少儿歌唱论文参考文献怎么写

少儿歌唱论文参考文献怎么写

在正文书写完毕后，空两行（宋体小四号），再书写“参考文献”四个字（居中），“参考文献”使用宋体四号加粗，前后两个字之间不空格。“参考文献”书写完毕后空一行（宋体小四号）再书写参考文献的具体内容。

参考文献的序号左顶格书写，并用数字加方括号表示，如〔1〕，〔2〕，?，每一参考文献条目的＇最后均以“．”结束。参考文献只列出作者已直接阅读，在撰写论文过程中主要参考过的文献资料，所列参考文献应按论文参考的先后顺序排列，参考文献一律书写在论文正文结束后，不得放在各章（节）之后。

参考文献引用的技巧

如果我们在论文中有引用了他人的学术观点、数据、材料、结构等，就一定要记得详细的标注出来的。我们引用参考文献也应该要规范，如果我们在论文中标注的参考文献不规范，也从侧面反映出论文写作者的水平和态度。

参考文献不宜过多，文献的多少能体现出论文占有资料的程度。一般情况下，中文论文的参考文献偏少，但也不能简单以文献引用量达到多少简单划分，不同性质的论文引用参考文献的多少页相差很大。

论文后面的参考文献的格式怎么写

论文后面的参考文献的格式怎么写，参考文献是论文后面必不可少的一部分，有很多同学对参考文献的写法有很多疑惑，下面大家就跟随我一起来看看论文后面的参考文献的格式怎么写的相关知识吧，希望对大家能有所帮助。

格式为作品的“出版年份”或期刊的“年、卷（期）”+“：页码（或页数范围），”对于多个引用文件，每一引用文件的页码或页码范围（有些出版物也将表示引用文件位置的信息作为页码）应分别列在每个引用文件的序号中，放在方括号后（仅列出编号，前面和后面的单词和字符，如“p”或“page”没有添加）和标记。

所列参考文献的要求如下：

1、所列参考文献应为便于读者考证的官方出版物。

2、所列参考文献应当标明编号、书名、作者和出版信息。

扩展资料：

论文格式的.注意事项：

1、打印要求

所有毕业论文均采用A4纸打印，上下边距，左边距3cm，右边距。行距为行距的倍数（设定值为）；字符间距为默认值（缩放100%，间距：标准），封面为教务处统一规定的封面。

2、字体要求

纸上使用的字体要求是宋体。

3、字号

第一级序、题为小三黑体；第二级序、题为小四黑体；第三级及以下序、题为小四宋体，正文与第二级相同。

4、页眉及页码

毕业论文每页为页眉，以宋体为中心，宋体5号，印有“XX大学X X X理科学生毕业论文（设计）”，页码应按阿拉伯数字（小字体五字）在页脚内连续排列，中间书写。

参考文献是根据GB/TB7714-2005《文后参考文献著录规则》，适用于“著者和编辑编录的文后参考文献，而不能作为图书馆员、文献目录编辑者以及索引编辑者使用的文献编著录规则”。参考文献的书写样式不可随意更改，要按照标准仔细地进行排版。

参考文献的编写顺序是按照论文中引用文献的顺序进行编排，采用中括号的数字连续编号，

依次书写作者、文献名、杂志或书名、卷号或期刊号、出版时间。

参考文献的书写首先要明确的一点是，参考文献的全角和半角问题。其实很简单，英文标点+半角；中文标点+全角。可以自己试一下全角和半角的差别在哪，其实就是字符问题，全角字符占两个字节，半角是占一个。另外我们要了解一下关于参考文献都有哪些类型。一共是分为16种类型，如下图所示。

其中对于专著、论文集中的析出文献，其文献类型标识建议采用单字母“A”；对于其他未说明的文献类型，建议采用单字母“Z”。

我们可以具体的学习一下参考文献格式

[序号] 期刊作者．题名[J]．刊名．出版年，卷(期): 起止页码.

[序号] 专著作者．书名[M]．版次(第一版可略)．出版地：出版社，出版年∶起止页码.

[序号] 论文集作者．题名〔C〕．编者．论文集名．出版地∶出版社，出版年∶起止页码.

[序号] 学位论文作者．题名〔D〕．保存地点：保存单位，年份.

[序号] 专利所有者.专利文献题名〔P〕．国别：专利号．发布日期.

[序号] 标准编号，标准名称〔S〕.出版地：出版者，出版年.

[序号] 报纸作者．题名〔N〕．报纸名，出版日期(版次).

[序号] 报告作者．题名〔R〕．报告地：报告会主办单位,年份.

[序号] 电子文献作者．题名〔电子文献及载体类型标识〕．文献出处，日期.

相信这些大家都很清楚怎么用，参考文献的书写也是不可忽略的一部分。其中有几个小点也许一直被同学所忽略，我这里要提醒一下大家。第一，文献中的英文名字不可进行缩写，一定要写正确的人名称呼。第二中文和英文参考文献书写并不相同。中文的作者一般是“姓+名”；而英文参考文献是采用“姓,名.”的方式。第三，如果引用的中文文献作者有多个，一般是采用前三位作者署名，第三位作者后面添加等字；英文文献则采用，“姓,名,and名姓”的方式进行书写，除第一位以外，都按照正常顺序写。第四，特别需要注意的是注意无意间的空格，尤其是在书写英文的参考文献当中。第五，参考文献要按照论文引用文献顺序依次书写，这样论文的整体比较严谨，也不会混乱。

参考文献写在哪个位置

参考文献写在哪个位置，参考文献在我们写论文的时候是经常用到的，参考文献的最末一项一般为页码，指引文所在的位置编码。有很多人还不知道参考文献要卸载那个位置，今天就和我一起来学习一下参考文献写在哪个位置。

参考文献标注在文档结尾。

参考文献类型及文献类型，根据GB3469-83《文献类型与文献载体代码》规定，以单字母方式标识：

专著M ； 报纸N ；期刊J ；专利文献P；汇编G ；古籍O；技术标准S 。

根据《中国学术期刊（光盘版）检索与评价数据规范（试行）》和《中国高等学校社会科学学报编排规范（修订版）》的要求，很多刊物对参考文献和注释作出区分，将注释规定为“对正文中某一内容作进一步解释或补充说明的文字”，列于文末并与参考文献分列或置于当页脚地。

书写技巧

把光标放在引用参考文献的地方，在菜单栏上选“插入|脚注和尾注”，弹出的对话框中选择“尾注”，点击“选项”按钮修改编号格式为阿拉伯数字，位置为“文档结尾”，确定后Word就在光标的地方插入了参考文献的编号，并自动跳到文档尾部相应编号处请你键入参考文献的说明，在这里按参考文献著录表的格式添加相应文献。

参考文献标注要求用中括号把编号括起来，以word2007为例，可以在插入尾注时先把光标移至需要插入尾注的地方，然后点击 引用-脚注下面的一个小箭头，在出现的对话框中有个自定义，然后输入中括号及数字，然后点插入，然后自动跳转到本节/本文档末端，此时再输入参考文献内容即可。

在文档中需要多次引用同一文献时，在第一次引用此文献时需要制作尾注，再次引用此文献时点“插入|交叉引用”，“引用类型”选“尾注”，引用内容为“尾注编号（带格式）”，然后选择相应的文献，插入即可。

1、在正文中引用参考文献

一项科学研究取得的新成果通常是在前人成果的基础上的新进展，它体现着科学科技的继承和发展。如，基于已有的理论、方法、思想、实验手段等，使本研究获得了新进展，有了新发现;或是将一个学科中的方法移植到另一学科中并取得成功;或是对已有方法做了改进。当在论文中叙述研究目的、设计思想、建立的模型、与已有结果进行比较的时候，就要涉及到已有的成果。如果在涉及到前人成果的地方再把已有成果的具体内容抄到论文当中，不但占去论文的篇幅，冲淡论文的主题，而且抄写这些已发表过的、读者可以查找到的内容是毫无意义的。所以，在论文涉及到已有成果的地方，不去重抄已有的成果，而是指出登载这个成果文献(出处)，这种做法叫做引用参考文献。 引用了参考文献，就要在涉及前人成果的地方做一个标记，见到这个标记，读者就知道在这里引用了参考文献;按照这个标记在参考文献表中就能找到刊登这个成果的详细内容的文章。在正文中引用参考文献的地方加一个标记，称为参考文献的标注。标注的方法称为标注法。

2、参考文献著录的目的和作用

对于一篇完整的学术论文，参考文献的著录是不可缺少的。归纳起来，参考文献著录的目的与作用主要体现在以下5个方面。

1) 著录参考文献可以反映论文作者的科学态度和论文具有真实、广泛的科学依据，也反映出该论文的起点和深度。科学技术以及科学技术研究工作都有继承性，现时的研究都是在过去研究的基础上进行的，今人的研究成果或研究工作一般都是前人研究成果或研究工作的继续和发展;因此，在论文中涉及研究的背景、理由、目的等的阐述，必然要对过去的工作进行评价，著录参考文献即能表明言之

有据，并明白交待出该论文的起点和深度。这在一定程度上为论文审阅者、编者和读者评估论文的价值和水平提供了客观依据。

2) 著录参考文献能方便地把论文作者的成果与前人的成果区别开来。论文报道的研究成果虽然是论文作者自己的，但在阐述和论证过程中免不了要引用前人的成果，包括观点、方法、数据和其他资料，若对引用部分加以标注，则他人的.成果将表示得十分清楚。这不仅表明了论文作者对他人劳动的尊重，而且也免除了抄袭、剽窃他人成果的嫌疑。

3) 著录参考文献能起索引作用。读者通过著录的参考文献，可方便地检索和查找有关图书资料，以对该论文中的引文有更详尽的了解。

4) 著录参考文献有利于节省论文篇幅。论文中需要表述的某些内容，凡已有文献所载者不必详述，只在相应之处注明见何文献即可。这不仅精练了语言，节省了篇幅，而且避免了一般性表述和资料堆积，使论文容易达到篇幅短、内容精的要求。

5) 著录参考文献有助于科技情报人员进行情报研究和文摘计量学研究。

3、参考文献的著录原则

1) 只著录最必要、最新的文献。著录的文献要精选，仅限于著录作者亲自阅读过并在论文中直接引用的文献，而且，无特殊需要不必罗列众所周知的教科书或某些陈旧史料。

2) 只著录公开发表的文献。公开发表是指在国内外公开发行的报刊或正式出版的图书上发表。在供内部交流的刊物上发表的文章和内部使用的资料，尤其是不宜公开的资料，均不能作为参考文献引用。

3) 引用论点必须准确无误，不能断章取义。

4) 采用规范化的著录格式。关于文后参考文献的著录已有国际标准和国家标准，论文作者和期刊编者都应熟练掌握，严格执行。

5) 参考文献的著录方法。根据GB 771487《文后参考文献著录规则》中规定采用顺序编码制和著者 出版年制两种。其中，顺序编码制为我国科技期刊所普遍采用，所以这里作重点绍。

唱歌教学中论文参考文献

参考文献是指作者在音乐 教育 论文中引用、参考过的文献资料，包括观点出处和引文出处，是音乐教育论文中不可或缺的组成部分。下文是我给大家带来的关于音乐教育论文参考文献的内容，欢迎大家阅读参考!

