中国美术欣赏论文谈论某一副作品的价值意义
中国美术欣赏论文谈论某一副作品的价值意义
美术艺术的价值取决于画面的含义链接是否产生多元化反应,以及颜色的表达方式,是否有将局部的主题升华,然后就是画工问题,还有名气问题,这些都是美术作品的价值判断因素。
商业价值,功能作用,感染力,影响力,人为推动力
回答 亲这边给您查到画画本身是陶冶情操,开阔视野的 绘画是为了开发孩子的大脑,开发孩子的形象思维!画一些花草树木,画一些简笔画,开拓孩子的想象力! 画画为社会做出的贡献也很大!目前各行各业都离不开美术!例如,家庭装修,酒店装修,公园装修等等,都离不开画画!再有就是影视后期合成,动画片等等,都是需要画画! 提问 [赞同] 回答 亲你说是吧 提问 [比心] 回答 更多5条
中国美术欣赏论文谈论某一副作品的价值和意义
凡高笔下与生活的距离——浅谈这一学期的收获1 凡高笔下与生活的距离—— 浅谈这一学期的收获美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断,获得审美享受,并理解美术作品与美术现象的活动。从不了解美术,到懂得欣赏美术;从无视美的存在,到学会发现美;从对美术不感兴趣,到喜欢上美术,这就是这学期学习“中外美术作品赏析”的最大收获。美术鉴赏活动能帮助我们在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中,逐步提高审美能力,形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。美术欣赏课将我带到了一个全新的世界,带到了一个我以前从未涉足过的领域,带到了艺术的殿堂,我可以说出那些美丽的作品的故事,它让我发现原来世界是这么美,原来一个人的思想可以这样表达,原来先代们是那么的智慧。 从先民们朴素而不成熟的美的作品到现代人独特的表达思想的绘画方式,中间的发展过程是丰富和复杂的。从稚嫩的远古美到沉雄博大的秦汉艺术,到文人登场的魏晋南北朝,到雄浑壮丽的隋唐气象,从继往开来的五代到宋元意象,到画派林立的明清,再到新旧交替的中西交融,最后到个性十足的现代,每个时期都呈现出独特的绘画特点,都留下了一批优秀的画作,让后人去赞叹。 凡高笔下与生活的距离——浅谈这一学期的收获2 绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。 就像凡高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。(或者说是在其兄长的欺瞒下,其自我认知自身的作品不被他人承认)他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实,以达到实实在在的真实,促成了表现主义的诞生,在人们对他的误解最深的时候,正是他对自己的创作最有信心的时候。他画的或许不是自然的真实写照,却是他生命与精神的自我流露,是他似火一般的热情为生活高唱的赞歌。凡高的艺术中那种狂放不羁的风格,那种充满激情的色彩,那种畅神达意的线条,脱却了自然物象的束缚,而进入了颇为自觉的艺术状态。因此才留下了永远的艺术著作。 《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。 画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。 观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情凡高笔下与生活的距离——浅谈这一学期的收获3 中去。我突然想起法语中对向日葵那近乎宗教虔诚般的称谓:“落在大地上的太阳”。正如美术评论家休斯对凡高《向日葵》的评价:“直到现在,所有人都能听到它”。 我想这些向日葵,已不再是我记忆中曾经的那幅画,甚至它也不再是一朵花了。对凡高而言,艺术作品对他具有更为特别的意义。正如凡高的崇拜物向日葵,在他眼里,向日葵不是寻常的花朵,而是太阳之光,是光和热的象征,是他内心翻腾的感情烈火的写照。他的笔触坚实有力,大胆恣肆,把向日葵绚丽的光泽,饱满的轮廓绘画得淋漓尽致。“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华,他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜,他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类” 《西洋巨匠美术丛书-凡高》 总之凡高笔下的向日葵不仅仅是植物;而是带有原始冲动和热情的生命体。