音乐产业发展研究论文

音乐产业发展研究论文

摘要：从19世纪末到20世纪40年代，是中国近代音乐的形成和发展时期。在这个过程中，上海具有重要的地位。首先，由于“海派”的文化传统，上海成为中国新式音乐教育的试验场；其次，上海外国租界的音乐生活，为中国专业音乐人才的培育提供了良好的土壤；第三，大量市民阶层的存在，以及浓厚的商业氛围，现代化传媒的兴盛，使上海酝酿滋生了中国第一代流行音乐。关键词：近代中国音乐；上海；地位上海是近代最早开放的五个通商口岸之一，也是近代中国最大的城市。它在近代中西文化交流、中国近代新文化形成中的地位，得到了学术界普遍的关注。作为近代新文化一个方面的近代中国音乐的形成和发展，上海在其中起到了举足轻重的作用，这与上海城市独特的文化背景、历史传统以及经济社会状况有密切的关系。因此，研究上海在近代中国音乐形成和发展中的地位，不但会使我们对近代中国音乐发展史有深入的理解，也通过一个侧面使我们对上海城市的个性有深切的体会①。一、近代音乐传播先驱上海，由于独特的历史因缘和独特的文化环境，成为近代西方文化向中国传播的桥头堡，也成为酝酿近代中国新文化的温床。近代中国新音乐的形成就是其中一个重要方面。近代的音乐发展包括两个方面：一是近代西洋音乐的传播和普及；一是传统音乐的传承与改造②。其中，尤以西洋音乐的传播和普及为近代中国音乐形成的主要动力和内容。近代西洋音乐的传播，大致通过以下途径：1、基督教堂所带来的西方宗教音乐；2、新式军队中输入的西洋军乐；3、海外留学生带回来的西洋音乐；4、近代学堂对西洋音乐的普及。这四种途径先后出现，而尤其以第四种因素对中国近代音乐的面貌影响最为深远。上海在近代中国夙得风气之先，在近代西洋音乐传播中亦是如此，其主要表现则在于它成为近代新式学堂普及西洋音乐之最早试验场。上海自五口通商以来就成为海外基督教在华传教的大本营，因此基督教堂所带来的音乐对上海信徒的熏染尤为深远。但教会音乐对于中国近代音乐形成的贡献毕竟有限，新音乐的形成更依赖于新式音乐教育的发展。由于基督新教把教育作为在华传教的一个重要手段，因此大量精力和财力用于办学，而其所办学堂的一个重要内容就是传授西洋音乐。从目前的资料来看，传教士在华办学以上海为最早，而学堂中设置音乐教育科目也以上海为最早。例如1861年在上海创立的清心女中，在教学中已把音乐与语文、算术、圣经等科目相提并论。创办于1892年的上海中西女塾为展示平时教学成果，还举办音乐会。音乐会的规模不仅限于学生之间的互相交流，还半年一次对家长们，一年一次对普通市民公开演出①。而上海人沈心工，是近代中国第一个从事新式音乐教育的中国人。他出生于商人家庭，1902年到日本留学，1903年回国后，在南洋公学附属小学任教，开设了中国最早的唱歌课。1904年出版了《学校唱歌集》，开创了“学堂乐歌”的形式。学堂乐歌是中国人最早用西洋音阶谱写的歌曲，成为近代音乐史的发端。上海的务本女塾、南洋中学等学校以及沪学会等团体都邀请沈心工指导唱歌。在沈心工《学校唱歌集》出版后，很多学堂开设了乐歌课，通过陆续出版的音乐教科书籍，初步的音乐知识得到了广泛的普及。在此背景下，1907年公布的《奏定章程》，规定音乐课为初级小学的必修课。因此，李叔同曾推崇沈心工为“吾国乐界开幕第一人”②。另一位上海人曾志忞也为中国近代西洋音乐的传播做出巨大贡献。曾志忞是上海著名商人曾铸之子，1901年去日本留学。在日本他参加了沈心工发起的“音乐讲习会”。并在《新民丛报》上发表了《音乐教育论》，这是我国最早系统阐述近代音乐教育问题的论文。1907年归国他即与高砚耘、冯亚雄等人在上海创办“夏季音乐讲习会”。这是一个利用暑期传授西洋音乐的组织，其科目有乐典、和声学、风琴、洋琴、洋弦、喇叭、直笛、横笛、大鼓、小鼓等。1908年曾志忞遵照父命创办“上海贫儿院”，院中设音乐部，并成立贫儿院管弦乐队，这是中国近代第一个西式管弦乐队。虽然1912年音乐部就停办了，贫儿院也约于1921年左右结束③，但却成为中国人创办西式管弦乐队的最初尝试。可以说中国新式音乐教育是从上海发端，并逐渐普及到全国。