[1] 王婷. 郑州市小学校外古筝教学现状调查研究[D]. 河南师范大学 2014

[2] 刘育锋. 东莞农民工子女小学音乐教育现状的调查研究[D]. 四川师范大学 2012

[3] 陈志圣. 洋蛮河镇古河小学音乐教育现状[D]. 南京师范大学 2004

[4] 张云鹏. 浅析乌海市小学音乐教育问题及改善 措施 [D]. 内蒙古师范大学 2013

[5] 王莹. 上世纪末河南省洛阳市小学音乐教育状况研究[D]. 陕西师范大学 2013

[6] 綦琳娜. 大城市小学音乐教育改进策略[D]. 黑龙江大学 2013

[7] 徐晓妹. 小学音乐教育应把握 儿童 心理发展[D]. 辽宁师范大学 2010

[8] 张丽. 天津西部小学音乐教育课堂教学问题与现状研究[D]. 天津师范大学 2012

[9] 罗杰. 丹巴县小学音乐教育现状研究[D]. 四川师范大学 2012

[10] 何芳. 小学音乐教育与儿童良好性格培养的研究[D]. 东北师范大学 2005

[11] 蒙桂生. 从了解价值入手，让学生爱上音乐课[J]. 基础教育研究. 2011(14)

[12] 马婧. 浅谈音乐课实施创新教学的思考[J]. 法制与经济(中旬刊). 2011(06)

[13] 范子泉. 河南温县司马懿得胜鼓调查与研究[D]. 河南师范大学 2014

[14] 何宇鹏. 河南新乡“中州大鼓”的调查与研究[D]. 河南师范大学 2014

[15] 韩晓娜. 唐宋曲子词的音乐学研究[D]. 河南师范大学 2014

[1] 薛建男. 幼儿园教育质量评价指标体系研究[D]. 上海师范大学 2012

[2] 夏晨伶. 幼儿园保育质量评价指标研究[D]. 四川师范大学 2012

[3] 冷雪姣. 幼儿园组织创新气氛现状的调查研究[D]. 东北师范大学 2012

[4] 冯宝安. 幼儿园突发事件管理机制构建研究[D]. 西南大学 2013

[5] 张向葵，王元，刘佳，郭彦文. 教育执行力：家长对落实幼儿《纲要》满意度研究[J]. 东北师大学报(哲学社会科学版). 2009(05)

[6] 李雪晗. “幼儿园选择”问题的深层含义及其社会学思考[J]. 当代学前教育. 2009(03)

[7] 胡彩云，__宇. 城乡家长对幼儿园期望的比较[J]. 学前教育研究. 2009(06)

[8] 连玥，马玉俊. 浅析父母对托幼机构的教育需求[J]. 科教文汇(下旬刊). 2008(11)

[9] 李江帆，主编.教育服务产品理论研究[M]. 中山大学出版社， 2009

[10] 徐晓东，邵文其，洪仙瑜等着.社会转型与办学体制创新[M]. 浙江大学出版社， 2004

[11] 朱家雄着.幼儿园课程[M]. 华东师范大学出版社， 2003

[1] 王聚伍. 流行音乐事象中的刘欢演唱风格研究[D]. 河南大学 2011

[2] 辛颖. “女子十二乐坊”的发展及存在方式研究[D]. 河南大学 2010

[3] 金亚文主编.初中音乐新课程教学法[M]. 高等教育出版社， 2003

[4] 喻先贵. 音乐教学既要“面向全体”又要注重“个性发展”[J]. 考试周刊. 2010(39)

[5] 贾涛. 农村特岗教师计划的实施：问题与对策[J]. 教育理论与实践. 2010(23)

[6] 甘民. 中学新教师的成长研究[D]. 江西师范大学 2011

[7] 王永平. 鄂尔多斯市东胜区中学教师专业素质发展状况与建议[D]. 内蒙古师范大学 2013

[8] 张敬敏. 第四代评价理论视角下的教师专业素质提高策略研究[D]. 河南师范大学 2014

[9] 王敬环. 农村中小学音乐教育的现状与对策[J]. 考试周刊. 2009(06)

[10] 马莹. 农村中小学教师专业发展的问题与对策[J]. 陕西教育(教学版). 2007(Z2)

[11] 唐松林着.中国农村教师发展研究[M]. 浙江大学出版社， 2005

[12] 周世斌着.音乐教育与心理研究 方法 [M]. 上海音乐出版社， 2005

[13] 高慧娟. 新课程背景下流行音乐与中学音乐课堂教学衔接初探[D]. 河南大学 2011

[14] 王安国. 我国学校音乐教育改革与发展对策研究[J]. 中央音乐学院学报. 2004(04)

[15] 钱建良. 音乐教学中的审美[J]. 小学教学研究. 2003(02)

[16] 张向秋. 新课程背景下语文教师的专业成长研究[D]. 南京师范大学 2007

[17] 刘洪良. 中小学健康教育教师专业素质研究[D]. 南京师范大学 2014

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原生态声乐演唱教学方法研究论文

摘要： 回眸中国民族声乐及其历史，其昭示着原生态唱法这种民族声乐艺术形式的存在意义。原生态及原生态声乐演唱艺术的起源和不同分类所生发的独特的阐述，让人们逐步认识到中国民族声乐中的原生态声乐的独到演唱艺术。本文从自然、实用、即兴三方面对原生态声乐艺术特征进行阐述，以领会中国民族声乐艺术独有的艺术魅力。也正因如此，原生态声乐演唱教学具有十分重要的意义。因而，对原生态声乐演唱的文化、艺术风格和民族性三个层面进行论证，方可以突出原生态声乐演唱教学的重要性。以此为基础，在教学中选取打破理性思维教学模式、引导学习者联系生活、注重个性的培养三个方面，我们可以分析研究原生态声乐演唱教学的教学方法创新，并能审视原生态声乐演唱教学的现状和发展趋势，启发更多的教学者对原生态声乐演唱教学更加重视和关注，以引导更多大众关注民间传统文化的新发展。

关键词： 原生态唱法；声乐演唱教学；教学方法；创新

一、了解民族声乐中的原生态声乐演唱艺术

中国作为一个幅员辽阔的多民族国家，在漫长的历史发展过程中，语言文化、社会政治、社会经济、生产劳动、生活方式和宗教信仰等诸多因素，都对中国民族声乐艺术产生了深远的影响，形成了中国风格迥异的民族民间声乐艺术形式和流派唱法艺术体制。原生态声乐艺术在民族声乐中最能原原本本的展现中国各个民族和地域的风土人情，是最原始生存状态的声音，是没有经过任何的加工和修饰的民族声乐艺术形式。原生态唱法的出现成为中国民族声乐艺术中举世瞩目的一朵芳花，博得众人关注。

（一）认识中国民族声乐及其历史发展

中国民族声乐是劳动人民表达自己情感、意志、思想的一种艺术形式，其中传统的中国民族声乐基本上就是中国的原生态声乐，而现代的中国民族声乐是指在继承了中国传统的民歌、戏曲、说唱等传统演唱艺术精华，通过借鉴吸收美声唱法后形成的具有中华民族特色的民族演唱艺术形式。早在春秋时期，第一部诗歌总集《诗经》中的《国风》就是当时的北方民歌。20世纪以前，原生态民歌是中国民族声乐演唱的主要形式，随着社会不断进步和开放思想的形成，中国开始有了西洋式的声乐教学，出现了现代民族声乐艺术，使得中国民族声乐艺术进入一个转型期。现代民族声乐艺术有了科学的演唱技巧和与时俱进的演唱内容，但是原生态声乐艺术作为中国传统文化的一部分，有着其他演唱形式替代不了的自然和淳朴风格，同样应该被人们重视和关注。

（二）原生态的定义及原生态演唱的起源

原生态一词来源于自然科学中的生态研究领域，是指大自然赋予人最原本的一种生活状态，不具有复杂性、装饰性、技术性、利益性、时尚性，是最简单的、淳朴的一种存在状态，基本可以用“清水出芙蓉，天然去雕饰”来形容。所谓原生态演唱就是在特定的环境区域内，由当地的人们在劳动生产生活过程中，按照本民族的语言习俗和演唱方法自然形成的，不具有任何专业修饰和外来影响的民间作品，其中以原生态民歌的演唱方法为代表。原生态唱法的首次提出，见于2004年中央电视台西部频道举办的“西部民歌大赛”中。原生态唱法中土生土长的劳动人民和不加任何专业技巧装饰的'原汁原味嗓音，赢得了人们的点赞和关注。原生态声乐演唱是相对于学院派的民族声乐唱法而言，当地人民群众自创的积累，通过世代口头相传相授的方式继承了民间音乐艺术的精华，是中国民族传统习俗生活的真实写照。

（三）原生态声乐艺术的不同分类

原生态声乐艺术根据其演唱形式的不同，可以分为独唱、重唱、对唱、群体齐唱、多声部合唱等。其既有委婉柔美的抒情也有高亢激昂、豪迈奔放的酣畅，曲调都非常优美，具有较强的艺术魅力。根据其地域不同，又可分为北方原生态民歌、南方原生态民歌，高原的原生态民歌、平原的原生态民歌和其他少数民族的原生态民歌。由于各地原生态民歌的语调、语气等会因其区域和地貌的不同产生出不同风格特质的原生态民歌，例如北方的粗犷、高亢，南方的细腻、悠扬等。根据原生态声乐艺术的演唱内容不同，原生态声乐演唱的题材和功能不同，又可以分为劳动号子、信天游、爬山调、内蒙古的长短调牧歌，等等。

