艺术人生论文1500字内容概括
艺术人生论文1500字内容概括
从小学到现在的作文课,觉得只有一句话对作文的本质概括得较到位,那就是"作文是'源于生活而高于生活'的艺术作品"在我的理解,"源于生活"就是材料的选取是来自于平时的生活,而"高于生活"则是要求作文要以审美的眼光对一般材料进行艺术加工。 其实说起来容易,做起来难,像做每一件事一样,要有源于生活的材料,则必须有敏锐的观察力和灵敏的感受力。而要有灵敏的感受力则又要有敏感的思维和感官,要在每时每刻留心身边的每个人,每件事,特别要抓住一些细小的细节,也就是说感受要深刻、独特、细腻。这样才会在作文时不必担心无话可说,无字可写,硬是把作文变成"榨文"。 谈起感受,不由想起清代扬州八怪里的郑板桥,大家都知道郑氏瘦竹不仅反映了郑板桥的高尚人格,而竹本身的削俏、挺拔,竹之神韵更被表达得淋漓尽致。板桥为什么能把竹画为"神品"呢?据说,板桥在空闲时就站在竹林里,默默的观察竹的一举一动,看竹的傲对冰霜,看竹的迎风送雨。通过对竹的深刻感受,于是就能很轻易地把它的神韵表现出来。另外达o·芬奇画蛋也是训练感受的一个例证。 艺术是相通的绘画和写作都属于艺术,所以写作也要通过不断的接触现实生活、感受现实生活,才能生动、准确地表现事物和道理。当在写作中觉得无话可说,你就感到平时仔细观察的重要性了。 也许,有人会说我平时的生活实在是太单调了,并没有别人文章里所描写的大喜大悲、大起大落,每天就是由"家"--"学校"--"家"三点运动,而大多的时间都是在学校渡过,只有单调的学习,很少有机会到社会上去了解一些情况,也很少有时间与社会进行交流,每天都是固定陈式似的生活着,突发事件几乎不会出现,一点新鲜材料也没有,而以前的材料又已写了若干遍,再写也无甚意义。于是到了写作就有江郎才尽的感觉。 其实,哲学上讲过,世界是不断发展的,世界上不可能存在绝对相同的东西,即使你每天过着同样单调枯燥的生活,这只是一种表面现象,你并没有仔细的观察和感受其中的细微变化。如果你无时无刻都做个有心人,不时的以敏感的心努力去挖掘事物的细微变化,并把它放大,同时加入你的想象和联想,这样你就能在细微中见伟大,于无声中见有声。那么你在以后的写作中就觉得有事可写,一改以前"榨文"的状态。 当然,有了材料还只是成文的一半,要文章有生命力,则还必须对材料进行一定的艺术加工,这样你写的才能称得上是一篇合格的文章。那么又要怎样加工,如何让自己加工的东西有一定的艺术性呢?这就要求每一个为文者注意在平时训练培养自己的审美能力,如果让一个思想龌龊的人写一些有很高意义,让人赏心悦目的文章,这可能是很难的,勉强为之,只会写出一种"四不象"的文章。而要培养良好的审美能力,在我看来就要求你先树立正确的世界观、人生观,在这基础上多阅读优秀的文学作品、精美的艺术作品。从别人的作品里寻找适合自己的风格和样式,感受绘画、音乐,动物、植物等里面所蕴涵的美感。同时经过自己的取舍以培养自己独特的审美观点和审美能力,从而用自己独特的语言组织形成文章,这样的文章才能吸引读者,感动读者。 "文章本天成,妙手偶得之。"其实文章的所有材料都已存在,只是等你去发掘,去利用,用自己的语言去组织成文,让读者感知,使其感动。
[艺术人生读后感]众所周知,即便是未品读过《红楼梦》的人都知道:《红楼梦》是我国古典小说中一部最优秀的现实主义文学巨著,是作者曹雪芹呕心沥血,批阅十年,增删五次长期艰辛劳动才给子孙后世留传下来的一件宝贵的艺术珍品,艺术人生读后感上高中那年,我曾读过这本书,当时只是懵懵懂懂的,不知所谓,人物都理不清出,只知道《红楼梦》是以贾宝玉与林黛玉的爱情悲剧为线索,赞颂了自由爱情,描写了贾、史、王、薛四大家族的矛盾生活解释了封建社会由兴到衰的必然规律今天,当我们再次接触到《红楼梦》时,尤其是听了老师讲解的《红楼艺术人生》后,才明白:宁府、荣府的兴衰其实就是整个社会的兴衰的缩影!但两府的兴衰是以物是人非,才子佳人的消逝或归隐为结局的,给人一种分外的伤感!如今,老师的每一句话都回旋于脑海中,正所谓听君一席话,胜读十年书在本次课中,让我刹时懂得了很多,深入了解了很多,收获甚多《红楼梦》不仅仅描写了一个封建贵族家庭从金满箱、银满箱到陋室空屋的惊天巨变的三代生活,而且还大胆地控诉了封建贵族阶级的无耻和堕落,指出他们的种种虚伪、欺诈、贪婪、腐朽和罪恶在这样的一个封建社会,大观园中男男女女们都不能把握自己的命运,虽然林黛玉琴棋书画无所不精,才情气质人人赞,可到头来,年纪轻轻就郁郁而终;薛宝钗凡事稳重,识大体,诗词歌赋样样精通,原是金玉良缘,可偏偏只念木石前盟,可叹端娴处子,到底是误终生;迎春才貌双全,可叹却遇中山狼,一味骄奢淫荡,叹芳魂艳质,一载去悠悠才情万种的红楼儿女们散的散,去的去,曾经的繁华人生如一场梦!它不单单指出这一家族的必然崩溃和死亡,同时也在暗示这一家族所属的阶级和社会的必然崩溃和死亡在人物赏析中,林黛玉、贾宝玉、薛宝钗作为角儿,其是曹雪芹笔下所同情悼惜的封建制度下的牺牲者;所敢于反叛垂死的封建贵族阶级的贰臣逆子;所批判和否定的是封建社会的虚伪道德和不合理的社会制度;所拥护封建礼教而难逃其压迫者假作真时真亦假,无为有处有还无,假假真真,让人琢磨不透《红楼梦》中的一切,林黛玉作为灵魂人物,她与常人不同,她就是她,一丛清高孤傲的、孤芳自赏的空谷幽兰概括其特点,用凄美二字足已凄主要表现在林黛玉的身世凄凉、纤弱多病,美主要表现在外在、内涵、艺术这几方面,两者相加则构成了林黛玉凄美的悲剧形象记得初次见到黛玉,作者并未直接着墨描绘其的美,而是借用凤姐的嘴及宝玉的眼来突出其绝世美丽心直口快的王熙凤一见黛玉便惊叹:天下竟有这样标致的人儿!我今日才算看见了!而在贾宝玉眼中:两弯似蹙非蹙罥烟眉,一双似泣非泣含露目,态生两靥之愁,娇袭一身之病泪光点点,娇喘微微娴静时如娇花照水,行动时似弱柳扶风心较比千多一窍,病如西子胜三分好一个袅袅婷婷的女儿、神仙似的妹妹!