我更爱看窗外那一片向日葵,爱看她们在阳光下开出灿烂的笑容。我不敢展示真正的我,我也不知道真实的我是什么样。在向日葵面前,我有一种自信的感觉,展示着那个成功、全新的我;我在看见向日葵时,心里总有种暖洋洋的感觉。 绘画艺术之于凡高,意味着情感和生命。因为他有爱,他们在奋斗。为了能更充分地表现内在的情感,凡高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为:“颜色不是要达到局部的真实,而是要启示某种激情。”在他画中,浓重响亮
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怎么写美术作品《父亲》 的论文
中国美术欣赏论文谈论某一副作品的价值观
用色、构图、内容、寓意、
我交的时候把文中提到的几幅画打印出来了线,或称线条,是一种存在于现实生活或者美术作品中的视觉形态要素,由于它们往往是和形、体、色、光等视觉翌累同时并存的,所以,造型观念中的线,往往和视觉上的概括提炼与抽象相联系,然而这些能力的形成,又必须通过美术欣赏和美术创造的实践去训练。如何加深对“线”的概念的认识并在实践中艺术地去运用,是中学美术教学的重要环节。一、欣赏以线造型的中外美术作品,提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。线条是美术最基本的造型手段,是构成视觉艺术形象的一种基本因素,无论平面的还是立体的作品;不论是写实,还是装饰;不论是抽象的,还是具象的……在长期的美术发展过程中.“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言,一直处于十分重要的地位,并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画,皴染不多,主要以毛笔线条勾勒,但其中线条流畅自由,轻重虚实的变化,随意性较强,具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》(油画)以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线,极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。二、重点强调中国传统美术中线的作用。中国画的线,可以追溯到仰韶时代的彩绘画,晚周帛画,楚器漆画和汉唐壁画。仰韶文化的彩陶纹样。是中国最早用线的作品,鲜明、生动、挺拔的线条,描绘了漩蜗纹、弦纹以及人的面形、虫鱼、鸟兽等形象,体现了原始艺术朴素、稚拙的美。唐宋以来,随着人物画创作的兴盛,线描艺术发展到厂一个高潮。吴道子是唐代的线描大师,人们称吴氏的线条为“吴带当风”,他画中的人物,衣袖飘动,生动异常,体现了高度的“运动感”和“节奏感”,充分发挥了线描艺术的效果。南宋画家梁楷的《元祖斫竹图》是一幅“写意”线描的人物画,画中人物元祖为佛教禅宗六世祖慧能.画家用寥寥数笔,把一个正在劳动中的老翁刻画得十分生动,中国画家经过长期的艺术实践,从“文人画”“院体画”到民间画,对线的运用各具风采(在表现物象的同时,还传达出入的情绪),传统技法——十八描,即是各种线的生动画法。三、东西方绘画用线的异同。由于受不同文化背景的影响,东西方绘画的线在形式美感上各不相同:东方绘画中的线注重表现情感,富于韵律感和装饰美;西方绘画中的线具有较强的理性特征,不能把这两者对立起来,应该指出线造型在东西方美术作品中是相通的,同样具有丰富的表现力和多彩的艺术美盛,只是由于欣赏习惯,绘画造型的传统观念的差异,形成了不同的表现方法和民族风格。从具体的作品来分析,东西方绘画线的表现特点又往往交织在一起,如二十世纪初法国的马蒂斯的作品就证明了这一点。他的作品既有西方绘画的优良传统,又吸收了东方艺术的特点,给人一种新的美感享受。在我国,随着中西文化的不断融合,中国传统美术有厂新的发展和变化,特别是近十几年来,这一点更加突出,如:吴谥械淖髌吩谙叩运用上有新意,线的节奏和韵律美十分强烈和鲜明。对中外美术作品的优良传统,都应认真研究继承,在学好我国传统绘画课的基础上,还需了解西方美术。“西为中用用”,使我们民族的绘画艺术具有当代性和世界性。