二、探究原生态声乐演唱的独有艺术魅力

原生态声乐艺术是一个民族传统文化的体现，是各族劳动人民智慧的结晶，是中华民族悠久文明发展沉淀下来的文化遗产，拥有着自身不可磨灭的艺术特性，正是这样的艺术特征使得原生态声乐能在现代的艺术生活中独放光芒。

（一）原生态声乐演唱的自然艺术特征

原生态声乐演唱直接产生于民间，并长期流行于农工、船夫、牧羊人或者劳动妇女之间，由大众口头创作，并在流传中不断地得到丰富和发展，是随口而出的俗语，不具有专业性，因其原始、贫乏单一的语汇，使得原生态声乐处于自然的艺术状态。这种自然不等同于随便和无秩序，而是顺其自然的流露情感和创作作品，细细体会就能感觉到原生态声乐在自然中蕴藏的丰富内涵和情感。例如，黎族原生态作品中唱道：“砍山我来迟了，迟到是留恋锅里的田螺，流连在纱纺的老婆。”还有其他作品中唱道：“要猪怕猪脏，要狗怕狗吠，要鸟怕鸟飞，只要亲人做伴长相随。”这些原生态作品的歌词通俗易懂，都具有自然不刻意的艺术特征，表达出的却是情真意切、感人至深的生活和情感。

（二）原生态声乐演唱的实用艺术特征

原生态声乐演唱作品的产生多半是人们在劳动中创作的，与劳动人民的生活密切相关，所以，原生态声乐艺术出现的初衷是为了实用，其次才是审美。例如劳动号子是最早出现的民歌载体，它的产生是人们在繁重的体力劳动中，发出吆喝或者呼号，为的是释放身体负重的压力或者协调步调，这些吆喝和呼号后来通过被人们美化，发展成声乐艺术形式，劳动号子的实用性就在于协调和指挥人们劳动。随着其实用性的出现，更多人开始关注并把它美化起来，在有节奏和韵律的配合下，逐渐展示出原生态声乐艺术的独特魅力。

（三）原生态声乐演唱的即兴艺术特征

原生态声乐演唱，都是看到什么唱什么，想到什么编什么，有感而发，即兴自创。实际上是方言腔调的音乐化，不需要考虑技术层面的要求，不用经过加工提炼，只需专注于自己有感而发的演唱就可以，展示的是“最本色的原作品”。歌词体现了劳动人民的情感即兴及其“口语化”的民俗特征，在结构、文法、修辞、艺术逻辑、形态规律等方面形成了诸多新的族域性文化特征。例如，原生态民歌中山西的山曲《三天路程两天到》：“大青山高来呦乌拉山那个低，马鞭子一甩我就回口里，不大大那个小青马，我多喂上两升料，三天的那个路程我两天到。”歌词源自生活中的所见所闻，由于民间歌手不懂得专业的创作知识，不能像专业作曲家一样运用民歌素材创作民歌，只能靠即兴的情趣、始发冲动及强烈的情感支配而“创作”。

三、原生态声乐演唱教学的重要意义

由于民族声乐的创作曲目较为单一和重复，千篇一律的民族声乐状态使得听众出现了听觉、视觉的疲劳，所以人们开始想要追求新鲜刺激的艺术形式，渴望和期盼民族音乐多元化。原生态声乐演唱显示出自然、质朴、粗犷的特点，是民族声乐艺术的另类展现，具有别具一格的新鲜感和民族特色。因此，为了迎合人们愿意复兴传统文化的潮流，原生态声乐演唱教学的意义十分重要。不仅因为学院派的民族唱法是在原生态声乐中生长出来的，而且好的原生态声乐演唱教学有利于传统文化的进一步传播，引起更多人对中国民族民间艺术的关注。

（一）原生态声乐演唱教学的文化意义

原生态声乐演唱是工业时代前的自然的、乡村的、朴拙的、非商业化的文化。其中蕴藏着源自大自然的生态文化，例如有民族民间文化、原始文化、方土文化等，涉及到社会科学中的民族学、民俗学、社会学、生态学等。原生态声乐演唱教学需要在教会学习者演唱技巧的基础目标下，对学习者进行原生态声乐文化的教育和指导，让学习者在宽阔的声乐文化视野中学习原生态声乐，不仅有利于学习者对声乐技巧的掌握，更有利于学习者今后的深入探究和创作。例如，在藏族原生态民歌《翻身不忘共产党》的教学中，同样要为学习者讲解该作品的时代背景、思想意识和道德观念，让学习者在了解相关文化中掌握原生态声乐演唱。

（二）原生态声乐演唱教学的艺术风格意义

原生态声乐演唱虽然是一种自然状态的演唱形式，不用经过专业修饰和提炼，但也不是随意的唱就可以的，也需要教学者在教学中不能忽略对艺术风格重要性的教学，逐渐思考出一些方法和理论，在教学过程中通过提炼和选择来指导原生态声乐演唱教学。让学习者能够随心所欲的演唱原生态声乐作品时，流露出纯粹、质朴和干净的声乐艺术效果。例如，在学习不同艺术风格的原生态声乐作品时，抓住每一部原生态声乐作品中的闪光点很重要，掌握艺术风格精髓才能在丰富多彩中彰显个性。

（三）原生态声乐演唱教学的民族性意义

原生态声乐演唱过程直接反映一个民族的历史、社会、劳作、风土人情、爱情婚姻等日常生活，是认识一个民族情感、性格、历史、民风民俗的重要名片。所以，做好原生态声乐演唱教学，对于中国民族声乐的发展，弘扬民族文化精神，推进保护非物质文化遗产等方面，有着不可限量的作用。

四、创新原生态声乐演唱教学的教学方法

从历代所有民间艺术形式的发展过程中看，几乎一切的民间艺术都是专业艺术产生的源泉和根基，任何一门艺术门类都是从生活走向艺术，从艺术走向专业。原生态声乐演唱艺术也不例外，原生态声乐演唱艺术作为民族声乐艺术发展的根基，只有把原生态声乐演唱搬进教学中来，不断进行扩展教学和创新，才能让原生态声乐演唱艺术不断从原生态走向艺术舞台，由粗糙走向经典。

（一）在原生态声乐教学中打破理性思维教学模式

在现实教学中，教学者往往过分强调教学内容的合理性和共性，注重教学方法的重复高效性，容易淡化或忽略教学方法的创新性。这样的教学模式在原生态声乐教学中，容易限制学习者的个性兴趣发挥，教学者应该打破习惯性思维的按部就班教学模式，毕竟原生态声乐教学的主要目的不仅仅是教会演唱技法，而是要让学习者走出单纯理性的思维，融入自己的感受和思考感性地学习原生态声乐，给学习者一个广阔空间去认识、研究原生态声乐演唱艺术的现实意义和创作借鉴。

（二）在原生态声乐教学中引导学习者联系生活

舍弃了原生态声乐艺术的情感人文成分，单纯追求知识与技巧的教学，只会让学习者对原生态声乐演唱艺术产生缺乏个性和生命力的理解。由于原生态声乐大多形成于种地耕田、采药摘茶、行船放排等生活生产实际中，演唱技术是从生活中摸索而来，反过来又被用于表达生活情感。所以，教学者要在原生态声乐教学中，让学习者把学习原生态声乐演唱与生活联系起来，教会学习者用声音去表达生活，传递情感，脱离僵硬的声乐演唱技巧学习。

（三）在原生态声乐教学中注重个性培养

原生态声乐演唱每一句每一腔都具有强烈的地域性和突出的艺术个性，如蒙古的长调，苗族的飞歌，羌族的酒歌，等等，可谓是“一方水土出一方人，一方人唱一方歌”。教学者要让学习者对原生态声乐的声音有正确的判断，有自己独特的感受，而不是盲目的、错误的模仿。教学者要培养学习者独到的个性思维，才能让学习者在声乐作品面前有自己的思想，不再唯师命是从，才能不埋没学习者的创新才能。结语原生态声乐演唱艺术是要依靠原生态的生活环境的，随着时代的发展和人们生活方式的改变，原生态声乐演唱艺术的发展也面临着严峻的考验。因为原生态声乐是中国民族声乐的根基，也是中国非物质文化遗产的重要组成部分，在语言、内容和形式上都具有鲜明的地方文化特色和民族特色，更是具有不可替代的价值。现代社会的文化发展和审美趋于多元化，对民族声乐中的原生态声乐的传承和发展毋庸置疑。今后在教学中，要注重在保护原生态声乐作品的前提下，朝着保护它、研究它、发展它、推广它的方向进行教学改进，要积极吸收原生态声乐艺术中的传统文化和音乐精髓，做到既保留特色又不断与时俱进的发展。

参考文献：

[1]杨立岗编著.声乐教学法[M].上海:上海音乐出版社,2007.

[2]俞子正等著.声乐教学论[M].重庆:西南师范大学出版,1999.

[3]徐晓懿编著.声乐演唱与教学[M].上海:上海音乐出版社,1996.

[4]付晓玲.原生态民歌的理性思考——有感于第十二届全国青年歌手电视大奖赛增设原生态演唱组[J].民族音乐,2006(3).

[5]田青编著.原生态唱法的当代意义[M].北京:人民音乐出版社,2006.