笔至此处,一个活生生的绝美林黛玉已跃然纸上,这便是林黛玉的外在之凄美,读后感《艺术人生读后感》林黛玉的清高的个性与当时的世俗格格不入,无法与社会融合,她的自卑情结正是她自尊的体现,也是她悲剧的开始,从此写成了她的命运贾宝玉是个又奇又俗的人物,叛逆则是他的性格其行为偏僻而乖张,是封建社会的叛逆者他厌恶封建仕途道路,尖刻的嘲讽那些热衷仕途之人,称他们是沽名钓誉之徒,他一反封建社会男尊女卑的观念,说:女人是水做的骨肉,男子是泥做的骨肉,我见了女人便清爽,见了男子便觉浊丑逼人在这种骇世惊俗的思想指导下,宝玉终日在内帏厮混,并钟爱和怜悯女孩子,钟爱她们的美丽、纯洁、洋溢的生气、过人的才智,怜悯她们的不幸遭遇,怜悯其将嫁与浊臭的男子,失去了她们的圣洁之美宝玉曾道:女子出嫁前为珍珠,嫁人后便失去光芒成了死珠其种种叛逆思想,当然被封建正统人物视为草莽在他生命历程中,最重要的一件事无疑是与林黛玉的真心相爱,互为知己,但在贾母等人的安排下,被迫与薛宝钗成亲,最终因双方思想不同,且无法忘怀精神上的伴侣林黛玉,婚后不久,便出家当和尚了不幸的相恋,不幸的婚姻,一方面开始于叛逆的性格,另一方面又促使了他叛逆性格的最终形成因此,有人说过:贾宝玉这个形象所体现的是初步民主平等思想,但毕竟,他的思想还是有一点狭隘的,例如,他不敢与封建制度彻底的决裂;他从来就不敢和封建家长正面发生冲突,对抗比较消极;当他苦于找不到思想出路时,就产生了想死的念头,想化灰化烟的虚无空幻的思想这便是贾宝玉她是一个封建礼教的守护者,是封建势力的帮凶,但同时,她又是受封建势力压迫,毒害的千万人物中的一个,她就是薛宝钗她的才,她的貌,是有目共睹的,她博学多才,琴棋书画,诗词歌赋无一不晓,各地风土,处世之万般皆通,是个才貌双全的少女在《红楼梦》中,宝钗很少直接宣扬和维护封建礼教,而是通过她的日常生活中的一言一行反映她的真实个性表面上端庄贤淑,是完全符合封建淑女风范,但实际上,她熟谙世故,城府颇深,能笼络人心,得到贾府上下的夸赞她留心观察,因此即便是在荣府这个人事复杂,矛盾错交的环境里,也生活得左右逢源,如鱼得水然她终究是不幸的,宝玉的出家,让薛宝钗只好独守闺房,抱恨而终不过,就其社会地位和得到人们心中的好评来说,宝钗的做人还是成功的在当今纷繁变化的社会中,要想得心应手地周旋其中,恐怕这就要向宝钗学几手了不过有得必有失,或许我们会推动我们的真本性但我想,只要我们去其糟粕,取其精华,只学习好的一面,或许对我们也是很有帮助的中国四大名著之《红楼梦》,留给我们太多的遐想,它把我们带进了另一个世界,其高度的思想觉悟,看来我们还是要慢慢体会 〔艺术人生读后感〕随文赠言:【这世上的一切都借希望而完成,农夫不会剥下一粒玉米,如果他不曾希望它长成种粒;单身汉不会娶妻,如果他不曾希望有孩子;商人也不会去工作,如果他不曾希望因此而有收益】
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作为人类数千年文明史里发明的从业行当中,痛苦与烦恼最多,幸福与快乐也不少的首推“艺术”。如此对立又协调的矛盾体,却引得爱家们前赴后继,种种想使“艺术”概念明确、“艺术”面貌清晰的所谓奋斗与企图、都在“艺术”的晃动感、游离感、模糊感面前俯首称臣——“艺术”仍然是天边的云,看的见,摸不着。而作为“艺术人”的我们又该追求些什么?表现些什么呢?“人生价值”!——一个人在世上走一遭的最好说明……而我们又该怎样去确定、去实现自己的人生价值呢? 在精神荒芜、贫困、堕落、空虚、浮华的围剿之中,当代艺术家们无法对现代生存关系做出抗争的其他选择。没有灵魂、没有道德、没有尊严、没有精神,这使他们抛弃了80年代那种波西米式的精神漂泊和人文热情。物质主义和艺术家们的作品共同勾肩搭背,面对这种道德困窘,精神乏力的现实,我们应该发现并提出问题,并努力使自己做到出淤泥而不染。但问题的实质是我们学艺术的往往不明白自己的处境以及自己的人生价值在于什么。 虽然艺术正变得越来越服从于时尚的支配,艺术家之中也有一种不断增长的改变自身的趋向。在年轻一代的中国艺术家那里,更重视对当下生存状况,生活方式的表达,以个人感情和体验作为艺术创造的出发点,以期在作品中得到自我的价值。但一个人的真正价值而是在于对社会的贡献,对艺术的不懈追求!多创作一些人们的作品,多反映一些生活的作品。虽然艺术也在“全球化”,艺术家们为了生计和利益,辛勤地生产出新出口画去换取美钞,但我们应该明白,也应该理解:艺术的观念化也在改变!它不仅仅在表现为作品的思想性与判断性,其中更是表现在对现有的,习惯的思维方式,行为方式的思考与反省。所以我们不管怎么样,只要真正在艺术上有所创新、有所追求、有所贡献,就是对我们各自的人生一个最好的体验! 艺术也不能仅仅按照艺术史的坐标来衡量自身的价值,它必须在社会当中验证它的存在,而在现在,艺术家毕竟生活在尘世间,而尘世间并非真空领域,各种各样真实的、虚伪的、健康的、没落的东西弥漫、漂浮其中,稍一不注意便会沾染到身上,所以,一方面,我们应当格外小心,避免自己被沾染;另一方面,得仔细甄别世间的人或物,越是庞大的形体,越是精美的结构,越可能被污染,所以我们在艺术的追求领域、奉献方式中都要踏踏实实,这样才能够让自己的价值升华、证实。 历史演进到当代,人们感叹过、愤怒过,但问题还是问题,而且似乎更重要,我们不可能着长衫马褂留着长辫子加入世贸组织,我们同样不可能抱着旧思维走进当代。而随着世界经济全球化趋势,催生出信息革命、网络革命。也催生出速度与效率的新实用主义。因此,现实中也许我们很多人都处在迷迷茫茫之中,不知道自己在干些什么,也不知道自己该干些什么。但是,我们只要静下心来,与浮躁的气氛、心态做斗争,就可以迈出一步了,因为世界正在不断地缩小,每一个角落都留有人类的足迹,不再有新的大陆被发现。今天,我们的新大陆就在我们自身,一种新的角度、一种新的选择,就是一次对世界的掘进。因此,我们应该始终明白自己的责任,自己的追求以及自己的人生价值。 然而在现实生活中我们许多艺术人的情景令人堪忧,在表扬栏上无名倒是处罚栏上“有名”了。寝室里也乱七八糟的说什么大丈夫要扫天下而不扫一家,可一屋不扫又何以扫天下呢?又整夜整夜玩命似的上通宵网,旷课迟到简直是家常便饭,等等。这又谈什么人生价值?也许许多人都比较相似,口里说的与自己做的完全是两回事。只顾自己玩的开心活得潇洒就万事大吉了。就是不想想凡高的默默无闻把一生都奉献给了大自然的伟大人生价值。以及贝多芬的坚持不懈对音乐的终极追求等 依我看,确定、实现自己的人生价值固然重要,但更重要的是做好当前该做的事情。因为我们每一个人都是赶路的人,虽然路旁的风景很美,但我们不能只顾欣赏而忘了赶路,那我们永远是一个迟到者,而路尽头的那个价值目标也永远是遥遥而望不可及了! 所以说我们艺术人只有把握好现在,夯实基本功,踏踏实实,方可去实现自己的人生价值,而自己的生命也更有意义了,因为生命的色彩是要自己去涂抹的,浓淡深浅那只有看自己的冷静思维了,千万不要被温柔的环境所陶醉所腐朽,而应该崛起,去做好自己应该做的事情,那样人生的价值在自然而然中会得到升华、得到证实!
