学生看其画、闻其人，倍感亲切，倍受鼓舞。李可染、林风眠创作的《万山红遍》、《秋》以中国画不同的表现形式，鲜明地再现出秋色之美，浓郁醇厚、明艳诱人。画家用饱蘸深情的笔墨，赞美家乡的可爱，祖国山河之壮美。通过欣赏画使学生对中国画产生了浓厚的兴趣，迸发出热爱祖国山河、热爱家乡一草一木的情感。在中国画笔墨练习教学中，墨色的交融，干、湿、浓、淡、清构成水墨淋漓的情趣世界，使学生在这种笔墨的变化中得到无穷的乐趣，这对学生既是一种美的启迪、情操的陶冶，也是一种国画技法训练。通过教师在宣纸上演示以墨撞水、以水撞墨、以色冲墨、以墨冲色、泼墨、甩色、点色、吹色等用笔用色技法，使学生产生强烈的好奇心。学生开始练习时，教师要巡视指导，不要求具体绘画内容，只是随意画，用毛笔沾水、沾墨、沾色，使水、墨、色在宣纸上自然交融，再用长短粗细不同的笔触，产生奇特的韵味，使学生在无意之中学到中国画的笔墨技法。待学生对用笔、用墨、用色有了初步的掌握之后，再画简单的藤蔓植物，如：葡萄、黄瓜、丝瓜等。因为藤蔓植物的叶子、藤都有相似之处，只在果实上改动一下即可，有利于学生掌握。全方位多角度的教学方法是成功完成国画教学的重要组成部分，国画教学不仅局限于课堂内，也可以课内课外相结合。例如：定期举办学生的美术作品展览和开展美术第二课堂活动。因为在此类美展中，作者是学生本人或自己的同学，同学们看了倍感亲切。通过美展互相切磋技艺、交流经验、交流感受，对提高学生的审美能力，增强自信心和成功意识，反馈教学信息都是不可缺少的。中国画博大精深，是我们美术教学取之不尽的艺术源泉，怎样更进一步的搞好中国画教学，使我们的民族艺术发扬光大，后继有人，还有待于我们在教学实践中不断地探索、研究，并为之不懈地努力。

中国传统艺术论文1500字

中外美术鉴赏学习心得体会美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。由于美学的复杂性，所以当时全世界对美的本质没有一个定论，而是众说纷纭。其中“美是生活说”是东方关于美的本质的一种学说，认为美存在于现实生活中，生活才是美的本质。“美是理念说”是西方关于美的本质的一种学说。认为物质感性世界不存在美或美的属性，美与某种超现实存在的神秘的非物质性的精神实体紧密相联，由于这种精神实体的注入或显现，才使客观事物成为美的。以前认为美术只是单纯的绘画作品，比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，才知道这只是狭隘的理解；绘画、雕塑、工艺、建筑、书法、篆刻、设计、新媒体和摄影等类型是现下的主流分类。美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。中国传统的美术，水墨特色明显，表现的淋漓尽致。线条流畅，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。徐悲鸿的《八骏图》在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现厂马的形体，又不影响墨色的韵味。齐白石的《虾》栩栩如生，情趣盎然。巧妙地利用墨色和笔痕表现虾的结构和质感，又以富有金石味的笔法描绘虾须和长臂钳，使纯墨色的结构里也有着丰富的意味，有着高妙的技巧。为表现出那种透视感，用虚实结合，简略得宜，似柔实刚，似断实连，直中有曲，乱小有序的线条，使纸上之虾看似在水中嬉戏游动，触须也像似动非动，力求深入表现它们的形神特征。