二、租界的音乐生活与近代中国音乐人才的培育由于近代中国音乐形成的主要动力和内容是西洋音乐理念、技巧的输入和传播以及根据西洋音乐对中国传统音乐的改造，因此海外留学生成为中国近代音乐形成的最早先驱者。但是新音乐的普及和建立却依然要依靠在中国本土形成固定的消费、欣赏市场以及在此基础上不断涌现的本土音乐家。上海由于其在近代中国的独特的历史机缘和文化传统，最早形成了较广泛的近代音乐的消费市场并涌现了大量的音乐人才，为近代中国音乐的形成提供了良好的酝酿场所。而追根溯源，又与上海租界尤其是公共租界工部局乐队有密切关系。1.租界的音乐生活与上海近代音乐消费市场的培育根据《南京条约》的相关规定，1843年上海开埠成为通商口岸，当时在上海县城之外划定了一块外国商人的居留地，这成为上海租界的起源。后来，租界不断扩张，并成立了自己的市政机构，逐渐发展成了一块在中国领土上的“国中之国”，成为外国列强侵略中国的最好见证。但是，它也带来了一些副产品——为中国大众亲身领略西洋音乐的魅力提供了场所。租界里的外国商人为了丰富自己的业余生活，逐渐形成了一些文化娱乐组织。早在1850年英国人就成立了业余剧团，演出需要音乐伴奏，于是组织了乐队。1879年逐渐发展成上海公共乐队。1881年公共乐队由英租界市政管理机构工部局接手管理，并成立工部局音乐委员会。1907年，铜管乐队扩大为管弦乐队。1919年以后乐队聘请意大利著名音乐家梅百器担任指挥，并从欧洲招聘了很多著名音乐家，迎来了它的辉煌时期，并逐渐迎来了“东方第一”管弦乐队的美誉。1922年公共乐队改名上海工部局乐团。当时工部局每年给乐队28万两的高额预算拨款。每年从10月到翌年5月为演出季节，每周的星期天都举行定期音乐会①。起初乐队主要在市政厅的音乐厅内演出，主要局限于外国观众。但是据英国学者毕可思的研究，1928年以来，上海工部局乐队逐渐注重为中国居民服务。乐队指挥的“年报”中越来越多地注意到有中国观众的出席。并开始在中文报纸上刊登演出广告。“1928年，3／4的观众是中国人，据报道，1930年中国人的兴趣甚高。1931年乐队在室内演出时，20％的观众是中国人，此后这个比例稳定上升。”以至于到1933年，在上海工部局管弦乐与吹奏乐委员会上，有人指出中国纳税人希望工部局继续资助乐队，因为它在城市中有很高的文化价值。并且，1928年后开始有中国人被吸纳进入工部局的音乐委员会②。1930年前，上海工部局乐队一直工部局行政大楼里面演奏室内音乐会。1929年，这幢大楼卖给了开发商，上海工部局乐队搬进了上海商业和公共空间——大光明电影院，后来又搬迁到兰心大戏院。“在市政厅，上海工部局乐队似乎仅仅是工部局的一个文化附属品，只为外侨社群服务。而在整个上海娱乐界，管弦乐队成了这个城市越来越重要的文化财富。”③同时乐队的演奏也从室内走向露天，在夏天，乐队会举行露天音乐会，在兆丰公园（现中山公园）、法国公园（现复兴公园）、外滩公园（现黄浦公园）等舞台上演奏④。1928年后，随着中国人可以进入公共租界的公共娱乐场所，中国观众观赏西洋音乐的机会无疑更多了。通过以上叙述，可以看出，虽然租界的音乐生活开始只局限于外侨社群，但是随着形势的发展，中国观众逐渐增多，可以说逐渐在中国人形成了一批西洋音乐的消费群。这个消费群的形成和扩大，无疑为中国音乐人才的成长提供了良好的基础和氛围。2.工部局乐队对国立音乐院的影响对于中国近代音乐的发展来说，创建中国人自己的音乐学府，作为研究和培养人才的机构，无疑是重要的举措。中国第一所高级音乐研究和教育机构本来创建于北京。1916年秋，北京大学成立学生社团“北京大学音乐团”，同年冬，改名“北京大学音乐会”。1918年改名“北京大学乐理研究会”。1922年以“乐理研究会”为基础成立北京大学附属音乐传习所，成为中国第一个近代音乐专业教育机构。随后，北京女子高等师范学校、北京艺术专科学校等高校纷纷设立音乐系、科，似乎预示着北京将成为中国近代音乐教育的中心。但是北洋政府统治下的北京并不是中国新音乐成长的良好土壤。