艺术人生论文1500字内容
品《艺术人生》现在是一个全民娱乐的时代,娱乐化是我们再熟悉不过的词语。《艺术人生》作为谈话类节目的典型,以“文化引导娱乐”为栏目的终极目标,重视节目含金量是十分必要的。通过对《艺术人生》的解读,来探讨电视谈话节目如何从情感的深入理解,集体记忆的挖掘,对人生意义的探寻方面实现其内容方面的深入开掘。通过感悟人生,浅谈艺术,制作出有深度、有底蕴又不失娱乐化的电视谈话节目精品。一、从《艺术人生》看电视谈话节目内容的深入开掘对于电视节目的来说,“深入开掘”不但要在内容上进行深入研究,更要在形式上有整体的美感。《艺术人生》在深入开掘方面称得上是一个典范,《艺术人生》给我们一种和谐,平静,礼乐相济,人情融融的美。我认为《艺术人生》在表现人物方面,通过探索找到了最有利于塑造其生动形象的方式,这是一种成功的模式,而重点还是内容能够打动人。现如今的电视节目一直追求创新的形式和独特的内容,但是艺术的创造,贵在朴实,《艺术人生》正是因为重视人性,生命伦理道德等方面的因素,才会使节目更贴近生活。艺术来源于生活,高于生活。真正做到“用艺术照亮生命,用感情温暖人心”。(一)对情感的深入理解对于文艺节目来说,挖掘情感至关重要。《艺术人生》选取了嘉宾身上的特质,使观众感同身受。流泪是情感宣泄的一种外化形式,是人情到深处的一种真情流露,有人说这样做是为了煽情,但我认为在这一过程中,嘉宾与观众的情感得到了释放。《艺术人生》中主持人和嘉宾的谈话大多从嘉宾的个人经历谈起,通过他的家人朋友从中挖掘亲情、友情、爱情等一般观众能感同身受的东西。正式通过谈话的形式,使主持人、嘉宾、观众平等,直接的进行交流。这种形式也正是受众所喜爱的。《艺术人生》的嘉宾多是演艺界的明星,这种名人效应成为节目的一大亮点。在《冯小刚》专辑中,我们不得不说他是一位特殊嘉宾,之所以说他特殊,是因为他是为同一期节目而两次走进《艺术人生》演播室的,在节目进行到一半时,小刚导演的心脏病突然发作,节目不得不中断。这时主持人的一番话让我们对情感,对人文关怀有了更深入的理解。在一个月后,冯小刚导演第二次来到《艺术人生》现场,特别来宾徐帆的到来,给节目增加了更浓的生活气息,给人更多平凡的感动。这一切都来源于对嘉宾情感的深入开掘。(二)与观众产生共鸣的表现形式每个人都会面对不同的人生情况。面对形形色色的人生难题,智慧的人是应该经常驻足来思考人生的真谛。我想面对明星的心态不是崇拜,不是羡慕,不是忽视,他们是在灯光明亮的幕前活动的人们,我们可以借鉴他们的经历和感情。而最让我们感动的是嘉宾和观众对艺术,对事业的热爱。在人生中追求艺术,在艺术中感悟生命的过程往往让我们产生共鸣。每个年代都会给那一代人留下无法磨灭的记忆。我认为电视艺术要寻找“共鸣”的支撑点。每个年代都有它的特殊性,无论它是兵荒马乱还是安逸舒适。因为它是那代人生命的一部分,因此往往能使一个年代的人产生共鸣。(三)对嘉宾个人经历的深入探寻每个人都拥有不同的人生经历,每种不同的经历铸就了不一样的人生。《艺术人生》通过对嘉宾个人经历的挖掘探寻,更能展现一个与众不同的精彩人生。在《宋丹丹专辑》中,提到了她的童年经历对今后的人生所起的作用,使观众认识了不一样的宋丹丹,在观众的印象中她是个超级笑星是个活宝,而在这期节目中让我们知道了她在童年时期是个沉默寡言的人,性格是在成长中改变的。而她周围的家人朋友没有人想到她会当演员,正是在成长过程中萌发了对表演的热爱。而《蒋雯丽》一期中,提到她曾在自来水厂工作,不但要三班倒还要上夜班,十分辛苦。这些经验让她们的表演充满生活气息,正所谓艺术来源于生活又高于生活。《艺术人生》中挖掘的是嘉宾一般不为人知的个人经历,这些特殊经历感人至深,给观众以心灵上的震撼。(四)对人生意义的讨论谈电视谈话节目的深入开掘,还要对意义和价值进行追寻。在这个信息爆炸,科学技术瞬息万变的年代,多种意识形态迎面出现使人迷惑,是随波逐流还是坚持它的艺术品味。所谓的意义价值是让过去的经历,过去的情感留给我们一些有益的感悟,给我们将来的生活一些启迪,让我们更好的认识嘉宾的价值,自己的价值,从而认识生活,品位生活,热爱生活。二、从《艺术人生》到“人生艺术”(一)感悟“人生”在《艺术人生-温暖2004》特别节目里,采访到濮存昕,他作为艾滋病大使到四川资中县慰问那些感染者,并和他们同吃同住。在这里我们希望整个社会对艾滋病人不是漠视更不是歧视。这就要求人们首先要获得知识,然后是端正态度。时代在前进,社会在进步,作为社会的一员,我们都有责任,对社会,对家庭,一个人的良知,品德,觉悟决定了其文明程度。濮存昕作为一个公众人物,一个明星,可以去参加一些商业活动,也可以投身公益事业。他有三句话值得我们借鉴学习、“该挣的钱一定要挣,不该挣的一分都不能要,该花的一定要花”。正是这三句话一直指引着他的人生。随着年龄的增长,我逐渐明白了一些做人的道理:学会理解别人,尊重别人,对自己的健康也是一件十分有益的事。世界的完美是相对的,而不完美是绝对的 ,因此,就需要理解和宽容。从辩证法来看,无论是对人还是对事,都要一分为二,要设身处地才能感同身受。其次是要有自省、自律的自觉心。一个真正快乐的人,是能够时常自我解剖,时时对自己发问的。人生把握在自己的手中,就像巨轮在海上长途远涉,不可能总是一帆风顺,唯有时刻保持一个乐观,向上的心态,冷静面对时时变幻的风浪,并不断调整自己的航向,才永不会在海上迷失,顺利抵达坚守如一的目标。(四)栏目的发展趋势《艺术人生》是央视的名牌栏目,自2000年12月22日开播以来,即成为关注的焦点。在《艺术人生》中没有空泛的政治宣言,没有虚情假意,个人、伴侣、儿女成为最主要的话题,友情、爱情、亲情成为倾诉的重点,在坎坷、病痛、失落前的勇气、乐观、豁达成为栏目的主旋律。《艺术人生》弘扬的是明星们“真善美”的一面,祛除艺人习气和阴暗面。他们希望能够重建演艺界的表率作用,文艺是需要深厚人文关怀的,正如《艺术人生》的主题一样,“用艺术点亮生命,用情感温暖人心。三、期盼《艺术人生》《艺术人生》是央视的名牌栏目。这个栏目之所以大受欢迎,我认为主要原因有二。第一,出场的嘉宾多是腕级明星,著名的导演、演员、歌手、主持人,人气本来就旺,公众的关注度本来就高。公众对明星的幕后生活从来有强烈的好奇,让他们走下舞台,作为普通人谈一谈自己的人生,公众自然不肯错过。因此,为了使他们的表现最大限度地接近于生活中的真实模样,《艺术人生》摄制组靠着真诚和敬业,以及节目前对被采访人尽可能充分的了解和沟通,节目中诚恳、质朴而又不失机敏的主持风格,善于营造出一种让嘉宾动真情、吐真言的氛围, 使这些名人在不同程度上显出了普通人的“原形”。这也就是原因之二了。我认为作为文化界的公众人物,他们的行为不仅仅是履行职责,更应当承担社会责任。我们不仅关注他们在文化事业上的创造,更关注其背后的精神内核。他(她)应当以回馈社会为己任,积极奉献。正是《艺术人生》为大众提供了这样一个平台。参考文献:《艺术人生:超越平凡的人生艺术 》《电视娱乐节目新论》