1872年克洛德莫乃的这幅名为《日出印象》的油画首次展出,这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景,港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触,观者所能辨出的就是这些。这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒,他们将这幅画的作者莫乃以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚,其画作不过是小儿涂鸦而已,与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。几年后艺术评论来了个180度转变,好象莫乃好得不能再好了,仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境,令当代画家相形见拙。为何莫乃笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟,后来又被称为对港区日出情景了不起的再现?我们该如何理解此种戏剧化的转变。莫乃背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法,而更趋向于表现真实的自我感受,传达出自己对日出的鲜活印象,将常识之类搁置一边,竭力捕捉最初朦胧印象,并将其凝固在画布上。他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切,而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒,勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢?可是随着时间的推移,经过观察,人们发现,当船衬着城市的背景出现时,在特定的光线下从特定的角度看去,船似乎真的是在城里行驶,有时海天会浑然一色,我们实难分辨何为大海,何为天空。每件成功的艺术品不可或缺的东西究竟为何,那就是--一种能令我们重新发现现实中遭歪曲、忽略的一面的能力。
中国美术欣赏论文谈论某一副作品的感受是什么
首先说明一下,这一篇不是论文。对于总在身边出现却从未留心的中国美术,我自认为自己无论是对于中国美术的文化价值还是艺术价值都是没有发言权的,在此仅仅是说下个人感想,所以本文只能叫做杂感而非论文。在学习“中国美术作品欣赏”公选课之前我从不觉得春联、年画、风筝等这些在日常生活中很常见得东西也称得上是美术作品,但是现在我明白这些东西都有它的文化价值和美术价值。不仔细欣赏就会错过很多东西。我从没想过门神会给人们带来怎样的精神寄托,小时候看到人们在门上贴一些古怪的人像,觉得很好玩;长大了,也许这是时代的原因,觉得把这些做工粗糙红红绿绿的东西贴到门上挺俗的。现在我才发现这个东西居然有这么多的历史来源与文化内涵,虽然身为一个中国人,但是在课上听老师讲这些门神之类的东西似乎是一种很新鲜的事情,才知道有哪几个人被人们敬为门神,真不知道是该欣喜还是该惭愧。不过通过学习,我对此有了一定得了解,也算是一种收获。“门神是我国年画中最早出现的一种形式,从公元前发展到十世纪的漫长时间里,一直把它当作“五祀”之首,不敢亵渎。岁首元旦,上至朝廷,下至庶民门上贴金鸡、斑虎、浑金门神,室内悬蓝袍、腰笏的钟馗习尚,新年如此装饰门户室内,自然显得金碧辉煌,鲜丽夺目,点缀出了春节之气氛。然而金鸡,画虎,门神,钟馗之出现,毕竟赋予了驱鬼魅、护佑平安的使命。汉应劭《风俗通义》:“ 谨按皇帝书,上古之时,有荼与郁垒昆仲二人,性能执鬼,度朔山上,章桃树下,简阅百鬼:无道理,妄为人祸害,荼与郁垒缚以草索,执以食虎。”于是,县官常以饯腊除夕,饰桃人,垂苇茭,画虎于门,追效于前事。如上所述,这类既有趋吉避凶,借以自安,又有装饰门户作用的门神年画,不断衍变,一直流传到今天。”——《中国民间美术解读》第62页。几个月之前,我去了趟湖北省博物馆,在那里看到了好多中国古代的东西,应该也称得上美术作品了吧。可惜的是我没有数码相机,只是将就着用手机拍了几张,时隔已久,也不记得拍的东西到底有什么来历了,图片也不怎么清晰,不过实物的确是很震撼的。其实我看这些东西先想到的真不是它的美术价值,我就是觉得做真么精细复杂的东西实在是个技术活,看样子一件东西要获得美学上的称赞真不是件容易的事。有几样东西,本来是很普通的花瓶,镜子,帽子,但是做工精细,很有美感,竟也能被后人冠以如此之高的荣誉,拍出这么高的价钱。但是正如老师所言,过去不值钱的东西现在也不值钱,这些东西,放在当年的生活中也应该是价值不菲的。