歌剧在声乐教学中的重要性论文

摘要： 歌剧一直以来在声乐教学中占据着重要位置，二者相辅相成。而如何引用歌剧以提升声乐教学质量一直都是教学的热点问题。本文阐述了歌剧在声乐教学中的作用，在此基础上，探讨了在声乐教学中的三种措施，以促进声乐教学质量提升。

关键词： 歌剧；声乐教学；作用；措施

将歌剧引入到声乐教学中能够让学生体验到多元的歌唱形式，并且有助于学生感受艺术文化，进而完善声乐知识结构。而如何充分利用歌剧提升声乐教学质量成为教学重点和难点。

一、歌剧在声乐教学中作用

（一）、歌剧的引入激发学生学习兴趣。兴趣是学习最为重要的因素。在声乐教学中，如果学生对其毫无兴趣，那么就无法很好掌握声乐演唱技巧，也无法自我提升。因此，提高学生学习兴趣是声乐教学的首要任务和终身任务。而学生对声乐学习的兴趣在很大程度上与其所选择的作品有关。歌剧现如今被教师作为教学的最佳选择。歌剧有国外歌剧和中国歌剧，它们都有着风格各异的特性，正好能够满足不同学生的需求。另外，将歌剧融入到声乐教学课堂中，也使教学内容和方式更加多样化，增加课堂教学的趣味性。教师在教授声乐知识时，可先选择一些相对简单，较为流传的歌剧作品，如《茶花女》、《我亲爱的》等，这些作品有着鲜明的音乐形象，旋律优美，乐句简单朗朗上口，这些作品在训练学生气息控制和对整体音乐内涵的把握等方面有着很大的促进作用，增强学生对学习声乐的自信，进而提高学生的学习兴趣。

（二）、歌剧为唱功训练提供平台。在声乐教学中，重唱和合唱都是教学的重点，相对独唱而言，它们在音准、节奏等方面要求更为严格。重、合唱是歌剧的一个特色。歌剧要求不仅要唱出重唱的基本特点，而且还要唱出主人公个性特征，必须产生共鸣，必须和谐。因此，教师在声乐教学中，在教授学生重唱时，除了教重唱的基本技巧，还要教学生多元化的演唱风格，培养学生的艺术文化修养和团队协作意识，为构建一个完整的声乐知识结构奠定良好基础。合唱是由多人共同演唱同一声部，要求他们在音准、节奏等方面要能够协调起来，而重唱则是由不同人来完成演唱，在最高声部、中间声部和低声部方面要求更加严格，要求其要有扎实的音乐素养，只有这样才能将比较困难的中间声部和低声部完美演绎出来。在具体的声乐教学中，教师应给学生更多的实践机会，需要在无数次的失败中磨练。经过艰苦的学习，学生的唱功定有很大提高。

（三）、歌剧为培养文化素养提供平台。歌剧就是采用演唱和表演相结合的方式演绎故事内容，既包括音乐、表演、舞蹈方面的知识，又包含文学知识。从大多的歌剧剧本中可以看出，其很多素材都是源自文学作品。如歌剧《卡门》，其源自法国作家梅里美的《嘉尔曼》；歌剧《茶花女》，其源自法国小说家的著名小说《茶花女》；中国歌剧里程碑《白毛女》源自于民间传说；歌剧《江姐》源自于长篇小说《红岩》等等。这些歌剧作品对于声乐教学中培养学生文学素养和审美能力起着很大作用。歌剧作曲家将个人情感与故事情节融于一体，使歌剧充满戏剧性色彩。因此，在声乐教学中，教师要指导学生对其相关文学作品进行分析研究，对其创作背景、文化以及那个年代的音乐进行探讨，这样才能让学生所运用的唱歌技巧具有时代特色，准确表达歌剧的思想内涵，传达歌剧的美好意境。由此可见，学生在演唱时，不仅能够更完美地演绎歌剧，提高学生演唱技能，而且能够提高学生自身的文化素养。

（四）、歌剧为演唱与钢琴伴奏更加和谐提供平台。声乐演唱与钢琴伴奏是成功演绎一部声乐作品的关键。当学生在演唱某部音乐作品时，除了要把握好声音自身因素外，还必须与钢琴伴奏配合得当。由此可见，教师在教授学生如何演唱的同时，还需让学生认识钢琴伴奏的重要性，教授学生在演唱时要仔细倾听钢琴伴奏，在力度、速度、呼吸等方面与伴奏要达到高度默契。在歌剧中，演唱者与钢琴伴奏协调默契度非常重要，二者不可分割，二者共同合作达到一种完美的艺术境界。因此，教师在教授学生如何与钢琴伴奏协调时，选用歌剧作为教学案例，在提高教学质量方面非常有效。在声乐教学中，有乐感的演唱是其非常重要的一部分，学生演唱得是否成功，不仅与学生自身因素有关，而且还与其是否能够与伴奏相互协调有着很大关系。总而言之，教师在教学中通过歌剧要有意识地培养学生与钢琴伴奏协调能力，提高学生的`整体音乐素养。

（五）、歌剧为实践提供平台。歌剧对声乐教学来说是一个很好的实践。歌剧是一个多人共同演出的音乐作品，它需要有戏剧性的故事情节，每场故事都需要主人公把握住度；歌剧的另一个组成部分就是音乐，歌剧中的音乐需要指挥与乐器的配合。因此，歌剧演员不仅需要很好地把握住故事情节，而且需要其在此基础上，配合音乐元素，将其完美的演绎出来。在声乐教学中，教师必须了解这一特点，将歌剧适当地融入到实际教学中，培养学生实践演绎能力。

二、歌剧在声乐教学中的应用

（一）、指导学生熟记歌词与旋律。在声乐课堂教学中，教师采用歌剧作为案例进行教学，主要是教授歌剧中咏叹调的演唱部分。歌词与旋律是演唱一部作品的基础，因此，教师在教学中首先要指导学生熟记歌词与旋律，为演唱好作品奠定良好基础。教师在指导学生熟记歌词时主要采取读、念、唱的教学方法。“读”指导学生有感情的朗读歌词，使其能够感受歌词的美感，练习语感，进而培养学生的语言感受能力；“念”以曲的结构来将歌词念出来，感受每小段的意思，体验人物思想感情的波动与转变；“唱”伴着曲子进行演唱，将词与曲结合起来，进一步熟悉歌词，完全演绎作品的情感。而在指导学生如何熟记旋律时，教师让学生采用默记法和哼唱法相结合的方法。也就是说，学生一边在心里读谱一边嘴上哼唱，二者相互配合记忆旋律。歌剧都具故事情节，因此，在歌词方面其都朗朗上口，而且其旋律优美，很好记，学生采用读、念、唱的方法、默记法和哼唱法相结合的方法完全可以熟记下来，为演唱做好基础铺垫。

（二）、引导学生分析人物角色。歌剧人物众多，故事情节具有深层的内涵，只有正确理解歌剧的内涵，才能完美演绎。如果分析不到位，没有准确理解歌剧内涵，学生即使有很好的嗓音和娴熟的技巧，也会因演唱没有感情、平淡而失败。因此，在教学中，教师必须帮助学生分析人物角色，主要从以下两个方面进行：（1）分析曲目的“情、词、曲”。“情”作家通过曲目表达的情感；“词”对歌词进行分析，词的意思、词的发音等进行仔细研究“；曲”对曲目的结构和框架进行分析。（2）整体分析。从歌剧的整体出发，对歌剧的创作背景、人物关系、故事情节进行研究，以便学生能够更深刻地演绎人物形象。如在歌剧《卡门》中，怎么表现出卡门的温柔、妩媚、热情、直率，又怎么表现出卡门的傲慢、放荡，在卡门人物刻画上，怎么通过声音和肢体语言将这完全相反的两方面交织在一起，这些问题都需要教师带领学生进行分析。在声乐教学过程中，教师帮助学生分析歌剧中的人物角色，使学生在演唱时能够很好地展现出人物的情感，让歌声更具魅力，让表演更加真实，进而提升教学质量。

（三）、指导学生呼吸和音色问题。在歌剧中，人物较多，无论是在地位上还是在情感上都具有千丝万缕的联系，矛盾冲突不可避免。此时在演唱时要有感情波动，需要饱满的气息，需要大的呼吸流量。另外，歌剧的舞台和场所空间较大，此时需要演唱者要有足够的大的音量，这样才能与伴奏相抗衡，并且在此基础上，要求演唱者音色要明亮。在实际教学中，教师指导学生呼吸时采用快速音阶的方法来进行，指导学生如何提高呼吸量时采用大跳的音程练习方法，指导学生音色时采用级进的八度以内的音阶或半音练习以及跳音的练习方法。如在歌剧《卡门》斗牛士出场时要求卡门女友的有效音域都要超过两个八度，音色要凸显出来，此时教师就选择快速音阶和跳音的练习方法来对学生进行训练，教学效果非常明显。

三、结语

在声乐教学中，无论是西方歌剧还是中国歌剧都将作为教学重点，它是提升教学质量的一个很好因素。歌剧对声乐演唱提出了更高的要求，这也是培养学生实际演唱能力的一个关键要素。教师在实际教学中引用歌剧来提升教学质量的方法很多，如指导学生熟记歌词与旋律、引导学生分析人物角色、指导学生呼吸和音色问题等，皆已产生良好的效果。

参考文献：

[1]郭义玲,姜山.谈普契尼歌剧作品与声乐教学研究[J].科技信息.2010(11)

[2]陈晓.乌克兰沃茨霍夫斯卡娅教授的声乐教学特征探析[J].黄钟(中国.武汉音乐学院学报).2008(04)

[3]曲凯.普契尼的歌剧之路[J].艺术教育.2009(02)

[4]智艳.歌剧表演艺术视野与民族声乐教学———“第二届全国高等艺术院校民族声乐大赛”引发的思考[J].南京艺术学院学报(音乐与表演版).2009(04)

[5]王春萌.谈民族歌剧的演唱———以歌剧《红珊瑚》选曲《海风阵阵愁煞人》为例[J].音乐创作.2012(04)

[6]孙玉柱.试论女高音在民族歌剧演唱中如何用声音塑造人物形象[J].作家.2009(16)

[7]易靖平,张亚丽.论西洋歌剧中重唱的艺术特征[J].黄河之声.2011(01)

情感与歌唱的论文参考文献

课题名称： 浅论音乐表演中的情感体验

一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义

音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在任何音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动，而是通过内在的情感动态形式的注入，引起深层心理体验，赋予无生命的形式以生命的活力，给人以人性的体验。

二、研究的基本内容，拟解决的主要问题

主要内容：

音乐是一种表演艺术，在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同，他必须通过表演这个环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。

主要问题：

1、什么是音乐表演艺术及意义。

2、音乐的表现与精神性内涵。

3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。

4、音乐表演的情感体验——投情。

5、音乐表演—赋予情感以生命。

6、音乐表演中审美情感的体验。

7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。

三、研究的步骤、方法、措施及进度安排

步骤：

1﹑大量阅读古筝方面的文献和著作;

2﹑找出有价值的课题;

3﹑依据论题精确寻找相关资料;

4﹑论文撰写;

5﹑在老师的知道下进行修改;

6﹑定稿并准备论文答辩。

措施：

1﹑在图书馆和上网查阅相关资料文献;

2﹑真理原有资料;

3﹑请教知道老师，与同学交流探讨本论题。

四、主要参考文献

[1] 王次沼著：《音乐美学通论》人民音乐出版社

[2] 修海平 罗小平著：《音乐美学基础》上海音乐出版社

[3] 苏珊•郎格：《情感与形式》中国社会出版社

以上就是音乐表演方面的一个优秀的开题答辩范文，小伙伴们可以仔细研究其中的内容，为自己的毕业论文寻找一些灵感，更多论文相关内容，请关注本平台，小编会做及时的整理与发布。