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中国山水画赏析 -------------------------------------------------------------------------------- 2008年第15场(总第261场) 主讲人:丘挺 时间:5月25日 地点:深圳图书馆五楼报告厅 5月25日下午,中央美术学术副教授、画家丘挺先生来到深圳市民文化大讲堂,做了一场题为“中国山水画赏析”的讲座。 丘挺首先指出,山水画是最能体现中国文化精神的一个艺术门类,是人类艺术高峰的三种最有代表性的艺术门类之一。山水画为什么在人类艺术宝库中有这么高的地位?那是因为山水画本身与人和自然的关系是息息相关的,人在表现自然的过程中体会到山水这种无限的可能。从文化的深层根源上看,中西方文化有着文化理念上的根本差异,这使得中国的山水画与西方的风景画有着截然不同的表现方法,由此显出中国山水画的高远意境。 对中国山水画的欣赏,丘挺强调一种诗性的精神,要用这种诗性的审美观念去观照山水画的艺术境界。他谈到,魏晋时代玄学盛行,魏晋名士越名教而任自然,清谈人生,超脱世俗,过着清远旷达的艺术人生,他们把心性投向山水之中,在自然中满足其艺术的生活情调,由此开创出山水诗。而山水诗的发展与成熟正是对人与自然关系的审美自觉的产物,为以后山水画的发展提供了重要的精神基础。 丘挺认为,中国哲学把自然看成生命的整体,正如徐复观先生在《中国艺术精神》中所说:“既可赋予自然以人格化,亦可赋予人格以自然化”,山水画的根源,来自我们内心对自然山水的一种感悟。因此,山水画的造境主旨是围绕着人和自然的关系,是写照和表现万物与内心世界的合一。欣赏山水画,讲究游心与游目的合一,它本身是意向性的,就是要求欣赏者目似而神欲,达到形神交错的境界。 而山水画的表现手法,涉及到中国人对空间的诉求,即“远取其势,近取其质”,远观其气势,近观其形式。丘挺认为中国山水画的空间处理是诗性化的,特别是手卷所表现出的情节推移和展开,就像一种视觉上的山水诗。他说,诗歌会影响山水画的视觉形式构成,影响我们的观看方式和表现方式,任何视觉的东西都是观念的东西,支撑视觉表现的都是后面的艺术观念、价值观念,这是山水画欣赏的一个重要前提。 李维康中国山水画艺术赏析 2008-03-24 19:01:54 墨写白山黑水千重岭,挥毫泼金留银绘山川。我省著名国画家李维康的山水画,不仅蜚声北国黑土美苑,且在国内中国画画坛也颇具影响力,其作品已走出国门,远赴俄罗斯、日本及欧洲举办画展。五十多载春秋的绘画生涯,使他对中国山水画的意境、构图、用墨、运笔都有了更深层的感悟。特别是他的北国山水画作品,既有着深厚的传统积淀,又有着鲜明的时代气息,雄浑博大、气势恢宏,博得了画界同仁和众多书画爱好者的青睐。观赏李维康的山水画卷,让人大有"登山则情满于山,观海则情溢于海"之感。那草那树,都被赋予了勃勃生机;山的巍峨壮观、水的清澈激越、云的轻柔飘逸、雾的亦梦亦幻、草的昴然临风、树的葱郁苍劲,都幻化在了神美的意境之中。他的画作,被许多博物馆珍藏,而在中国香港、中国台湾及许多国家均有展出与收藏。李维康的北国山水画缘何能够受到如此广泛的欢迎?画坛评论家认为,其绘画作品具备如下几个艺术特点:功力弥深,厚积薄发。作为一个绘画艺术家,必须有深厚的理论、艺术修养、崇高的理想境界和卓越的目光胆识,才能在创作上把自己的灵感充分发挥出来。鉴于此,自20世纪80年代起,李维康在艺术学院学习时在导师王庆淮的亲授下打下了深厚的传统基本功底和综合素养,为以后的艺术创作奠定了坚实基础。特别是他师从名家,更是受益匪浅。他对黄宾虹、李可染、石鲁的山水画反复研究,亲耳聆听艺术大家王琦、关山月、傅抱石的艺术讲座,对以后的艺术创作和事业发展自然起到了至关重要的作用o观察细腻,道法自然。1965年大学毕业之后,李维康被分配到黑龙江美术出版社从事美术编辑工作。这里既是一个美术作品出版单位,也是一个美术创作的重要阵地。他创作的许多美术作品,经常参加省市及全国的美术展览。为了创作他几乎走遍了祖国的名山大川,领略和体悟山川的壮丽秀美及无限神蕴。为了寻找大山的内涵和感觉、各种山石皴的形成及特色,他"搜尽奇峰抒草稿",在大量写生创作中汲取营养、认识创作规律。20世纪80年代,他又走出国门,进行文化艺术交流,举办画展,从中受到了新的艺术熏陶,扩大了视野,拓展了创作空间。他逐渐形成了自己的艺术理念与价值取向,并提出了"抽象与具体相结合"的艺术思想,在不断学习传统基本功和面对大自然探索中发现与创造新的表现手法,并成功地运用到北方山水画的创作实践中去,这是非常难能可贵的。泼彩泼墨,留白积染。山的瑰丽并不单纯在于那些实景,更在于它犹如美丽的少女披上面纱那种含蓄神奇的美。在攀过无数的名山大川,见过许许多多山体之间的云气氤氲、峰峦隐现、物景变幻、水流酣畅。这种抽象美、意象美,在他经过长期地观察和研究后,运用泼色泼墨的画法来表现山川秀美与灵动的神来之笔,达到了意料之外、意想之中的理想效果。之后,他又把泼色泼墨及"皴墨皴彩"相结合,并将"留白"的方法融入到此法中,形成了自我表现北方山水独特的手法与风格,找到了自己的艺术语言。他的创作灵感和经验完全是从现实的生活实践中历尽艰辛体悟出来的。用他自己的话说,就是:"作品的表现是不能走捷径的,要使作品获得成功必须有两点:一是要有一定的思想艺术内涵;二是要有与众不同的过硬基本功。这就必然有相对的难度,唯其难,所以要付出超乎寻常的艰辛努力。"北方的崇山峻岭、森林榛莽、白山黑水、广袤黑土,是一个国画创作取之不尽的源泉、探究不竭的课题。李维康的国画作品,大都是北国风光,其中的银色的白山、金色的秋岭、云雾、流水、白桦都是用"泼金留银"画法来表现的,自然留痕天成,颇具金石韵味。这种方法,不介入白色等其他手段,而是画出重墨留出实体的白线物象,犹如拓印出来的碑帖文、画像石、画像砖、岩画等艺术效果。艺术评论学者评价其作品说:"他是来自祖国北方的画家,其传统功力深厚,笔墨运用娴熟,表现手法新颖,作品大气、凝重,价值颇高,堪称中国山水画坛一绝。"他的代表作《白山黑水》长卷在加拿大展出时受到广泛好评,加拿大文化参赞说:"这是我所见到的作品中最完美最恢宏的一幅画,在西方从未见过。"著名评论家李松、庄稼、王喜朴、黎朗都对其作品给予了中肯、高度的评价。他们认为:观看李维康的画,感到其作品传统功力深厚,画幅更有新意。这些写意山水画酣畅淋漓、恢宏大气,读来令人荡气回肠。在他的笔下,巍峨的群山、飞泻的瀑布、苍翠的松 皑皑的白雪、挺立的白桦,巧妙地调节了画面的黑白、虚实、轻重、浓淡的节奏感,营造出了新的意境和情趣。李维康在他自己的创作随笔中说,我认为大山是有灵气的,它宛如巨大的生灵,蕴藏着无穷的潜在力量!它那硕大身躯横卧大地,酝酿着天下的风云。山昂首齐天,激荡着宇宙的精魂。它是一位思想者,朝夕思索着……它是具有多元美的百科全书,毫不保留地 把无限风光奉献给人世,任人欣赏描绘。我见到过浮在云端上的白山头和如水晶般明亮的天池。我看到那轰轰鸣响,狂欢咆哮的镜泊飞瀑和那万丈直泻的长白径流……北方的春风吹过,我常听到驱赶冰排的歌讴。盛夏,让我描绘如海涛起伏般的大面积向日葵园田,由大地铺向大山深处。深秋时节它又献给我层林尽染的桦林和枫林,它给我的印象犹如金红色的流体,化入天际之中。在那万物皆白、色彩如银的天地间,只有一条条墨绿色如同黑龙一样的大江蜿蜒起伏的涌进,这便是它在冬天里的奉献。山水哺育我成长,它大公无私地给予我无穷无尽的灵感和驱动力,让我不断地去开拓新的领地!为此我登过许多名山大川,也曾去过人烟稀少的沙漠和雪山,了望昆仑山和天山的磅礴,冰山山峰向我遥遥招手对话。当我归来时,又去 思索大山的神威。"山不在高有仙则名,水不在深有龙则灵"。山把我的精神世界带到了这人文景观与大自然本体荟萃之地,引起我的思索确是客观景象和主观感受的综合体,我想这才是真正的追求和探索。我顿悟!原来大山就在我的心灵之中,与我的命运共存!李维康 笔名:朔山人、净山人。中国美术家协会会员、国家一级美术师、黑龙江省美术家协会理事,曾经为黑龙江省美术出版社编审及创作室主任。1978年至今多次参加国内外书画赛事并获奖。1980年赴日本举办个展,1987年赴香港举办个展,1990年赴日本东京岗山举办个展,1992年赴韩国展出作品。2006年参加中国当代名家访俄书画展。发表论文三十余篇,美术作品被国内外多家博物馆、美术馆及收藏家珍藏。以上两个文章资料和一个视频地址资料够你整理的了,看看别人怎么写的,然后再用自己的话修改一下就好了。 你直接去百度百科里面搜作品名称就知道了。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。