黄公望的《富春山居图》全图用墨淡雅，山和水布置疏密得当，层次分明，笔墨纷披，墨色浓淡干湿并用，苍茫简远，极富于变化。既形象地在现了富春山的秀丽外貌，又把其本质的特征挥洒得淋漓尽致。西方印象派的鼎盛时期出现了很多位大师，印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。其中莫奈的《睡莲》在看似随意轻松的笔触中却将光线的美感，水面上自然漂浮的睡莲的温柔表现的淋漓尽致。他的《睡莲》色彩十分丰富，但是所有的颜色在画面中都是分外的柔和和均衡。仅仅是描绘莲花的颜色也是随着光线和环境的影响而色彩变化多端，让人虽不能一口断定是什么颜色的睡莲，但是却又觉得那些娇艳的睡莲就近在眼前。甚至是那些捉摸不透的笔触都好像在描绘着莫奈当时对池中睡莲的喜爱。湖中的倒影和湖面上的睡莲看似都是有色块堆砌而成，却疏密虚实相得益彰，让人一目了然却又回味无穷。梵·高笔下的《向日葵》像闪烁着熊熊的火焰，是那样艳丽，华美，同时又是和谐，优雅甚至细腻，那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。然而，在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。是带有原始冲动和热情的生命体。我喜欢他那绚烂的色彩，满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力，色彩的对比也是单纯强烈的。通过学习美术鉴赏课，使我的视野更加开阔，也拓宽了我的知识面，学到了专业课理论知识以外的东西，这门课培养了我对美的认识和鉴赏能力，让我可以更加细致的观察生活中的美。更加坚定了我对美好生活的追求与热爱。

缤纷斑斓、瑰丽多彩的艺术世界，令人心醉神迷、流连忘返。然而，艺术究竟是什么？关于这个问题，不同时期的专家和学者都有各自不同的观点。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”。18 世纪德国哲学家席勒认为艺术活动或审美活动起源于人类所具有的游戏本能。目前似乎谁也不能够明确地给予回答。撇去文献资料的繁冗，哲学观点的争辩不休。笔者仅以自己的浅薄之识谈一下对艺术的理解。什么是艺术？艺术就是对人类对世界的认识的情感表达。艺术无处不在，无处不有。艺术时刻点缀着我们的生活创造生活中的美，艺术拥有永恒的魅力。一、艺术让我们懂得去发现美青山绿水，鸟语花香，你视而不见；蓬莱文章，古今佳作，你望而生厌；巍巍泰山，绵绵长城，你望而却步；阡陌交通，鸡犬相闻，你嗤之以鼻。生活在同一个世界，为何你的眼中就没有美？那是因为你不懂得去欣赏。而如果你懂得什么是艺术，你就会发现原来身边的世界如此美丽。艺术给了我们一双善于发现美的眼睛。当重新审视这个世界的时候，你会发现美无处不在。山有稳健之美，水有静柔之美，草有苍翠之美，花有香艳之美，海有辽阔之美，溪有清澈之美，天空有高远之美，自然有和谐之美。艺术我们美丽双眼的滋润液，带我们走进色彩斑斓的大千世界，让我们学会审美。审美并不一定要有《兰亭序》、《米洛的维纳斯》、《蒙娜•丽莎》和《田园交响曲》。 其实，每个人自己的大脑在那颗智慧果的营养中已经获得了令人难以置信的创造力，它有足够的能力随时创造出比迄今为止所有的自然美景和艺术品更加扣人心弦的壮丽画卷（这并不为多数人所理解和接受，但它却是实实在在、千真万确的），从而随时使自己跨入无限辉煌的审美时空，随时使自己在瞬间获得永恒！ 二、艺术让我们懂得去追求美一幅书法作品《兰亭序》被誉为“天下第一行书”，不仅因为笔意流畅，灵活多变，其中更赋予了王羲之对艺术执著不懈的追求。