论歌唱中情感的表达与运用方法

[摘 要] 歌唱是人们用声音来抒发感情、寄托希望和表现美以及反映现实生活的一种特殊的艺术形式。它既是声乐艺术，又是舞台表演艺术。通过词曲作者的创作和演唱者的声音、情感的演绎，给人以美的享受。一个好的演唱者不仅要有好的嗓音条件和娴熟的演唱技巧，更重要的是能够正确地运用和表达歌曲的情感，从而引发听众的共鸣。歌唱中的情感表达与运用是多方面的，从对作品时代背景的了解到风格的掌握以及声音的正确运用都是一个递进的过程，歌唱应该成为多种因素融汇于一个整体中的完美艺术。

[关键词]歌唱;情感表达;声音

一、情感的表达与运用对歌唱的重要性

“情感”一词在歌曲的演唱中起着至关重要的作用。没有被情感渲染的音乐是枯燥和乏味的。歌唱作为一种抒发情感的艺术，是最能体现和营造各种情感的艺术形式。我国古代音乐美学中的“声为情役，腔为情设”“情之所至，音之所生”就很精辟地说明了情感在歌唱中的重要性。情感是沟通歌者与听众的一座桥梁，就唱歌而言，一位歌者的技巧再熟练，音色再美妙，如果缺少情感，只会让人感到单调乏味。在歌唱艺术上来说，声音只是一种音乐语言工具，只有以“声”唱“情”，以“声”表“情”，才会有更好的艺术效果。盲目地炫耀声音技术，或不管作品的类型情感随意宣泄，会陷入一种僵硬的.情感模仿和纯技术的发挥。这种歌唱技术与情感表达的不协调，使歌者难以与听众产生共鸣。正如著名男高音歌唱家张美林教授所说：“歌唱者与歌唱家仅一步之遥，而情感的把握正是歌唱者与歌唱家的区别所在。”我们在欣赏一位优秀歌唱家的演唱时，无论是中国作品还是外国作品，尽管语言不同，但是从歌声的情感中，我们也能感受到他所要表达的思想内容，这说明他融入了感情。

二、歌唱中正确运用与表达情感的方法

(1了解作品创作的时代背景

艺术是社会生活的形象反映，声乐作品的创作是特定时代的产物，词曲的创作不仅表达了作者的思想感情和创作个性，也反映了他们所处的社会现实、时代精神和音乐风格。如《黄河大合唱》以昂扬、急促的旋律与节奏体现了反日反侵略的时代情绪和特征;《歌唱祖国》体现了新中国成立以后新音乐的发展动向，表达了人民对祖国的热爱;而《田野的春天》则以明快的旋律和欢腾的节奏反映了改革开放后21世纪人民的新生活以及人们对生活的热爱之情。了解歌曲创作的时代背景后，学生才能更深刻地理解歌曲的思想内容，也为我们在演唱时的感情注入了依据，这样才能在演唱时更加准确地表现歌曲的内涵。

(2)把握作品的音乐风格

音乐风格的形成和发展是一个历史的过程，一首歌曲风格的形成与作者所处的时代、民族、环境是分不开的。民族不同，语言不同，风土人情不同，歌曲的艺术风格也不同。而歌曲风格掌握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。歌曲的风格主要指音乐材料所形成的曲调风格。一般来说，歌曲中的音乐语言都是比较接近生活的，尤其是民族歌曲。如歌曲《海风阵阵跟愁煞人》就是大量地吸取和运用河南地方豫剧的音乐风格，整首歌曲的音乐与剧情密切相关，开头运用了善于表现大气磅礴的大场面戏的豫剧风格，使歌曲富有激情奔放的阳刚之气，且具有强大的情感力度，高亢、激昂、先声夺人，把女主人公珊妹倔强的性格和焦虑的心情表现得淋漓尽致，成功塑造了珊妹这个渔家女的英勇形象。在演唱这首歌曲之前，我们应该大量欣赏河南豫剧以及与这首作品有关的音响材料，了解它的音乐风格。在演唱时，要注意歌曲中大量的装饰音，控制好它的幅度，做到自然流畅，把歌曲的韵味和风格完整地表现出来。

(3)发挥艺术想象力

在歌唱情感的表达中，除了要了解音乐作品的创作背景和音乐风格之外，还有一个非常重要的方面，那就是艺术想象力的发挥。只有发挥想象力，歌唱者才能在自己的脑海里形成生动的音乐形象，才能通过自己的演唱将作品准确完美地表现给观众。要将自己的情感完全融入到所演唱的作品中，进入一种忘我的思想境界，用最真挚的情感来诠释角色，才能使自己的声乐演唱更接近完美。俄国音乐评论家谢洛夫曾说过：“音乐是灵魂的直接语言。”演唱中贯穿丰富的想象，想象与情感活跃的交互作用，使情感得到升华，声乐作品才会散发出更大的艺术感染力。演唱者应该将歌曲的内容在自己的头脑中化为一幅幅的活动画面，把自己化作作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要像戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么唱歌者在表达时就会很真实和生动。例如，在演唱《在那遥远的地方》这首歌曲时，我们的眼前就会浮现这样一幅画面：一位美丽动人的维吾尔族姑娘，手拿细细的皮鞭，在宽阔的操场上赶着羊群的情景。这样的想象和意境会帮唱歌者确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公形象。歌曲的主人公形象完整统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会达到情真意切。当然，这种解释音乐的能力不是一日之功，它是一种生活的积累，这种积累越多越丰富，“灵感”也越活跃、越丰富。所以作为歌者应该随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的内涵。

(4)声音的正确运用

我们在演唱一首作品时，运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和探讨的问题。作为歌者，有了美妙的声音之外，驾驭各种声音和音色的变化的能力尤为重要。比如在演唱一首进行曲时，要选用雄壮的声音，而面对一首圆舞曲时，应该用比较明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲则需要用柔和、甜蜜的声音。这里的声音也需要有一个想象的过程。总之要善于调动人的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。一般来说，表现高兴而欢乐的情绪，声音必须明亮而有光彩，明快而灵活;唱气势强大的或感情强烈，音量就应放大，音色要洪亮、有力;表现爱情的歌曲，声音则要尽量的柔和、温情，流动感较强，只要用半声的效果就可以表现出爱情缠绵的意境。总之，我们应该学会巧妙地运用声音色彩的变化，表现不同的音乐形象，只有全心全意地投入角色当中，刻苦钻研，把音乐形象与生活感受紧密结合，运用恰当的声音进行演唱，才能更好更完整地表现歌曲内涵。

歌唱中的情感表达与运用是多方面的，从对作品时代背景的了解到风格的掌握以及声音的正确运用都是一个递进的过程，歌唱应该成为多种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术。正如清代著名声乐理论家徐大椿在《乐府传声》中说：“唱曲不得其情，则正邪不分、悲喜无别，即声音绝妙而与词曲相背，不但不能动人，反令听着索然无味矣。”这段论述说明了歌唱中“声”与“情”的关系，强调了情感表达在声乐演唱中的地位和作用。因此。我们在演唱声乐作品之前，要仔细地对歌曲进行分析和了解，知根知情，才能准确地表现出歌曲的感情。只有把“声”和“情”融为一体，做到“声情并茂”，才能使我们的声乐演唱更加接近完美，从而散发出更强的艺术表现力。

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[9]赵淑云.歌唱艺术与实践[M].杭州：浙江大学出版社，2001，182-184.

在歌唱中情感与作品的融合

声乐演唱是一门综合性艺术，它的魅力正是由于作曲者的心灵之作与演唱者的自我情感体验相契合达到的。演唱者不应该只重视演唱水平的提高，还应该在拓展自身素质上多下功夫。声乐表演艺术是文学、艺术、历史、审美等多种文化的积淀，是词曲作者和演唱者思想感情的外延和表达，是演唱者综合素质的体现。

摘要： 无论是什么音乐作品，作为歌唱者必须对作品本身有足够的理性认识，分析作品的词义内涵等，做好充分的准备，深入细致地体会，并不断加强自身的演唱技巧。在演唱时，只有加入情感的表现才能使演唱出来的声乐作品动听、感人。本文结合笔者多年的演唱经验，简要阐述了在歌唱中如何使情感与作品更好的融合。

关键词： 歌唱;情感;声情并茂;措施

声乐艺术的情感，是歌唱者在自己心里唤起曾经体验的情感，是一首歌曲的灵魂，是声乐演唱的目的。要把一首声乐作品演唱好，作为演唱者要充分了解歌曲，从多个角度来挖掘作品，在作品原有的基础上加以自己独到的认识和理解，以表现作品丰富的内涵，体现出作品的魅力，真正做到将情感与作品风格的完美融合,将唤起的情感通过歌声表达出来，同时使观众也体会到这种情感。

一、情感在歌唱中的重要性

声与情作为歌唱艺术的两大重要构成,恰如骨骼与血肉的关系:相辅相成、互为依托。如果没有情感只强调声音,极容易陷入“唯技术论”的陷阱,丧失歌唱的审美价值;只强调情感,则极易表现为情感泛滥,破坏歌唱的艺术情境。我们无法接受仅有“骨骼”的干枯、僵硬,也难以接受缺乏生命力的“血肉”堆砌。无论多么高超娴熟的表演技巧、多么感人至深的内心情感,都应该是为准确生动地赋予声乐作品以鲜活的音乐生命而存在的,绝不能把单纯追求高超的技巧或纯粹地展现丰富情感作为歌唱艺术的唯一目的。歌唱艺术应该始终贯穿技术服务情感、情感展示技术的宗旨,追求声音技巧与情感表达的平衡合理。

只有跳出技术技巧条条框框的制约,让技术真正成为表情达意的手段,让情感表达成为展示技术技巧的方式,摆脱声与情貌合神离的“水油混合”状态,真正做到“骨肉相亲”般的完美结合,最大限度地建立起合情合理的平衡关系,才能从为了歌唱的“歌唱”,升华为返璞归真的歌唱艺术,到达一个崭新的艺术境界

二、如何加强情感与作品的融合

(一)深入分析声乐作品，理解把握其情感特征

这个过程包括对作品地域性、歌词语言和内容、创作背景和意义进行分析、理解。

1、对作品的地域性分析

我国地域宽广，民族众多，每一首歌曲都具有其鲜明的地域特征。各地域在有不同的地域文化，也形成了不同的地域情感。一个作品，首先要分析它是哪个民族的，这个民族的人民有什么性格和情感特征;这个地域产生的歌曲有哪些特点，是如何产生的等等。