艺术人生论文1500字内容摘要
艺术与生活:多远?多近?——审美 — 艺术观念流变考察[日期:2008-08-24] 来源: 作者:张婷婷 [字体:大 中 小] 【 内容 提要】一般地说,古典审美— 艺术 观念(包括 现代 之“古典”审美—艺术观念)多强调艺术与生活的距离,看重艺术与生活的区别,认为艺术之所以是艺术,就在于它的不平常性;古典美学批评,总是千方百计寻找艺术之巧夺天工的特异、艺术家之非同寻常的“绝活”。而大约从20世纪开始,特别是20世纪80年代以后,这种观念发生了变化,在整个世界范围里出现了所谓“审美生活化”(艺术生活化)和“生活审美化”(生活艺术化)的趋向,对此,不但有美学 理论 家和艺术批评家在鼓吹,且有创作家在实践。艺术与生活的界限越来越模糊不清。 一艺术与生活,这是一个非常古老的话题,也是一个被说烂了、提起来便令人兴味索然的话题。今天又来说它,不是为了自找没趣,而是想借此审视一下审美—艺术观念的流变,特别是近年来审美—艺术观念的新动向。宏观地看,古往今来艺术与生活的关系大略经过了三个阶段:口传文化时期艺术与生活直接合一;印刷文化时期艺术与生活疏离对立; 电子 文化时期艺术与生活再次走向融合。口传文化时期或再加上手写文化的前期(特别是纸张发明之前),艺术与生活曾经是混沌一体、不分彼此的。那时艺术是生活的一部分,譬如渔猎 时代 人们的弓箭既是工具也是心爱的“艺术”品(如果当时有所谓“艺术”观念的话),“艺术”与生活的界限是模糊的,或者说当时艺术还没有从生活中分娩,人们的审美意识还萌动在生活实践的母胎中,譬如 中国 古代的玉璧、玉璜、玉琮……以及佩带的各种美玉,既是艺术品,同时也是祭祀用品和某种观念的象征物,具有原始宗教的、伦理道德的、 政治 活动的实用意义。即使到了孔子那个时代,艺术仍然很难同生活分得那么清,诗、乐、舞(如孔子说到的“八佾”舞)并不是后来人们观念中的纯粹艺术。甚至中古时期(例如魏晋)的佛教石窟壁画雕像,很难说当初有多少人是把它们当作“艺术”品去塑造的。西方亦如是。连古希腊戏剧,当初也是酒神节祭祀仪式性活动的一部分。后来,艺术逐渐“独立”了,艺术与生活疏离开来。手抄文化后期纸张出现了,这对审美—艺术的独立 发展 是一个重大促进;特别是到了印刷文化时期,艺术更是以它的“精英化”、“贵族化”甚至“神圣化”姿态去与“生活”拉开距离,艺术被供奉在高高的奥林匹亚山顶上。当时的人们认为,正因为艺术与生活不同,它才是艺术,而且,似乎离普通老百姓生活越远、越是高高在上,就越是好的艺术。这个时期可称为审美—艺术的古典时期。高雅的古典艺术,崇奉艺术为生活之精华的古典美学观念,是印刷文化时期审美—艺术现象的典型形态。与那时的 社会 状况和精神理念相应,艺术活动被认为是高于生活的创造,艺术产品被认为是出乎其类、拔乎其萃的产物,是超越凡俗的圣果。印刷文化所处的那个 历史 时代,是人类不平等的时代,是“劳心”者役使“劳力”者的时代,艺术创造似乎只能是“劳心”者的专利,而“劳力”者则被驱逐出审美—艺术的大雅之堂。就连那位号称诗风平易通俗、追求妇孺皆懂的唐代大诗人白居易,也无法掩饰其骨子里审美观念的贵族心态,“岂无山歌与村笛,呕哑嘲哳难为听”(《琵琶行》),自觉或不自觉流露出对下等民众文艺活动的鄙视。审美—艺术活动因为是精英者的活动,是人上人的活动,是高雅人的高雅活动,艺术作品也就被看成与凡俗生活不同的高雅、特殊、精贵之物。中国古典艺术家和艺术评论家就特别强调艺术与生活的距离与差异。在他们看来,艺术几成神物,或具有几分魔力。传说顾恺之“常悦一邻女,乃画女於壁,当心钉之,女患心痛,告於长康,拔去钉,乃愈” ① 。又传说南朝梁代画家张僧繇画“金陵安乐寺四白龙,不点眼睛,每云,点睛即飞去,人以为妄诞,固请点之,须臾,雷电破壁,两龙乘云腾去上天,二龙未点眼者见在” ② 。这两则故事当然不可信。但它们表露出当时人们的一种观念,即艺术是不同于生活的神异奇妙的东西;至少它们渲染了艺术的神异与奇妙。中国古代艺术批评家也常常以艺术如何不同于生活、如何超越凡世来品评其高低优劣。魏晋以来“九品论人、七略裁士”之风甚浓,亦波及美学,无论书画诗文,大多要分三六九等。例如南齐谢赫就说:“夫画品者,盖众画之优劣也。” ③ 他的《古画品录》把画家分为六品。梁朝钟嵘则把诗分为上中下三品。之后的许多艺术评论家据此加以演绎,区分各种不同标准的艺术和艺术家。唐·张怀较画家优劣为神、妙、能三品,朱景玄又将神、妙、能各别上、中、下三等,此外又加逸品,依次为:神(上中下)、妙(上中下)、能(上中下)、逸共十等。张彦远不同,最高等的艺术品格是 自然 ,置于神之上,分为自然、神、妙、精、谨细。他说:“夫失于自然而后神,失于神而后妙,失于妙而后精,精之为病也而成谨细。自然者,为上品之上; 神者,为上品之中;妙者,为上品之下;精者,为中品之上;谨而细者,为中品之中。余今立此五等,以包六法。” ④ 虽然后来的艺术批评家各有自己的说法,有的以逸品为先,神、妙、能次之(宋·黄休复《益州名画录》);有的主张取消张彦远所说的自然,而逸品也应置三品之外(明·王世贞《艺苑卮言》)。但有一点是共同的,即坚持艺术具有不同于寻常生活的特殊品格;越是优秀的艺术,越是与寻常生活不同。绘画中的“写真”,照理最应贴近原物。但事实上画家的高明之处恰恰在于其所“写”与原“真”不一样,一定要高于、精于原“真”。这是古典美学的一个根深蒂固的观念。晚唐画论家张彦远曾说了这样一个故事:晋代画家顾恺之“尝欲写殷仲堪真,仲堪素有目疾,固辞。长康(顾恺之字)曰,明府当缘隐眼也,若明点瞳子,飞白拂上,使如轻云蔽月。” ⑤ 在这里,艺术改变了生活原貌,它不但能避短扬长,而且能使缺点变成优点,使丑变为美。不过这样一来,画出来的形象与现实生活中的原“真”,就相差甚远了。艺术要超脱凡俗,成为具有奇异魔力的“神物”,那么,创造艺术的人(艺术家)也必然要是能力超凡的神奇人物。张彦远《历代名画记》说顾恺之“传写形势,莫不妙绝。刘义庆世说云,谢安谓长康曰,卿画自生人以来未有也” ⑥ ;说吴道子“古今独步,前不见顾陆,后无来者。……神假天造,英灵不穷。……弯弧挺刀,植柱构梁,不假界笔直尺,虬须云鬓,数尺飞动,毛根出肉,力健有余” ⑦ 。朱景玄《唐朝名画录》把吴道子说得更“神”:“明皇天宝中忽思蜀道嘉陵江水,遂假吴生驿驷,令往写貌。及回日,帝问其状,奏曰:‘臣无粉本,并记在心。’后宣令于大同殿图之,嘉陵江三百余里山水,一日而毕。” ⑧ 宋·郭若虚《图画见闻志》也说:“吴道子画,今古一人而已。” ⑨文学家亦如此。唐代大诗人李白向被称为“诗仙”,“仙”者,非人可企及也。“噫吁戏,危乎高哉!