不论是科学界还是哲学界，总有一种力量在激励着我们，让我们去追求美的东西。马克思四十年如一日的终日苦读，源于他对哲学美不断追求。最终，他集德国古典哲学，英国资产阶级政治经济学和法国空想社会主义与一体，完成了唯物主义的哲学观点。《命运交响曲》唱尽了贝多芬人生的悲怆和同命运作斗争的艰难与不屈；《蒙娜丽莎》更是达芬奇将内心永存的永恒的微笑尽画其中。张恨水一生勤于笔耕，3000多万字的文学作品流传于世，真可谓著述丰厚，像他这样勤于创造的一生，不仅展露了他人生的智慧，也尽显了他对生命之美的不懈追求。生命之美更存在于不息的创造之中。有一首歌唱得好，“幸福在那里？朋友啊告诉你，它不在柳荫下，也不在温室里，它在辛勤的工作中，它在艰苦的劳动里。”其实，生命之美又何尝不是如此？只有当生命在不断的耕耘不断的创造时，才能完善自我超越自我升华自我，才能体现出生命的意义和价值，生命的美也就尽含其中。正因为蜜蜂从不间歇地辛勤采撷，所以蜜蜂不仅自己欣赏了百花争妍的大好自然，而且也成为了人们眼中勤劳使者的象征，当然，人们也就不惜用一切好词佳句来讴歌蜜蜂的生命之美；蚂蚁整天东奔西跑，忙忙碌碌，从不疲倦，只要它出了洞口，就会不苛求劳动的条件，从不休息，而愉快地劳作，因而，蚂蚁也就在忙碌中创造了生命之美。世间一切撼人心魄的美，均源于生命，而生命之美又源于灵动和不停息的创造，所以，只有一个懂得珍惜生命的人，才能真正创造生命的美，展现生命的美，享受生命的美！艺术，让我们明白什么是真善美，什么是假丑恶，什么能够遗传千古，什么够流芳百世。人们希望在有限的生命里追求无限的价值，在相对的存在中追求绝对的意义。对艺术的执著精神激励着人们惜时如金，不负年华，积极向上，建功立业。三、艺术让世界多姿多彩从古埃及大漠中的金字塔、罗马庞培城的斗兽场到中国的古长城，从秩序井然的北京城、宏阔显赫的故宫、圣洁高敞的天坛、诗情画意的苏州园林、清幽别致的峨眉山寺到端庄高雅的希腊神庙、威慑压抑的哥特式教堂、豪华眩目的凡尔赛宫、冷峻刻板的摩天大楼，无不闪耀着人类智慧的光芒。而这些正是建筑艺术给我们带来的艺术盛宴。建筑的文化内涵表明，建筑艺术风格的形成和发展不只是物质因素的作用，同时可能是，甚至更主要的是精神文化因素促成的结果。建筑艺术中蕴藏着时代的、民族的文化气息。飘若浮云，矫若惊龙的王羲之书法，颠狂醉态的张旭狂草，“颜精柳骨”……书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形式，它主要通过汉字的用笔用墨、点画结构、行次章法等造型美，来表现人的气质、品格和情操，从而达到美学的境界。1841年3月，恩格斯听了《命运交响曲》的演出。他在写给妹妹的信中赞美这部作品说：“如果你不知道这奇妙的东西，那么你一生就算什么也没有听见。”他说，他在第一乐章里听到了“那种完全的绝望的悲哀，那种忧伤的痛苦”；在第二乐章里听到了“那种爱情的温柔的忧思”；而第三、第四乐章里“用小号表达出来的强劲有力、年轻的、自由的欢乐”，又是那么鼓舞人心。恩格斯用短短的几句话，揭示了音乐艺术给我们带来的魅力。电影艺术让我们享受视觉冲击的同时感受一下生活的多姿多彩；绘画艺术仅用简单的线条和色彩搭配就能展现缤纷的世界，诗歌、散文则以静的字符展现跃动的世界。……世界因为艺术而多彩，艺术活动是在不完善的人世间建立审美幻象，使人类的生命更丰富和更健康。正因如此，艺术创造不是外在于生命的知识、不是工具性的技术能力，而是生命成长的学问，也就是古人所追求的“道”。艺术其实就是在未定性、无限性中对世界意义的不断开启。 所以，我们对艺术意义的探讨，无异于对心灵的意义的探讨实际上，也正是人类自己根本问题。艺术让我们用智慧的双眼去发现、去创造生活中的美，艺术给我们一个多姿多彩的世界。我们更应该善于从生活中发现艺术、创造艺术，这样才能做一个真正懂得生活的人。