2、对歌词语言和内容分析

语言是歌唱的基础，又是歌唱的灵魂。所以我们必须掌握某一作品的语言要求。在内容上，歌曲要表达含义，离不开的还是歌词内容。我们在拿到一首作品时先不要演唱，而是把歌词大声有感情地朗诵几遍，这是很有用处的。我们要深入挖掘词义，有了对词义理性方面的掌握，才能更好地表达歌曲情感。

3、作品的创作背景和意义分析

演唱者对每一首歌曲，除了弄清词义外，还要弄清作者创作时的具体背景和意义。词意内容只是表面，不能只作一般的粗浅理解和表现，而重在挖掘它潜在的内涵。从中了解主人公所处的时代背景、特定的生活环境、人物的性格特点以及主人公所要表达的思想感情。

(二)灵活运用声音音色，准确表现歌曲韵味

音色是语言的一个重要组成部分，也是表达真实情感不可或缺的条件，如果有谁忽视音色的选择，他就必定会犯错误。要想唱好一首作品，单凭演唱者一成不变的声音来演唱远远不够。应根据不同歌曲的情绪和情感的需要选择恰到好处的音色和力度。对演唱来说，作品中的情绪和情感千变万化，高兴、愤怒，平静、冷漠等等，声音的色彩变化将起着重要的作用。表达欢乐时的音色应当是有光彩的、生动而流畅的。表达深刻的悲痛、内心的绝望时都用低暗的音色。表现恐怖和神秘的情绪是要把嗓音放低，使它变得暗些而略带嘶哑声。不同歌声的音色会产生不同的情感艺术效果。悲伤而缠绵的音色催人泪下，悠扬而甜美的音色使人心旷神怡。演唱者要巧妙运用自己的声音色彩完成歌曲的表达。

同时，在演唱时要注意声音的强弱对比，这样可以使听众的情绪随着歌曲起伏变化。这里的强和弱并没有一个绝对的说法，二者是相对而言的。演唱者需要有微妙、灵敏的感觉，对音色的力度有细腻的分析和表达。具体到作品中，由强及弱或由弱及强都需要有对比的力度效果。这些力度的变化关系演唱者要经常加以练习，控制好力度的运用对一首歌曲的表现至关重要。掌握这一技巧，会使我们更好的、更细腻的表达作品内容。

我们都知道歌曲表现的是味道，也就是韵味。这是一首作品“魂”的'体现。曲作者会把一些个别的音加以装饰、处理，使之富有一定的韵味色彩，歌曲变得更有魅力。歌曲韵味处理主要运用的手段有波音、倚音、滑音、重音、顿音以及变化音等。

(三)分析并结合自身个性特点，表达作品魅力

由于每个演唱者的兴趣爱好不同，所以演唱的特点也不尽相同。有的委婉深情，有的质朴深沉;有的纤细优美，有的刚健豪放;这不仅仅是因为每个人的先天条件不同，主要是每个人对歌曲的理解不同。每首歌曲都有其本身的创作背景，其中包括作者自己的思想和情感 ，并以此来描绘理想中的情景。这一切是一个整体，表演者要用自己的感受、天赋与歌唱技巧把作者的意图完整的表达出来，决不能一味跟着自己的感觉走。有的演唱者在了解了作品背景与风格后，也能有大致的情感表现力，但在真正演唱时，总认为自己的情感表现应高于作品本身，因而过分夸大了自己情绪的表现，使作品失去本身的魅力。

(四)提高文化修养，拓展自身素质

演唱者不应该只重视演唱水平的提高，还应该在拓展自身素质上多下功夫。声乐表演艺术是文学、艺术、历史、审美等多种文化的积淀，是词曲作者和演唱者思想感情的外延和表达，是演唱者综合素质的体现。每一位演唱者都应大量地博览群书，精读力作，努力缩小知识的盲区。演唱者必须要深入生活，因为艺术作品的创作源于生活又高于生活。要想准确的表现出来，只有深入其中，才能拓展视野，巩固知识，积累经验，为作品的表达作铺垫。

三、结语

声乐演唱是一门综合性艺术，它的魅力正是由于作曲者的心灵之作与演唱者的自我情感体验相契合达到的。演唱中，声音固然重要，但是没有融入感情的歌曲就像一盘色、香俱全的菜肴，看起来十分诱人，而吃起来却索然无味。在表达情感时，也应多几分理智，理解情感，感受情感，然后去恰当地表现情感。演唱者不但要在歌唱过程中将技术与激情有效地结合，产生出优美的声音，更需要注意在诠释曲目时能准确运用这种结合，在整体歌唱发声状态基本的范围内作某些音色、气息等的调整，形成符合情感表达需要的声音质量，符合表达某个作品的要求，让作品充满灵性，达到情感与作品风格的完美融合。

参考文献：

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歌唱中的呼吸论文参考文献

浅谈歌唱中的呼吸问题论文

【摘 要】 美声唱法和风格之所以沿用至今，被世人奉为典范，是因为它在流变中不断地创新和完善着自身的歌唱呼吸法体系。歌唱的呼吸法就是所说的气息，是美声唱法的灵魂。以生理学为基点，明确呼吸法的生理机制，掌握和分析美声唱法的核心技巧——歌唱的呼吸法。

【 关键词】 呼吸；重要性

一、歌唱中呼吸的重要性

美声唱法亦可译为“美歌”和“美歌时代”。它不只是一种演唱风格，也标志着欧洲歌剧史的一个时代、一种音乐风格和一种声乐教学法。正如著名歌手帕基埃罗蒂（1740—1821）所言：“知道如何呼吸和如何发音的人，才知道如何歌唱。”美声唱法和风格之所以沿用至今，被世人奉为典范，是因为它在流变中不断地创新和完善着自身的歌唱呼吸法体系。

正确的呼吸方法，各国各家都有不同意见，但原则是一致的。伊丽莎白·舒曼说：“我不是反对人家的方法，但我喜欢自己的。”凭着自己的经验再慢慢地、谨慎的摸索，而获得成功者。马肯齐爵士是英国的喉科专家，他在《发声卫生学》中写着：“传统的意大利名师教导别人吸气时指出：前腹部应该稍微收缩。”这方法实行了一百五十多年。世界各国的权威专家都一致地说明了呼吸的重要性，其原则是一致的。

二、什么是歌唱中的呼吸

歌声，是运用人体内的气息，慢慢地震动着声带，按照所要求之音高而发出的声音。因此，在谈及声乐时，必须注意如何呼吸

人的呼吸过程是这样子的：当吸气时，肺叶充满了气，它迫使人的肋胄向外扩张，胸呼吸的同时，也迫使横膈膜以下的内脏组织也随之下移，气吸得越多，肺叶的体积也越大，而肋胄向外的扩张是有一定限度的，相反，内脏是软组织，它的伸缩性很大，因此，随着肺叶体积的增大，横膈膜下移的位置也越多，腹腔也变得越来越小，腹腔内各内脏组织的压力也越来越大，在此同时，横膈膜的压力也越来越大，它不但受到肺叶扩张往下的压力，同时也受到腹部内脏组织向上的反弹力，而横膈膜是胸腹腔内唯一能起主动性的内脏组织，也训是说，只有横膈膜才能控制腹腔内脏组织的反弹力，让肺部的气息缓缓呼出，从而达到歌唱时要求的气息悠长的效果。

三、呼吸在歌唱中的运用

留学意大利的声乐艺术家吴其辉先生所讲：“意大利有句话：‘把气吸好了，打开喉咙唱，’这就是意大利唱法。”也就是说，美声唱法首先强调的是“要把呼吸掌握好”

（一）运用理论，采用想象教学的手段，强化歌唱呼吸的正确感觉。

呼吸的方法首先谈气息的.支持和流动：发声前先将气体快速吸入小腹（肚脐以下的丹田），然后向外呼出，注意气息一定要控制，让膈肌自然绷紧（先不要放松，待到气体呼出的末了在放松），慢慢向外呼气，就像你的办公桌上有土，要把他吹走，可是旁边又有一碗要喝的水，又怕把土吹到碗里，你就得慢慢吹，所以气体在你的嘴和膈肌的控制下形成了一绺细细的气柱。这就是歌唱发声的气流流动状态。只不过发声时气流不是直接由嘴吐出，而是贴着上口盖（软腭）转一下在吐出.

（二）在歌唱中，采用意念与想象相结合的教学手段．训练学生有气息控制的歌唱。

训练时先做无声吸气练习，之后加上“吹气”式的呼气动作进行练习，这样不容易走形，容易体会到正确位置。声乐老师在之前做出示范，让学生从外部状态来进行感受、模仿和体会。要从学习者声音的色彩来判断其喉颈部肌是否放松了，如果听到发音困难、音色不明亮、有喉音成分和上高音不轻松等情况，即可判定喉颈部和上胸背部用力紧张了，此时，立刻指导学生放松喉颈、上胸和背部即可。气息吸得越深越要提醒学生将声音放在越高的位置上，并把声音向外远送，喉咙越要放松。这样可避免声音偏低或在喉咙里出不去。

歌声是最美的音乐，歌唱时音高、音量的不同，声带的张力就不同，要求吸拢声带时通过的气息速度和流量也不同。通过这个实验说明，人的声带如果没有气息的作用，它是不会自行产生声音的。同理，一个人与生俱来一副金嗓子，如果他不具备正确的歌唱呼吸技能，他是不会唱出好的声音的。也就是说，我们在音乐厅听大师演唱时，为什么会那么激动？为什么那么过瘾？就是因为大师具备了综合的歌唱素养，更重要的，是他们充分掌握了歌唱的呼吸技能，才能使他们动人的歌声灌满整个大厅，唱进每个人的心灵。

【参考文献】

[1]黄河之声/《黄河之声》编辑部·—双月刊·—ISSN1004-6127·—2005-2，总第221期，P15-16

[2]蓝晖.呼吸的方法——声乐教学中的气息训练

也分什么期刊的哦，有核心的普通的国家级的‘省级的期刊哦，哪个呢？’

声乐艺术中的音色审美探析论文

声乐艺术中美的声音内涵是丰富的，在稳定的气息支撑下，音色的美感体现在各个方面，涉及到声乐作品的意境、技巧、情感等方面的内容，歌者利用丰富多变的音色展现声乐演唱的艺术之美。