且不谈这些东西是多久以前的,反正我是做不出这么复杂精致的东西的,而且就算是放在现在,要做出这样的东西,不下功夫,没有技术,也一样做不出来。把技术变成艺术,这才叫真正的水平吧。虽然在那次的省博物馆之行中我可能在理解中国美术的文化内涵和美术价值上并没有什么长足的进步,但至少我明白了,不管是怎样的美丽都是要以情感的注入与倾心的投入为代价的。当然,这些美术作品所承载的非物质文化遗产是同样值得我们注意的,毕竟它们能让我们从更深刻的角度了解那个时代的人和那些人的日常生活,通过这些物品传达传统和价值观,以及现今包含在每一个中国人身上的社会传统。只不过在没有经过这门公选课的学习之前,我对此并不是十分的重视。既然现在我学习并且对此有了一定的了解,那么我有责任也有义务继承中国特色的文化的精华,并保护这些作品所承载的珍贵的非物质文化遗产。虽然我是一名计算机专业的学生,跟中国美术应该是八竿子打不着的,但是在信息技术日益发展,经济全球化的大背景下,文化的界限越来越模糊,艺术的形式越来越多样,说不定哪一天,我们的电子作品,也能登上美术的殿堂,搬入博物馆,供人们欣赏。我希望那时候,我们的技术能够打上中国的标签,也算是对中国文化,中国特色的一种传承和发扬。总有一天,我们也会变成历史。
能够带来人生思考,体现出当下社会的价值观 ,引发我们情感的共鸣,色彩协调搭配得当,技术巧妙引人深思。
工写妙合画心境,融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者,托其根于心智也,发其花、笔端墨彩于萱桑也。人之神不能无为,思虑易迁,哀乐相变,感生于志,赋形凝萃于画间。庚寅(2010)年春(5月15日),在首都的一场拍卖会中,著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购,其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。五月的北京春寒料峭,不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品,清国先生参拍十幅中国画作。这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍,气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重!赵清国,河南郑州须水镇人,1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末,儿时受大哥和父辈的蒙学影响,喜欢读书、写字、画画。他最大的理想将来当一名画家。中学读书时,他的文化课和美术课成绩都非常优秀。然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年,刚满十六岁的他不得不携笔从戎,来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。白天在坑道里从事繁重的体力施工,晚上回兵营挑灯夜战,读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志,坚定了他学画、当画家的决心。从那时起,他养成了画速写的习惯。他说,他至今不抽烟、不打牌,和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。庄子《外篇》曰:“夫残朴以为器,工匠之罪也。毁道德以为仁义,圣人之过也”。青年时代的清国,奋发上进,施工工程,文化宣传,样样都抢在前头,干的出色。他说,人活着,不管做什么,都应该有种向上精神追求,越是环境艰苦,越要有独立的精神。“天行健,君子以自强不息。”(《周易?上经》)他常以古人这句话作为自己的座右铭,从普通施工员,到书记员,再到司务长,是一步一个脚印走过来的。清国在部队的时候喜欢读书,兴趣广泛,吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品,更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法,涉猎极广,没有定式。他最终走上绘画道路正轨,拜潘天寿的入室弟子,浙江美院(现中国美院)的朱颖人教授为师,却来自一次偶然的机会。