物极必反，事物发展到极端以后必然转向另外一个极端。中国文化由衰到盛，再由盛到衰，也是必然的两个极端发展过程。“文化大革命”是对传统文化的最彻底的清扫，中国传统文化衰到了极点，也预示着传统文化转机的到来，预示着传统文化重新兴盛的开始。所以我们要及时认识传统文化，走进传统文化，实现中华民族的伟大复兴。所谓走进传统文化，就是要弃恶从善、改邪归正、超凡脱俗、离苦得乐，转愚痴为智慧、转糊涂为明白、转烦恼为快乐、转空虚为充实、转黑暗为光明、转凡夫为圣贤、转小人为君子、转无赖为豪杰、转生死为涅槃，。　　学习传统文化的意义：　　学习好比吃饭，吃饭的真正目的是为了健康，学习的真正目的是为了智慧；但是有几人是为了健康而吃饭？同样，又有几人是为了智慧而学习？所以，做人一定要有正确的人生态度，要有人格和主见，要特立独行，切不可随波逐流。一个民族和国家也同样要有自己的传统文化，这是独立和发展的基础。健康和智慧也仅是生命的基础，在此基础上还要进一步认识、改造、完善生命。　　英国科学家李约瑟从上世纪三十年代开始在研究中国古代科技时提出了著名的李约瑟难题：为什么古代中国人发明了指南针、火药、造纸术和印刷术，工业革命却没有发端于中国？我国著名的科学家钱学森晚年也多次提出了“为什么我们的学校总是培养不出杰出的人才”的质问。　　任何一个国家民族，在学校教育的背后都有一套传统的文化思想作底蕴，教育就像是一棵大树，而经过千百年积累起来的传统文化思想就像是大地上的土壤，在这个良好的文化体系基础上，才能够有良好的家庭教育、学校教育、社会教育、宗教教育等，才能构建起良好的教育体系，保证人生的健康发展。　　大地：不能吃、不能穿、不能住，但是一切能吃、能穿、能住的东西都是来自于大地。大地承载一切，生长一切，接受一切，转脏为净、转臭为香、转丑为美，为万物之基础，无为而无所不为，无能而无所不能。一个人要健康地成长，将来有所作为，首先要建立起宽广的胸怀及髙远的志向，具备成长和作为的基础与能力，守本分、能承担、肯付出、有德行、有智慧，这要靠文化而不是知识或技术来培养。传统文化就像大地一样，其作用就在于他能够培养人类发展的基础和能力-福德智慧，使你无所不能。文化不是科技、艺术、宗教，但是一切真正的科技、艺术、宗教都必以文化为基础，才能健康地发展。　　中国的教育、文学、艺术、科技、政治、经济都是伴随着文化的发展而发展，文化是他们背后的真正推动力。中国传统文化的没落是导致教育、科技、文学、艺术及政治、经济等落后的根本所在。所以，在中国历史上真正重视、标榜的是文化方面的人才，而书法、绘画、雕刻、建筑、文学、科技等方面的人才都落在其次，甚至根本就不见经传。因为只要文化不灭，文明就会自然延续下去。国家最需要的、最有用的也是文化方面的人才。　　传统文化的没落，从儒家文化的发展就表现得很明显。孔子-六经-五经-四书-朱注四书-白话四书-现代注解四书，到最后有很多地方已经完全偏离了孔子的本意。文化的核心变化为：道德、仁义、礼法，没有文化时就变成法制了，越来越偏离于自然的法则，人为的东西越来越多。人们的志向也随着文化的变化而改变：道-德-道德-道理-真理-理想-梦想-妄想，越来越脱离自然、根本和实际。我们现在要认识文化的本貌、理解其真意、继承正统，弥补文化的缺失，从根本上提高科技与文艺的发展动力，从根本上提升经济与政治的管理素质。