蜀道之难,难于上青天”(《蜀道难》),“君不见黄河之水天上来,奔流到海不复回。君不见高堂明镜悲白发,朝如青丝暮成雪”(《将进酒》),“白发三千丈,缘愁似个长”(《秋浦歌》),“两岸青山相对出,孤帆一片日边来”(《望天门山》),这些形象,这种构思,这般情愫,只有李白才能想得出,写得出。还有那个悲悯众生的杜甫、那个诡异冷怪的李贺,不是也被冠以“诗圣”和“诗鬼”,而超离凡界并为众人尊崇膜拜吗?康定斯基在描述艺术家与大众关系的时候,谈到了贝多芬的“精英”品格:“精神生活可以用一个巨大的锐角三角形来表示,并将它用水平线分割成不等的若干部分。顶上为最窄小部分,越低的部分越宽,面积越大。……三角形的顶端上经常站立着一个人。他欢快的目光是他内心的标记。甚至那些在感情上和他最接近的人也不能理解他。人们愤怒地骂他是骗子、疯子。贝多芬生前就是这么一个挺立着受尽辱骂的孤独者。” ⑩ 艺术家是孤独的,他们于不胜寒的“高处”去追寻“天堂的和声”。通过上面的例子,我想说的是:以往人们总是视艺术家作家为“天才”,称他们的作品是“奇迹”,强调艺术与生活相区别的不同寻常之处。而且 哲学 家还给以坚实的理论支持。最有势力的是康德的理论,至今人们还不断引述它。康德给天才下的定义是:“天才就是给艺术提供规则的才能(禀赋)。由于这种才能作为艺术家天生的创造性能力本身是属于自然的,所以我们也可以这样来表达:天才就是天生的内心素质(ingenium拉丁文:天赋),通过它自然给艺术提供规则”11 。康德强调:天才是天生的,它直接授之于天,不能传授,不能 学习 ,不能模仿,不能继承,不能替代;天才具有无意识性,“不是他(艺术家)所能控制的”;天才是独创的,只此一家,别无分店,“独创性必须是它的第一特征”,“同时又必须是典范”;而且天才只属于艺术不属于 科学 ,“天才不是为科学、而是为艺术颁布规则”12 。谢林也有类似的说法,“天才只有在艺术中才可能”13 。叔本华也强调天才所标志的是一种“超人的东西”,天才人物“是普照世界的太阳”14 。尤其要指出的是,在他们、特别是康德看来,艺术家(天才)与普通人之间是“种类上的区别”15 ,这就在天才与普通人之间划上了一道不可逾越的鸿沟。总之,古典艺术、古典美学,总是要把艺术家与普通人隔离开来,给艺术家戴上天才的桂冠;总是企图把艺术与生活区别开来,强调艺术与生活的“距离”(布洛的“距离”说虽说是心 理学 问题 ,其实也可以理解为审美—艺术要同尘世生活拉开“距离”)。一些艺术派别还要故意制造“间离”效果,让读者和观众时时意识到自己是在欣赏“艺术”、 看“戏”,而不是生活;让读者和观众始终保持清醒的头脑,划清艺术与生活的界限。西方的布莱希特派如此,中国的梅兰芳派也如此。二大约从19世纪末20世纪初起,情况逐渐发生变化,而最近20—30年来变化尤为剧烈。这种变化的总趋向就是审美—艺术的生活化和生活的审美—艺术化,或者说审美—艺术与生活趋于同一。这种变化比较明显的苗头是从电影艺术对视觉文化的张扬开始。视觉,相对而言,是人类与自然世界、与社会生活接触最广泛、联系最紧密的一种感觉。无论是一个民族、国家,还是一个城市、 企业 ,它的文化首先是由其视觉形象上的特征得以展现的。与文学、戏剧、绘画、雕塑、舞蹈、 音乐 等等相比,电影无疑是更大众化、更生活化、同时也更加图示化的艺术,它以生活的影像为材料、手段,在强化艺术的图示,激活观众的视觉的同时,在形式上逼近生活本身的“样儿”。当观众进入电影的时候,身临其境,就如同进入生活。电影出现,预示着一个“读图”时代的临近,一个艺术的大众化和生活化时代的开始。丹尼尔·贝尔把他的目光伸向了电影、电视之前,认为视觉文化导源于一种“新美学”的诞生。他说:“我相信,当代文化正在变成一种视觉文化,而不是印刷文化,这是千真万确的事实。这一变革的起源与其说是作为大众传播媒介的电影和电视,不如说是人们19世纪中叶开始经历的那种地理和社会流动以及应运而生的一种新美学。”16丹尼尔·贝尔说得不是没有道理。那种与古典美学不同的“新美学”以及与此相应的文化变革,是随“社会流动”“应运而生”的,溯其根源,最早是“19世纪中叶开始经历的”那个大变动的时代的产物。马克思恩格斯形容那个时代的变化时这样说:“一切固定的古老关系以及与之相适应的素被尊崇的观念和见解都被消除了,一切新形成的关系等不到固定下来就陈旧了。一切固定的东西都烟消云散了,一切神圣的东西都被亵渎了。”17 如果19世纪如此,那么,20世纪、21世纪就加倍如此。既然这种审美—艺术的新趋向是时代变动的产物,那么它 影响 所及就不限乎电影,还会表现在其他方面,而且还会有它的理论形态。首先涉及到“艺术边界”问题。美学家克罗齐说:“每一个真正的艺术作品都破坏了某一种已成的种类,推翻了批评家们的观念,批评家们于是不得不把那些种类加以扩充,以致到最后连那扩充的种类还是太窄,由于新的艺术作品出现,不免又有新的笑话,新的推翻和新的扩充跟着来。”18 原有的艺术种类不断被突破,原有的艺术边界守不住了。而且,究竟怎样来定义艺术,也越来越把握不准、甚至无法把握了。哲学家维特根斯坦认为古典的艺术定义已经失去效力,提出了“家族相似”说,认为美、艺术、游戏等等,没有统一的本质,只有家族相似性的关系:“我想不出比‘家族相似’更好的说法来表达这些相似性的特征;因为家族成员之间的各式各样的相似性就是这样盘根错节的:身材、面相、眼睛的颜色、步态、脾性,等等,等等。——我要说,各种‘游戏’构成了一个家族。”19 在这场审美观念的时代变动中,艺术似乎没有了边界,那些低俗的、过去认为不可能与艺术沾边儿的“现成物品”,成为了艺术。20世纪最具有反叛精神的艺术家之一法国画家杜尚在《关于“现成物品”》一文中说:“在1913年我就起了一个怪念头:去把一个自行车轮固定在一只厨房用的长脚凳上,并看它如何转动。……当‘现成物品’一词出现在我心中的那时刻,也就指明了这种表现形式。我渴望去建立的论点是:这种现成物品的选择并非由审美享受来支配的。它是建立在冷漠的视觉反应上的,同时,无论好的趣味或坏的趣味都无从谈起,……事实上整个感觉是麻木的,其重要特征是短暂的裁决;我偶然地把标题刻在这些‘现成物品’上。这种裁决替代了一件标题作品那样去描绘事物,它意味着把另一个比言语更丰富的领域传达给了观众。”20 杜尚从1913年开始,采取 工业 设计图的几何 方法 ,用所谓“现成取材法”制作《自行车轮胎》,即取一个普通的自行车轮子固定在一只厨房用的长脚凳上。1917年,他在美国把一个小便器题上名字《泉》送美术馆展览——他要求人们用新的角度去看它,抛开原来实用的意义,于是小便器获得一个新的内容,成了艺术品。1919年,他在巴黎创作最著名的现成画《带胡须的蒙娜丽莎》,即在《蒙娜丽莎》的画像上加上胡须。这些惊世骇俗的行为使得具有传统美学观念的人目瞪口呆。但某些具有超前观念的理论家作出了解释。布洛克说:“那些把种种‘现成物’当做艺术品的人,实 际上是在从事一种非常严肃的事业。他们实际上是在扩大或重新创造人们的艺术概念。而那些不认为上述物品是艺术的人,则是在保卫已有的艺术边界,对于改变它的种种企图进行抗击。”21现成物品转换为艺术品的奥秘在于“审美态度”。在这些理论家那里,任何对象,无论它是人工制品还是自然对象,只要对它采取一种审美态度,它就能变成为一个审美对象。然而,当什么东西都可以成为艺术的时候,艺术也就成为任何什么东西了,艺术消失于生活之中,或者说与生活融为一体了。正如丹尼尔·贝尔所说:“过去,艺术是一种经验,现在,所有的经验都要成为艺术。”