一、声乐艺术中音色审美的特征

（一）音色的含义。

音色（Tonecolor）直接翻译的意思是声音的颜色（色彩），通常情况下指的是声音的特征，在声乐艺术演唱中音色更是一个十分重要的元素。不论是人声还是不同的乐器，都有着特有的音色，各种各样的音色构成了绚烂多姿的音响世界。音色的声音特质不尽相同，我们可以通过不同特色来分辨，人声有些洪亮、有些清脆、有些沙哑，这些都是由每个人的音色来决定，乐器也一样，有些声音色彩明亮、有些低沉、有些纤细，这些形象各异的音色元素正是音乐的重要表现手段之一。

（二）声乐艺术中的音色。

声乐艺术中的音色是在良好音质的基础上建构的，歌者需要对声乐作品做深入了解，将演唱时的发音技巧与作品演绎的内容完美结合在一起，在这一过程中对声音进行科学的调控与艺术设计，也可以说声乐艺术中的音色可以反映不同的声乐作品风格、不同时代背景等等。声乐艺术中不同的歌者的自身条件也不相同，根据音域可以为男高、女高、男中、女中、男低、女低，我们根据音域的分类来分辨歌者的音色，高音音色嘹亮、坚定有力，中音圆润、具有抒情性，低音柔和、具有浓厚深沉感。不同的声乐作品需要不同的音色演绎，音色需要随着音乐作品情感的转移与旋律的起伏而变化，音色可以唱出千变万化具有不同色彩的唱词。

（三）音色审美的意识建构。

声乐艺术中的音色审美意识，是一种主观的心理活动，某种意义上来说，它是根据自身对某种事物的要求作出的一种看法，受到客观因素的影响并且具有很大的偶然性。从哲学辩证的角度来讲，声乐艺术中音色审美的意识建构，是事物对立与统一的极好证明。随着人类社会时代的变迁和发展，人们的审美意识和审美情趣也在发生变化，这些和音色美的审美追求是分不开的。声乐艺术中的音色审美，需要用美的声音去塑造音乐艺形象，并且创造出声乐演唱的艺术美，创作艺术美需要把声乐作品的情感、意境、内容有效的与演唱技巧相结合，将这些因素融为一体，最终创造出声乐演唱中美的声音。

二、声乐艺术中音色审美的表现

声乐艺术中的音色美需要有稳定的呼吸给予支持，需要歌者具有良好的共鸣控制，同时还需要准确无误的语言表达以及自身情真意切的情感体现，只有这样才能更好的去体现生声乐艺术中的音色美，才能赋予音乐作品表现力，更全面的诠释音乐作品中音色色彩的变化。

（一）歌唱中的呼吸与音色审美。

声乐歌唱中的呼吸主要是依靠气息的力度与强弱来体现，它直接影响着音色的效果，气息强音色则刚，气息力度大音色则硬，气息弱力度小音色则柔，所以说在演唱中要把握好作品的气息的力度与强弱。声乐艺术中的美好音色都是建立在良好的呼吸基础之上，歌者具有稳定的气息支持，并且能游刃有余的掌握气息的变化，那么必定会获得好的.音色效果，以此来表现不同作品中不同的人物音乐形象。

（二）歌唱中的共鸣与音色审美。

声乐艺术是十分讲究共鸣的，不论是什么唱法都要建立在良好的共鸣基础之上。在声乐艺术的实践过程中，能够有效的运用共鸣腔体的比例，并可以掌控各个声区的要求，那么唱出的音色必然动听，把握共鸣腔体尤为重要，因为范围比较小，微微的一动就会让音色产生变化，所以很多歌者都十分注意把握共鸣腔体的调控。在演唱不同音乐作品时，不同的情绪也需要共鸣腔体做出相应调节，尤其在对作品情感把握时，要格外仔细揣摩共鸣腔体的细微变化，比如兴奋和幸福都需要歌者明亮的音色，但此时的演唱需要的共鸣腔体却完全不一样，与此同时歌者还要注意演唱口型的变化。

（三）歌唱中的语言与音色审美。

语言是人体发声器官发出的最具有情感色彩的声音，声乐艺术中上，嗓音是一大基础，它是塑造音乐艺术形象必备的物质条件，语言是声乐艺术的另一大基础，它是表达歌者思想情感，展现美好音色的工具，因此在学习声乐时，想在艺术实践中获得美好的音色，必须具备良好的嗓音条件和语言基础知识，并且能分析语言、表现语言。在声乐演唱中，歌者通过对语言韵味的深入把握和理解，才能赋予音色审美的普遍认同性。在声乐艺术中，对语言的韵味美及音色美的追求，不同民族的语言具有不同的鲜活个性，同时体现出音乐表现的一些共性。

（四）歌唱中的情感与音色审美。

声乐艺术中的情感是歌唱的灵魂，美的声音必然包含丰富的情感色彩，这样才能创造出音乐作品中生动的人物艺术想象。在声乐艺术实践过程中，人们对各种音色的心理感受已经形成相对稳定的认知规律，不同的音色也被冠以不同的情感色彩，歌者在演唱时也建立了不同的音色标准，具有一定的俗成性。音色的表现尽管可以给听众们听觉上的冲击，但不能给人心灵上的满足和共鸣，所以歌者在选择作品时要根据自己的嗓音及音色来决定，能够准确的展示作品的思想感情尤为重要。

三、结语

音色是声音的色彩，在声乐艺术中占有十分重要的地位，音色可以表达歌者不同的思想情感，可以塑造风格各异的人物形象，所以说音色是决定发声效果的关键所在。音色的美形式各异，不同的声乐作品蕴含不同的文化底蕴，当然需要不同的音色来演绎。

幼儿园歌唱教学论文

目前，社会上各类音乐培训机构不计其数，这类机构中，音乐学习往往都比较传统，即凭借老师的经验和感觉，儿童声乐教学更是如此，教与学的双方常常都要付出较大的体力代价。随着社会的发展科技的进步，催生了各种教学手段，多媒体软件课程教学就是其中非常重要且应用广泛的一项。许多教育机构开始研发这类应用于音乐教学的多媒体软件技术并推向市场，例如：古筝、钢琴、尤克里里、非洲鼓等都已开始应用于各类音乐培训机构。在这些软件技术的支持下，儿童声乐启蒙课程也应运而生，并给我们的儿童声乐教学带来了前所未有的变化。

一、完成了声乐教学观念的转变

长久以来，我们的传统声乐课教学始终保持在教师“弹”学生“唱”，教师“唱”学生“模仿”的状态。对演唱的声音技巧、歌曲内容的理解等都是以心口相传的授课方式进行的。这种灌输式的教学方式导致很多儿童在一段时间后对声乐学习失去了兴趣，并且受这种传统教育体系的影响，儿童声乐教育并没有从音乐审美角度出发，而是纯粹的进行声乐教育，容易产生与音乐审美相悖的现象。多媒体软件课程给我们开启了一个全新的声乐教学模式，和时代相接轨的触屏系统让课堂更加贴近我们现在的智能生活。软件中的表演示范视频、K歌模式、乐理讲解等等，无一不在说明现在的声乐教学是以声乐演唱为主旨，并集合生理、心理、语言、表演、体态、音响等多种元素为一体的学科。在声乐学习中让儿童发现美、感受美、享受美才是学习声乐的最终目标。这种美与快乐还包括环境的布置，学习中除了要提供一个良好的教学环境还要给儿童提供练唱环境和舞台实践环境。这种现代教育技术的普遍运用，使传统的教学发生了质的飞跃。授人以鱼不如授人以渔，让儿童学会学习、应用、创新才是当代声乐课程的关键。教学内容从单一的、狭窄的音乐技能转向多学科结合的世界音乐文化教学，教学活动的主体从以教师为中心转向以学生为中心。教师从知识的传授者转变为主动参与学习的探索和创新者。此类多媒体软件教学系统等现代教学媒体资源从主要为教师示范演示工具转变为学生进行学习创新的工具。

二、注重综合素质的培养

传统的儿童声乐教学强调儿童声乐基础的训练，教师根据学生个体情况和上课内容辅以基本乐理、视唱练耳等方面的学习。而许多教师只重视儿童声音音准、技巧等歌唱技能的训练，忽略了对音乐形象的塑造和表现。然而声乐是表演艺术，发声的方法只是歌唱表演的基础训练之一，其最终目的是用美妙的声音把歌曲的内容以及情感传达给听众。多媒体声乐课程软件的开发，系统全面的设计了课程内容，较为合理的安排了乐理、视唱练耳等知识的讲解，每节课还配有热身运动、发声练习等。例如中央音乐学院设计研发的课程体系“艾范儿”，整个课程体系设计有162节乐理知识讲解，48节视唱练耳，120节发声和气息练习，76节歌曲解析，48首考级曲目、歌曲MV、热身运动、K歌模式等，每节课都有专业老师录制的视频教学。这种系统的课程体系不仅让儿童学习了专业的声乐演唱，还大大提升了儿童的舞台表现力，增强了儿童的心理素质、舞台形象、与伴奏的配合、演唱的肢体语言等综合能力，同时儿童的音乐鉴赏能力与审美能力也得到提高，强化了整体素质的培养。

三、开启多样化的教学模式

传统的声乐教学教师通过讲授和示范，利用有限的教学手段钢琴、黑板等方式表现，这种较为单一的教学模式限制了儿童的'自我思考能力，在有些较抽象的问题上，不容易理解透彻。多媒体软件课程与时代同步，采用智能的触屏模式，整合了上课所需的多种教具，如钢琴、节拍器、黑板等。整个内容由动画故事的形式开启讲授，通过音频、视频、图片等环节让整个教学生动。课堂教学不再枯燥，整节课都是教师与儿童的互动，在轻松愉悦中学到了知识，体验了声乐的美妙。多媒体数字软件课程中的动画技术，不仅解决了声乐演唱技巧和乐理中的抽象内容，练声曲也利用各种辅助技术手段，在屏幕上呈现出模拟键盘，每一条发声练习都配有不同乐器的伴奏模式，利用音色的变化使单调的发声训练更加生动、具有歌唱性。录音技术，让儿童在学习完歌曲后可以进行K歌比赛或录音，并且通过这种录音模式，可以让儿童以听众的角色对自己的声音进行客观的评价，更加清晰的认识到自己的缺点与不足。

四、利用多媒体软件教学的几点建议

（一）提高教师的专业修养与综合素质

这种多媒体软件课程的研发，每个章节内容都设计到位，还有专业教师录制的视频讲解，对于专业院校出身的教师来说使用起来得心应手、如鱼得水。但很多社会培训机构引进此软件后，具体实施的教师音乐专业性不强，只是经过一些简单的培训就上岗教学，过多依赖软件课程内容，按部就班，这样的结果自然达不到我们的教学预期。多媒体软件课程只是我们的一种教学手段，利用现代的科技，使我们的教学与时代同步，它只是让我们的课堂锦上添花，但不能让它主导我们的课堂。为了更好地使用它，教师首先要有过硬的音乐专业修养，对声乐具备一定的理论与演唱能力，熟悉儿童心理学与教育学，并不断的学习，吸收先进的理念为教学提供支撑。