避免盲目崇拜或者任意亵渎，这都是文化没落的表现。在中国文化史上，圣贤人的地位要高于父母的，中国文化提倡要孝敬父母，同时更要恭敬圣贤，父母给了我们生命，而圣贤给了我们慧命，慧命比生命更重要，更有价值。礼拜父母是天经地义的，礼拜圣贤也同样是无可厚非的行为。当然，最重要的是本质上的恭敬，而不是形式，否则必然适得其反。 后人太重视形式，并且发展到极端，本质上却越来越欠恭敬，结果导致了另一个极端的开始，也自然导致了文化的由盛到衰。　　1、 只有民族的才是世界的，只有文化的才是永恒的　　所谓文化内涵，是他具有民族性，或者说具有世界性，因为文化所表达的是人的本性、共性，是永恒的、相通的。)　　中国传统文化：是中华民族多少代人集体智慧的结晶；是中华祖先留传给后代子孙最珍贵的遗产；是中华民族贡献给全人类最宝贵的精神财富。　　中国传统文化是我们中华民族后代子孙开启智慧的钥匙。只有我们中国人更有能力和条件，把自己的文化全面的继承下来并发扬光大。我们只有首先把自己的民族文化传承下来，拥有了一定的智慧，然后再把他贡献给全人类，才有能力、有资格去接受其他民族的优秀文化。　　四大文明古国现在仅剩中国文化，中国文化是集古今中外之大成，是人类文明的精华，能拯救中华民族，也能拯救世界。　　2、中华祖先承传文化、智慧的法宝　　（1）汉 字：六书造字，充满智慧的符号—表达智慧（智慧不易表达-书不尽言言不尽意、只可意会不可言传、不可思议）；　　（2）文言文: 语言与文字分开，永久不改变—承传智慧；　　（3）孝 道：道德之本，文化之源，教育之始—开启智慧。　　所以，中华传统文化是开启智慧的钥匙。这是中国传统文化最根本的成就、高度智慧的成就。现代人迷失了传统，因而对传统文化产生了误解，从而轻视、否定、大肆辱骂传统，辱骂祖宗。　　3、传统文化能立大志：　　做人的志向要高，所谓顶天立地，这是真正的人。人本位天地之间，而不是名利之间、财色之间。要有天空一样的心量、大地一样的胸怀，更有心包太虚、量周沙界的更崇高的思想境界，离开传统文化这种志向是立不起来的。（为天地立心，为生民立命，为往圣继绝学，为万世开太平-宋张载）　　同时，又要求做人的姿态要低，要谦虚、谨慎、忍辱，离开传统文化是难以摆正这种心态的。（孔融让梨、大舜至孝、蔺相如顾全大局廉颇负荆请罪-美德）　　传统文化能让我们真正做到高处着眼，低处起步。　　3、承传中华传统文化，实现中外文化的正常交流　　有来有往才叫交流，正常的交流一定要建立在平等的基础上。所谓平等是要有相同的能力，有相同的智慧德行等基本人文素质。要有辨别和选择的能力，辨别是非好坏真假；要有接受和防御的能力，能够把好的东西接受过来，把坏的东西抵制住，同时把我们好的东西输送出去，实现中西文化的互相补充和完善，共同推动人类文明的整体进步。中国的传统文化和西方的科技文化，就是中西文化的精华，可以互相弥补。通过交流实现：古代文化现代化，西方文化中国化，中西文化全球化； 古为今用，西为中用，造福世界。闭关锁国、排斥一切或全盘西化、一边倒的涌进、毫无选择的吸收都是不可取的，后果将无法挽回。（同性恋、艾滋病、明明德）　　4、中国传统文化能够真正建立起中华民族的脊梁　　民族的血统加民族的精神等于民族的脊梁，有脊梁的民族才能屹立于世界之林：民族精神来源于民族文化，继承民族文化才能形成民族思想，只有具备中华民族传统思想的人才可能具有中华民族的精神，才算是真正的中国人，我们首先做好人、做好中国人，然后才可能被世界认可。　　文化是一个民族的灵魂，一个没有文化根基的民族是没有希望的。没有自己的文化，一个民族就不会有凝聚力，始终像一盘散沙。