2220世纪70年代偷渡到美国的 台湾 行为艺术家谢德庆有四件“行为艺术”作品:(1)1978年9月30日至1979年9月30日,把自己关在纽约寓所内一个自制的木笼中一年,不读、不写、不看,不听任何东西,只是单纯地吃喝,让自己活下来。(2)1980—1981有一整年,也是把自己关在一个笼子里,但得每隔一个小时打一次卡,一年365天,共打8760次。(3)1981—1982有一整年,他让自己完全在室外度过,在任何情况下不得进入任何有遮顶的去处。(4)1983—1984有一整年,他与一个美国女艺术家林达·蒙塔娜(Linda Montano)拴在一根八英尺长的绳子两头一起生活,其间互相绝不能触碰23 。不管读者是否承认上述行为是不是艺术,但至少当今有一部分人高度评价这种“艺术”的水平和价值:它们“得以让我们接近一个人,看到他的‘煎熬’和忍耐,看到他对生命极限的突破和挑战。看到他真的是全身心投入,而且是艰苦卓绝地体验这一种和那一种活着的状态,他的体验和参与是如此精粹,如此专注,只在这种情况下,生命终于能够被作为一个对象意识了,体验了,关照了,这对我们真的是太重要了。……西方艺术发展到现代突然开启出一个新的方向:艺术不再只服务于视网膜,而要成为观念或者思想的表达。……因此,行为艺术的对象是人生,材料也是人生,目的也是为了人生。艺术家拿自己做‘工具’,把人生当成一个客观对象展示出来”24 。如果谢德庆那四件作品是高超的艺术品,那么,“2003年站在世界第三极”登珠穆朗玛,环法自行车赛,张健游渡渤海湾、英吉利海峡、长白山天池、青海湖,“柯大胆”(柯受良)飞车越黄河壶口瀑布,蜘蛛人徒手爬摩天楼,新疆杂技演员钢丝走长江、走天坑……当然都是当今最时髦的艺术。艺术从古典时期的圣坛上被拉了下来。过去,只有少数“精英”才能“做”艺术,“玩”艺术,现在,人人都是艺术家,都可以成为艺术家,而且人人都可以“玩”艺术。美国学者詹明信描述说:“在后现代的世界里,似乎有这种情况:成千上万的主体性突然都说起话来,他们都要求平等。在这样的世界里,个体艺术家的个体创作就不再那么重要了。艺术成为众人参与的过程,不只是一个毕加索。”25 大地艺术、观念艺术、广告艺术、行为艺术、波普艺术……,卡拉0K、群众演唱会、各种群众文艺晚会……,观众与演员常常合二而一。互联网文学,众人参与创作。电子文化媒介几乎把现实物像与视觉图像直接重叠起来。虚拟与实在难以区分。创作与欣赏的界限消失了,作者与读者的界限消失了,艺术与生活的界限消失了,审美活动与现实活动的距离也消解了。于是生活就是审美,审美就是生活。
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美术艺术论文600字内容概括
列宾油画《伏尔加河上的纤夫》赏析众所周知,美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识,对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。本学期,我选择了“世界美术赏析”这门艺术学科进行了选修。原因其实很简单,我自小非常喜欢美术方面的东西,对这些看似神秘的艺术形态十分好奇,很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过选修这门课程,我逐步了解了许多关于绘画的知识。学下来收获很大,我逐渐可以感受到了文艺复兴意大利艺坛三杰之一的拉斐尔那作品散发出一种令人愉快的笃定,那种归属感;意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师,文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表米开朗基罗博那罗蒂在他的作品中的寓意;了解了被可视为法兰德斯巴洛克风的具体象征的鲁本斯的作品;当然还有现在被我认为是世界上最美的油画之一的伦勃朗的“泰特斯”等等这些经典的西方美术艺术。通过不断的美术鉴赏活动,可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操,通过美术鉴赏,提高我的艺术品味,吸收前人优秀技法,在中国传统美术教育中是一种重要的方法。而且在我看来从实际情况作为起点,由于经济生活的变化,各种思潮的影响,社会活动空间的扩大,学生产生了一些需要重视和解决的问题。“高分低能 ”是一种表现。学生有较多的知识和专业文化,并不一定代表他具有其他方面的素质和修养。所以要呼吁素质教育。素质教育是一个系统,而艺术教育恰恰则是素质教育的一个有效手段和一个不可或缺的方面。艺术教育不是培养专业的艺术家,不是单纯地训练吹笛子、弹钢琴、画画、书法和跳舞的技术,它是要通过这种技能、知识和修养,提高审美境界,从而促进德、智、体、美、劳、生的全面发展,成为心中具有崇高理想和大目标的建设社会主义现代化的一代新人。所以要适当的培养自身的艺术修养。这也是我选择这一课程的原因之一。在为时一学期的课程即将结束时,我经过查阅资料将结合俄国伟大现实主义画家列宾的作品《伏尔加河上的纤夫》,按照一般鉴赏的程序对其进行简单的艺术鉴赏:作品:《伏尔加河上的纤夫》作者:列宾列宾(1844---1930)是十九世纪后期俄罗斯最伟大的艺术巨匠。这幅作品描绘的是伏尔加河上纤夫拉纤的情景。这幅作品创作于1873年,花了三年的功夫才完成。现收藏在彼得堡俄罗斯美术馆内。1、作品画面介绍:《伏尔加河上的纤夫》是列宾的代表作也是他的成名作。在这幅画的构图上,列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折,使十一个纤夫犹如一组雕像,被塑造在一座黄色的、高起的底座上,使这幅画具有宏伟深远的张力,画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙,空间空旷奇特,给人以惆怅、孤独、无助之感,切实深入到纤夫的心灵深处,亦是画家心境的真实写照,这对画旨的体现,情感的的烘托起了极大的作用。在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局,以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈,沙滩荒芜、近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀。景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫在拉着货船,步于是那样地沉重,似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。被烈日炙烤的焦黄的河岸上,一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船,在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少,个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者,眼睛深陷,坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧,但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。