70年代末,已转业到地方的物资系统清国,在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家,并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》,那绚丽的墨彩、挺立的奇石,虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图,让清国良久驻足,竟然看呆了,原来中国画还可以这样画。他暗下决心,一定要拜朱教授为师,学画国画。说来也巧,刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品,清国如视珍宝,借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足,先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。1992年4月,经李自强先生推荐,清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品,夸清国画画有灵气,并在其作品上题字:“精神可嘉,当需努力”。兴致之余,朱先生信手边画边讲,口传身授。那年,朱先生71岁,清国43岁,当为先生的晚年弟子之一。“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中,艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”朱颖人先生的师承十分丰富,他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育,也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练,他善于吸收中、西绘画两方面的营养,把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习,并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说:“光学古人的笔墨是远远不够的,要做到师迹又师心,注意学习古人的意境和构思”。朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动,主张借“临摹与读画”以学古(即因),承“写生与创作”(即创)以开今。通过学古达于开今的目的。写生是师古人师造化的实践,是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华,同时,又是师古人,师造化的试金石,通过实践寻找自身的缺陷和不足。实际上在整个学画的过程中,临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下,清国逐渐明白了这些道理,并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。大体来说,清国的创作九十年代前以临摹为主,兼及写生创作;后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。经过近三十年的不懈努力,清国逐渐走出一条自悟的学画之路。清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画,虔诚,有颗执著之心。先生们亦都倾其所长,无论从题材画意,还是笔墨题款,都毫无保留的传授。清国学得刻苦,也学得灵活。既从宏观着眼,注意把握大局。又从微观入手,一笔一画,精微描摹。他学习有心,不但揣摩老师们的传授要点,而且重视研究老师各自的画路、画材,并结合自己的特点,有针对地借鉴。2005年以来,清国进入创作盛期,完成了一批以葡萄,牡丹、荷花和各种农作物为主题的大型画作,像《风雨荷塘图》、《南风吹来望丰年》、《山中惟有茶烟》(2006年),《春雨》、《清溪品茗图》、《石榴韵赋》、《秋馨图》、《云岭寄情》(2007年),水彩画《雪域佛光》、《缤纷净界》、《嵩山雪景》(2008年)都是这一时期的代表。通观清国以花鸟为主景的作品,早期的作品比较写实,“物之华,取其华,物之实,取其实”,追求朴实的自然美。近期的作品渐趋夸张,带有一定的象征性,透露出较多的理性精神。从上述作品可以明显看出,画家渐由“客观”描摹进入一个主观“臆造”的全新阶段。在创作构图上,清国着意追求雄浑博大的意境,大视角、特写式镜头强化、夸张花木的奇绝,枝藤的伟岸,从而拉近与观众的距离,造成一种强烈的视觉冲击力,使人随作品迸发出心底的崇高感。