没有自己的文化，一 个民族就不会有创造力，只会跟在外国人屁股后面模仿。没有自己的文化，一个民族就不会有自信心，也不可能得到外人的尊重。　　5、文化不是知识，德不是才，福德智慧不是才能技艺　　文化不同于知识，文化的作用和目的是开启智慧、积累德行（有文化就是有智慧、有福德），知识是培养才能、技艺。　　有德有才是精品，有德无才是成品，无德无才是废品，无德有才是毒品；　　才德全尽谓之圣人，才德兼亡谓之愚人，德胜才谓之君子，才胜德谓之小人－司马光《资治通鉴》　　有德有才破格重用，有德无才培养使用，有才无德限制录用，无德无才坚决不用－牛根生先生　　德比才更重要。　　6、传统文化是连接古今及未来的纽带　　博古通今，承先启后，继往开来-博古才能通今，承先才能启后，继往才能开来。所谓博古、承先、继往就是指承传传统文化。　　传统文化能够保证社会和民族绵延不绝、自强不息、持续发展；传统文化能够保证民族顶天立地、信心坚定、独立自主。所以，传统文化能够建立起自信、自强、自立的人生和民族。　　所以说，中国文化存则中国兴，中国文化绝则中国亡。　　中国文化要在保证根本稳定的基础上，不断吸收新的养分，添枝加叶，不断发展和完善，与时俱进，历久弥新，做到百花齐放，百家争鸣。而不能把几千年积累的经验和智慧全部推翻，那就等于把大树连根拨起，或摧残百花，然后再去重新建立-是极其愚蠢和冲动的行为（文革教训）。文化的建立是千秋大业，需要多少代人的实践探索和积累（文化如一棵大树，多少年才长得枝繁叶茂，古木参天）。但是，真理是永恒的，是绝对的，最终重新得到的结论也必然与古人不谋而和，因为人的真心本性不变，古人已和盘托出-世间好语佛说尽。　　7、生命的真正意义、最高价值、最终目标　　古人讲道：悟道、修道、得道、弘道；　　后人讲真理：发现真理、追求真理、落实真理、弘扬真理；　　具体讲就是为了生命：认识生命、改造生命、完善生命，并最终去帮助一切生命认识、改造、完善生命。　　完善生命：包括真善美慧（假恶丑痴）四个方面，要分别靠科学证明、艺术展示、宗教落实、文化开启。有智慧才能认识生命，进而改造、完善生命。　　真假、善恶、美丑靠智慧辨别，而智慧要靠文化开启，文化是科学、艺术和宗教的基础。真正的科学家、宗教家、艺术家同时也必须是文化人，必须有智慧，具有辨别真假、善恶、美丑的能力才能把科学、艺术、宗教搞好。　　文化讲道，承传真理－求生命之慧；宗教行道，落实真理－求生命之善；科学证道，证明真理－求生命之真；艺术示道，展示真理－求生命之美。经济是人对物的管理，政治是人对事的管理。所谓以人为本就是靠人管理为人服务，做好人，有智慧，才能管好事和物，所以文化教育也是经济和政治的基础。　　真理就是生命的真相；中国文化中宗教为佛教专门术语，即自证为宗、化他名教 。　　承传生命之慧-落实生命之善-证明生命之真-展示生命之美：认识、改造、完善生命　　一切生活都是为了生命；不应该为了生活而忽视生命(贫)；更不应该为了生活享受而残害生命(富)；站在生命的高度看问题才能真正解决问题；生命有层次的差别-（有提升的空间、有堕落的余地）；生命的意义在于不断提升生命的层次(孝敬爱仁慈悲)。　　我们要认识传统文化、学习传统文化、落实传统文化，做一个有道德、有智慧、有能力、有信心、有素质的真正中国人。要先学做人，再学做事，才能成事；要先学文化，再学知识，然后才能灵活掌握并正当应用技术。　　生命高于一切。为完善、保护生命而牺牲生命值得，为生活而牺牲生命不值得。

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