走在最后的纤夫低着头垂着手,麻木地随着队伍向前挪动,似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象,是处在队伍中部的一位少年,可以看出他才开始这样的工作不久,皱着眉头还不太习惯,他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳,毕竟年轻,还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头,似乎已没有多余的力气再来表现点什么,在他们身上剩下的,惟有贫苦、艰难与无奈。在这幅反映纤夫苦难生活的画里,与其说是人与自然在搏斗,不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。画中的纤夫共有11个人,约略分成三组。每一个形象都被列宾仔细推敲过,画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。画家把这些性格作了高度的典型化,又都统一在主题之中。现据画家本人的记述,分别来详细介绍这里的每一个人物的情况:最前一组共四人,领头的名叫冈宁,他的表情温顺,然而性格坚韧,具有一种内在的意志力,此人约有四五十岁。他那双深陷的眼睛使他的前额更加突出,显出了他的智慧。列宾在他的头上添画上一块包头的破布,似乎要把他塑成古希腊哲学家的样子。他原是个神父,后来被教会革职,一度充任过教堂唱诗队的指挥。他身体结实,两手下垂。胸前那一条纤索绷得很紧,而身上的麻布衫却满是补钉。这是一个俄罗斯农民长者或智者的典型,他忍受着肉体与精神的痛苦,是这些纤夫形象中的悲剧性主角。在他右边的一个是身材魁梧的憨直的农民汉子,他赤着脚,头发蓬乱,满脸浓密的胡子,似乎在低低地向冈宁絮叨着什么。这个形象起着衬托冈宁的前倾的身子的作用。在他后面是一个细长的瘦子,年近40,身子大部分被挡住了。他头戴麦秆帽,叼着一只土烟斗,头显得尖小一些。他挺直着身子,这样可使纤索松弛,好像是想省点力气。这个瘦子的左侧,则是一个躬背弯腰的纤夫,他原来是个水手,叫伊卡尔。他的两手向下握拢,神色严厉,眼神凝注,直对着前方。显然,他的脾气一定很倔强,是个农村硬汉于。汗水已把他的上衣腐蚀得百孔干疮,结实的肩膀正从破洞处显露出来。中间一组也是四个人:穿一身粉红色破衫裤的少年名叫拉里卡。看来这个少年是初加入这支行列,他那还未晒黑的皮肤,紧蹙的眉头告诉观者,这种劳动对他来说是负荷过重了。他正用于在调节压在自己肩头那根据痛了皮肤的纤索。画家在这个新的受压迫者身上似乎要找到一种希望,那就是不甘心受剥削,要反抗。令人注目的是,在这个少年颈上还挂着一只十字架,这是父母给孩子的信物,祈求上帝能保佑他路上平安。列宾为画这个少年纤夫,曾从他熟悉的孩童形象中挑选了一个作模特儿。少年拉纤这种现象,也如资本家利用童工榨取劳力一样残酷,这是沙皇俄国的农奴制度的罪恶,也是画家所要抨击的主要目标。紧靠在拉里卡后面的,是一个受尽风霜之苦的秃顶老汉,他皮肤助黑,脸色阴沉,一边斜倚在纤索上,一边在打开自己的烟袋,想偷闲抽口烟来缓解一下自己的苦闷。他和前面的少年,在色彩上构成了强烈对比。两代人,不同的命运,却系在一根绳索上。 少年右边是个羸弱有病的纤夫,他步履艰难,全身虚弱,正在用袖口棕汗。头发露在无檐帽的外边,颧骨耸起,泪囊水肿,他未来的路程意味着更大的厄运,我们似乎可以听到他那急促的喘息。在拉里卡与老汉之间,露出了另一个纤夫的脑袋顶,此人的脸庞发黑,鼻孔朝外,嘴唇很厚,看样子是个鞑靼人。最后一组三人,走在前面的是个退役军人,白色的衬衫外面加了一件坎肩,帽子压得很低;背后一个皮肤黝黑,巡回展览画派评论家斯塔索夫说他是个流浪的希腊人。最后一个人只见到了他的低垂的头顶,此人似乎走得更加吃力,他正在往一个小坡上移动。全画以淡绿、淡紫、暗棕等色调来描绘上半部的空白,使这条伏尔加河流显得更为惨淡了。这是为了加强人物的悲剧性,烘托干燥炎热的天气 (列宾在冈宁和伊卡尔两个人物身上曾作过一些改动,尤以伊卡尔缠着白布的头改动得最多)。2、作品给读者的感觉?当我第一次面对俄罗斯画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》,首先感知的是蓝蓝的天、辽阔的伏尔加河,十几个姿态各异的纤夫和他们艰难地拉着的船舶。但仔细体验画面中所产生的劳动者的力量却在视觉上似乎受到一种猛烈的撞击,产生一种说不清的瞬间直觉的审美愉悦。一般而言,感觉都是带有一定的复杂性和微妙性,感觉的最好的接受方法是体验,语言则往往难以传达某种感觉。因此,人们即使产生了某种感觉,也往往难以用适当的语言表达出来,对智力成熟、语言丰富的成年人来说即为如此。但是,感觉不管再微妙,总还存在大的趋向性,那么,具体联系到《伏尔加河上的纤夫》,它给人的感觉应该是压抑、悲怆和深沉。画家列宾的这幅著名油画,是他经过十多年的构思、绘制和修改才完成的。这幅油画在反映列宾的思想感情方面很有代表性。通过仔细观察画面,我看出画家的思想感情渗透在每一笔、每个人物身上,也渗透在画面的色彩和景物的布局上。所以,只要我们细致观察,从画的整体上认真地体会,就会体会出画家所要表现的思想感情,即对沙俄反动统治的不满和对劳动人民的深切同情。画的是人物群像,从画中人物的不同衣着、外貌、动作以及神态,我们可以深刻领会人物的内心情感。这幅油画是列宾到伏尔加河旅行时,仔细观察了纤夫的生活,经过反复的思索和修改才完成的。作者在描述这幅油画时,他的观察是从前到后依次进行的,描述时抓住了人物的衣着、外貌、神态的特点,并展开了适当的想象,把人物的外貌特点和他们的身份、地位、个性结合起来,使每个人物都有了鲜明的个性。11名纤夫,作者着重描写了4个,从年龄上说,有老年、中年、青年和少年,从职业上说,有破产的农民,有从事拉纤的工人,有退伍的士兵,他们代表着社会的各个方面,都承受着沙俄时代反动统治者的统治和压迫
艺术人生论文1500字内容怎么写
看来,你也是川美得。哈哈。
论文主要内容:一、论文的标题部分标题就是题目或题名,标题需要以最恰当、最简明的词语反映论文中重要的特定内容逻辑组合,论文题目非常重要,必须用心斟酌选定。二、论文的摘要 论文一般应有摘要,它是论文内容不加注释和评论的简短陈述。摘要应该包含以下内容: 1、从事这一研究的目的和重要性 2、研究的主要内容3、完成了哪些工作4、获得的基本结论和研究成果,突出论文的新见解 5、结构或结果的意义三、论文关键词关键词属于主题词中的一类,主题词除关键词外,还包含有单元词、标题词和叙词。关键词是标识文献的主题内容,单未经规范处理的主题词。四、引言又称为前言,属于正片论文的引论部分。写作内容包括:1、研究的理由2、研究目的3、背景4、前人的工作和知识空白5、作用和意义五、正文部分论文的主题,占据论文大部分篇幅。论文所体现的创造性成果或新的研究结果,都将在这一部分得到充分的反映,要求这部分内容一定要充实,论据充分可靠,论证有利,主题明确。 六、参考文献参考文献是文章在研究过程和论文撰写是所参考过的有关文献的目录,参考文献的完整标注是对原作者的尊重。不只在格式上有具体要求,在数量、种类、年份等方面又有相关要求。
我的艺术发展可能----谈谈你对自己艺术人生的设计,(重点解说设计依据)我现在30岁,6月21日30大寿。剩下的70年,我要走红日本!我是玩家!