我国著名花鸟画家,美术评论家,人民艺术家鲁慕迅先生在其《梅花》作品上题款“漫天飞雪压重峦,独立冰崖展笑颜;根有丹砂花似火,化将光热暖人间”。为更好的表现和适应大幅画创作的需要,清国运用粗放的大笔,以浓墨、焦墨和重彩,泼洒胸中浩然之气,从而追求朴厚凝重的艺术效果。这种壮美的审美取向预示着清国艺术创作孕育着一场突变。为迎接这场孕育已久的艺术创作变革,清国先后接受《世界知识画报》、《科技人》和国家机关的邀请,赴京创作巨幅葡萄题材的《珠玑图》、《紫气东来》、《寻诗觅句涉秋园》等画作。他告诉我,近期要重新有选择的读些理论书籍和诗集,拓展意境,滋养笔墨,六十岁以后再进行风格变化,以期探索花鸟人文画的表现方式,展现由修养与能力交融起来的思维,达到直取水墨写意作品的神意格调和主题思想品质。
中国美术欣赏论文谈论某一副作品的感受与收获
首先说明一下,这一篇不是论文。对于总在身边出现却从未留心的中国美术,我自认为自己无论是对于中国美术的文化价值还是艺术价值都是没有发言权的,在此仅仅是说下个人感想,所以本文只能叫做杂感而非论文。在学习“中国美术作品欣赏”公选课之前我从不觉得春联、年画、风筝等这些在日常生活中很常见得东西也称得上是美术作品,但是现在我明白这些东西都有它的文化价值和美术价值。不仔细欣赏就会错过很多东西。我从没想过门神会给人们带来怎样的精神寄托,小时候看到人们在门上贴一些古怪的人像,觉得很好玩;长大了,也许这是时代的原因,觉得把这些做工粗糙红红绿绿的东西贴到门上挺俗的。现在我才发现这个东西居然有这么多的历史来源与文化内涵,虽然身为一个中国人,但是在课上听老师讲这些门神之类的东西似乎是一种很新鲜的事情,才知道有哪几个人被人们敬为门神,真不知道是该欣喜还是该惭愧。不过通过学习,我对此有了一定得了解,也算是一种收获。“门神是我国年画中最早出现的一种形式,从公元前发展到十世纪的漫长时间里,一直把它当作“五祀”之首,不敢亵渎。岁首元旦,上至朝廷,下至庶民门上贴金鸡、斑虎、浑金门神,室内悬蓝袍、腰笏的钟馗习尚,新年如此装饰门户室内,自然显得金碧辉煌,鲜丽夺目,点缀出了春节之气氛。然而金鸡,画虎,门神,钟馗之出现,毕竟赋予了驱鬼魅、护佑平安的使命。汉应劭《风俗通义》:“ 谨按皇帝书,上古之时,有荼与郁垒昆仲二人,性能执鬼,度朔山上,章桃树下,简阅百鬼:无道理,妄为人祸害,荼与郁垒缚以草索,执以食虎。”于是,县官常以饯腊除夕,饰桃人,垂苇茭,画虎于门,追效于前事。如上所述,这类既有趋吉避凶,借以自安,又有装饰门户作用的门神年画,不断衍变,一直流传到今天。”——《中国民间美术解读》第62页。几个月之前,我去了趟湖北省博物馆,在那里看到了好多中国古代的东西,应该也称得上美术作品了吧。可惜的是我没有数码相机,只是将就着用手机拍了几张,时隔已久,也不记得拍的东西到底有什么来历了,图片也不怎么清晰,不过实物的确是很震撼的。其实我看这些东西先想到的真不是它的美术价值,我就是觉得做真么精细复杂的东西实在是个技术活,看样子一件东西要获得美学上的称赞真不是件容易的事。有几样东西,本来是很普通的花瓶,镜子,帽子,但是做工精细,很有美感,竟也能被后人冠以如此之高的荣誉,拍出这么高的价钱。但是正如老师所言,过去不值钱的东西现在也不值钱,这些东西,放在当年的生活中也应该是价值不菲的。且不谈这些东西是多久以前的,反正我是做不出这么复杂精致的东西的,而且就算是放在现在,要做出这样的东西,不下功夫,没有技术,也一样做不出来。把技术变成艺术,这才叫真正的水平吧。虽然在那次的省博物馆之行中我可能在理解中国美术的文化内涵和美术价值上并没有什么长足的进步,但至少我明白了,不管是怎样的美丽都是要以情感的注入与倾心的投入为代价的。当然,这些美术作品所承载的非物质文化遗产是同样值得我们注意的,毕竟它们能让我们从更深刻的角度了解那个时代的人和那些人的日常生活,通过这些物品传达传统和价值观,以及现今包含在每一个中国人身上的社会传统。只不过在没有经过这门公选课的学习之前,我对此并不是十分的重视。既然现在我学习并且对此有了一定的了解,那么我有责任也有义务继承中国特色的文化的精华,并保护这些作品所承载的珍贵的非物质文化遗产。虽然我是一名计算机专业的学生,跟中国美术应该是八竿子打不着的,但是在信息技术日益发展,经济全球化的大背景下,文化的界限越来越模糊,艺术的形式越来越多样,说不定哪一天,我们的电子作品,也能登上美术的殿堂,搬入博物馆,供人们欣赏。我希望那时候,我们的技术能够打上中国的标签,也算是对中国文化,中国特色的一种传承和发扬。总有一天,我们也会变成历史。
郡斋雨中与诸文士燕集(韦应物)