（二）注意个体差异的教学

在一些比赛担任评委的时候发现，很多机构或者老师教出来的孩子，无论是演唱还是表演都千篇一律，这种多媒体软件课程的应用，更是让教学可能出现复制性，每节课的内容，方法，模式都一样，孩子的演唱，表演也都按照软件设计好的内容进行，让孩子缺失了想象力和创造力。所以在利用软件教学的同时，教师更要合理设计自己的课程，针对每个孩子的特点及所擅长的音乐素质和声乐能力，量体裁衣，对儿童进行具有针对性的教学，帮助儿童找到最适合自己的演唱方式与学习方法。这类软件在儿童声乐大课中的应用，在一定程度上提供了便利。但在声乐大课的教学中，儿童的年龄、程度、性别等因素都是我们要考虑到的。多媒体软件课程，歌曲、表演等模式都比较有限，教师在利用软件教学的同时，应注重到每个儿童的个体差异性，例如对于男生和女生的歌曲选择、表演等都应有所区别。尤其是男生的声乐演唱，从歌曲的选择到表演都应选择符合男生男子汉气概的歌曲与肢体动作。教师在授课时一定要关注到每一个儿童，避免“复制”性教学，除了共性还要有个性化的展示。

（三）注意对儿童嗓音的保护

儿童的生理有别于成人，身体各个机能都处于生长发育时期，包括我们声乐学习的重要器官声带、喉头、胸腔等，适度的开发是有益于儿童的身心发展的，但过度则会对儿童造成不可逆的伤害。因此，教师应该密切关注儿童在歌唱时的表现，时常提醒学生不要使劲喊着唱，或大声吼叫，一定要控制声音保护好自己的嗓子。训练中，教师一定要根据各年龄段的儿童进行适量的训练。研究显示，4—6岁是幼儿期，声带非常稚嫩，音域较窄，儿童的理解能力有限，那么这个阶段的声乐学习应以兴趣爱好为主，让孩子欣赏和学唱一些儿歌，顺其自然的发声。7岁以后是儿童学习声乐的最佳年龄，刚开始学唱要小声歌唱，不要模仿成人歌曲的唱法，训练时注意把握适度原则，演唱时间不要过长，演唱曲目不要太难。变声期更是要注重对声带的保护，处于变声期的儿童，由于发声的持久性差，所以容易产生疲劳感。教师应科学合理的安排声乐教学进度，并且根据儿童身体不同发育时期进行有针对性的训练。

五、结语

在时代与科技的进步下应运而生的各类教学软件，是为我们的教学更好服务的。在软件辅助的同时，还需教师过硬的专业和精心的课程打磨，使才能我们的教学充满趣味性，让儿童在轻松愉悦的氛围中学习声乐，体验音乐带来的美妙享受。

音乐 教育 的根本目的是培养孩子的全面发展，并不是把每个孩子都培养成音乐家，而是使孩子们从音乐中享受到喜悦、乐趣，从音乐中得到启迪。下面是我给大家推荐的浅谈小班音乐教育论文，希望大家喜欢!

《浅谈小班音乐教育》

摘要：音乐能使孩子享受到喜悦、快乐，能为孩子的成长打下良好的基础。合理的选材，游戏化的情景，良好的师幼互动，培养创新的意识，能使小班孩子学习音乐得到更多体验。

关键词：小班音乐;选材;游戏;互动;想象

中图分类号：G610 文献标志码：A?摇 文章 编号：1674-9324(2014)03-0267-02

音乐是人类从事审美活动的一种对象，它作为一门独立的艺术，有着其独特的魅力，并且还具有独特的教育功效。音乐教育的根本目的是培养孩子的全面发展，并不是把每个孩子都培养成音乐家，而是使孩子们从音乐中享受到喜悦、乐趣，从音乐中得到启迪，使孩子们的智力得到开发，培养孩子们的创造力，并为孩子的成长发展打下良好的基础。因此，在幼儿期就对孩子进行音乐教育，对其一生的良好发展有着很大的影响。如何引导小班孩子积极参与音乐活动，在活动中获得愉悦的情感体验，使小班孩子更好地接受音乐、享受音乐，从而达到启迪智慧，陶冶性情和品格的教育目的?

一、选材上突出情趣，做到浅显，让孩子易于表现

音乐活动符合孩子思维具体形象、富与想象、活泼好动的特点，能使孩子从中获得极大的快乐和满足。小班孩子年龄小，注意力差，他们对一切有趣的、好玩的事物表现出浓厚的兴趣，而对于一些枯燥，乏味的东西就会索然无味，因此，在选材时注意选择一些有趣的、符合孩子年龄特点的、容易为孩子理解并接受的内容进行教学，这样孩子才会主动地参与到活动中，使教育的目标落到实处。如，我看到小班孩子喜爱在娃娃家给娃娃洗澡，陪娃娃睡觉，有照顾娃娃的丰富 经验 ，也能用简单的语言和动作与娃娃交流。为了回应孩子的需要、兴趣和实在的生活，我选择了《洗白白》和《月光》两首富含生活意义的传统 童谣 组织音乐教学活动。在教学中我关注音乐对孩子需要和孩子生活的回归，巧妙地将孩子“洗澡、睡觉”等生活情节作为整个音乐教学活动的背景，孩子与教师在各种以语言和非语言符号为媒介的交往中，用表达性语言(动作、表情、语言、体态等)表现童谣的节奏，表达对音乐的体验。我让孩子随着音乐的节奏和旋律参与活动：给自己洗澡、给同伴洗澡、给布娃娃洗澡、哄布娃娃睡觉，从而帮助孩子把原始的生活经验提升为音乐审美经验。这种音乐教学渗透了幼儿与自己的生活、与音乐文本的对话精神，表达了人与自我、人与他人、人与生活的价值。

二、从游戏入手，创设游戏化的情境，引导幼儿参与音乐活动

布鲁纳认为发现法能激发智慧潜能，培养内在的动机，有利于学会发现的技巧以及记忆的保持。由于孩子年龄小，坚持性与忍耐性较差，他们不能长时间在看不到进步的情境中探索，因此我们应有目的地创设有利于幼儿探索发现和积极操作的游戏环境，以激发其探究内驱力。小班孩子期待“像成人一样活动”，喜欢模仿成人的活动，而孩子动作的发展优于言语的发展，让孩子听着音乐用动作游戏来表达情感，要比让他们坐着安静倾听音乐或用歌声来表达要效果好得多，所以，不管是歌唱活动还是 音乐欣赏 活动，教师在乐曲声中把作品化为一个个简单有趣的小 故事 ，规则简单甚至没有规则的情景性游戏。通过反复的游戏，让孩子反复感受作品，从游戏中获得愉快的情绪，从而产生积极参与活动的愿望。这种游戏可以是音乐作品的完整再现，也可以让孩子担任其中的一角色或重点段落。如《小老鼠上台灯》这首歌曲中，孩子自始至终扮演小老鼠;《这是小兵》这首歌曲中，先让孩子模仿大炮、喇叭、手枪、铜鼓发出的声音的节奏，老师则可以唱“这是小兵的喇叭”，以接唱的形式来开展游戏。还有歌曲《我爱我的小动物》也是如此。这样尽管孩子还没有学会歌曲，但在参与的过程中孩子获得了愉快的情绪体验，同时熟悉了作品，对音乐活动产生了浓厚的兴趣，歌唱教学的目标也得到较好地落实。

三、师幼互动中促进孩子更好地发展

对于幼儿教师来说，和孩子交往应该少一些成人世界约定俗成的条条框框和刻板印象，要用一颗童心与孩子交往，这样会较容易走进孩子的内心世界。苏霍姆林斯基说：“要想进入童年这个神秘之宫的门，老师就必须在某种程度上变成孩子。”放下老师的姿态，融入孩子。小班孩子对成人的依赖性强，在音乐教学中，教师要以积极的情绪感染孩子，参与到孩子的活动中，使音乐教学更富真实性，作品更具感染力。如，在音乐游戏《找小猫》中，我是猫妈妈，和我的一群小猫咪快乐地捉迷藏;在歌表演《大树妈妈》中，我是大树妈妈，呵护着一群可爱的小鸡宝宝，在互动中孩子们特别的快乐，真正享受了这快乐的音乐活动，并意犹未尽。

四、发挥想象，培养孩子的创造意识

在音乐活动中，不能只顾着技能技巧的练习，还要考虑让孩子去表现美、创造美。因为音乐活动包含感受、想象、理解、创造等思维阶段，它对培养幼儿的创造意识及能力具有独特的作用。培养创造力并不是要抛弃模仿，在音乐活动中模仿还是需要的，它是最初的学习方式，但要较快地跨越这一阶段进入探索期，引导孩子大胆创新，独立思考，发表自己独特的见解。如用作画的形式表现来高低音时，有的孩子画了雷公公表示音高，画一条吐泡泡的小鱼表示低音;有的孩子画敲打的锤子说声音高，画一棵小树说声音低……面对这些稚拙的创造，我给予了肯定、表扬和鼓励，还引导孩子们当众表现。在这个基础上，我为孩子创设了宽松的环境，由浅入深地引导孩子创造，展示自己的才能。从改编歌词、敲奏简单乐句开始，发展到为图片故事配音乐、创作乐曲、编动作等，鼓励孩子从自身实际出发，通过努力充分展示自己的创造力。如我引导孩子用不同音色的乐器为熟悉的音乐《找小猫》配音，来表现猫妈妈和小猫的不同特征和情绪。只有让孩子按自己的条件、方式、意愿去做，他们才能学得主动，才能发挥 想象力 和独创性。尽管孩子的表现还十分稚拙，但都是真情实感的流露，体现了孩子独特的想象力和创造力。

总之，在小班音乐教育活动中，只要我们做到内容的趣味性，活动的情境性，形式的灵活性，目标的简易性，就能为孩子学习音乐减轻压力和难度，让孩子在音乐中获得更多的快乐体验。

参考文献：

[1]幼儿园教育指导纲要(试行).

[2]谈亦文.“洗白白”(小班)教学实录与点评[J].幼儿教育，2007，(05)：20-21.

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