1927年7月教育部长刘哲认为“音乐有碍教化，也与社会人心无关”，命令关闭北京大学、女子师范大学、艺术专科学校中所有音乐系科，经过师生抗争，结果只有女子师范大学的音乐系被保留下来。而不久在南方的上海则成立了中国第一所音乐专科学校——国立音乐院。国立音乐院的创办与萧友梅的努力是分不开的，他本来是北京音乐教育界的领导人，1927年6月南下上海。据谭抒真回忆，他辞去北京学校的音乐系工作，一方面他觉得教师水平低，又与自己的想法不合，另一方面因为上海人才多，还有外国音乐家，所以自己来上海了①。而许步曾更进一步认为国立音乐院之所以选址在上海，是由于上海工部局乐队的存在。1927年11月27日，中国第一所音乐学校国立音乐院（1929年改为上海音乐专科学校）在上海成立。国立音乐院的成长与工部局乐队的影响有密切的关系。首先，除归国留学生之外，国立音乐院长期从上海工部局乐队招聘老师和研究指导。初建时，10名音乐教师中，外国教师即占了一半，其中大部分是工部局乐队成员。1929年，鲍里斯·扎哈罗夫成为钢琴系主任，而长期担任乐队指挥的富华则一直是小提琴系主任。此外还有大提琴家佘甫蹉夫、难民音乐家如佛莱思克尔、沃尔持·约雅敬等也在此任教。这些外籍教师对国立音乐院教学的贡献是巨大的。比如，扎哈罗夫直到1943年去世为止，一直在上海教钢琴。以至于有学者说，在中国的第一代钢琴家、音乐家中几乎没有一人未曾跟他学过钢琴。其次，乐队和音乐院虽然没有组织上的联系，但是两者有很密切的合作。乐队给音乐院的学生提供优惠票，和中国爱乐社合作演出音乐会，并且开始逐渐演奏中国音乐家的作品，吸收中国演奏员。1929年，乐队首次与中国独奏音乐家马思聪举行音乐会。1930年首次演奏中国人创作的交响乐作品——黄自的单乐章序曲《怀旧》。1931年上海音专的教师黄自当选为工部局音乐会员会委员。1927年工部局乐队让中国音乐家谭抒真代替休假的队员参加演出。1935年5位中国人首次作为实习生参加工部局乐队的演出。此后，国立音乐专科学校学生在上海工部局乐队表演越来越频繁② 。在这期间（1934-1942），中国人继续进入乐队。1938年，谭抒真、黄贻钧、陈又新和徐威麟等4人正式成为上海工部局乐队的成员。到1941年乐队中华人达到5人③。中国独（唱）奏音乐家的演出也频繁起来，如钢琴家沈雅琴、李惟宁、吴乐懿,小提琴家王人艺,歌唱家黄友葵、胡然、赵梅伯、斯义桂等相继在1930年代与工部局乐队合作演出④。应尚能在1937年就指出：“对于上海年轻一代有抱负的音乐家来说，能与该乐队演奏或歌唱乃是他们最大的成功。”⑤正如他所说的，演出并不一定总是能带来经济效益，但它们提供了聆听、观摩和演奏的机会，这是中国其它地方所不能提供的。工部局乐队不但具有历史的功绩，就机构而言，它也是今天上海交响乐团的前身。3.音乐大师的聚集与中国音乐人才的培育。上海由于其独特的历史机缘，成为近代中国国际音乐大师聚集之地，这为中国近代音乐人才的培育提供了难得的良机。首先，工部局乐队给中国带来了像柏克、梅百器、富华这样的音乐大师，如果没有乐队他们根本不会居住在这个国家。此外，上海的国际地位使它成为难民的避难所。俄国十月革命后，大量俄国音乐家流亡上海。二战爆发后，众多犹太音乐家流亡上海。他们或者担任管弦乐队成员，或者成为私人音乐教师，或者成为国立音乐院的教员，或三者兼而有之。例如，1924年之后俄侨设立的私人音乐学校就有18所之多⑥。这为中国学生提供了从学这些大师的机会，虽然很多人并没有成为国立音乐院的教师，但是普遍存在的家教，则提供了可能。比如，从1943年直到l946年逝世，梅百器亲自教博聪，富华指导后来出任音乐院院长的戴粹伦，沃尔特·约雅敬教授司徒志文，佛莱思克尔教授丁善德、桑桐、瞿希贤等。上海良好的音乐氛围和高水平乐队的存在，也吸引了大量著名音乐家在全球巡回演出中把上海作为一站。从20年代到30年代，世界著名音乐家相继访问上海，如小提琴家F·克莱斯勒、约瑟夫·西盖蒂、雅沙·海菲茨和丁·蒂博，钢琴家阿图尔·鲁宾斯坦、B·莫伊耶维奇等①。国际音乐家到上海的演出，无疑开拓了中国音乐家的视野。比如据记载，黎锦晖在上海听交响音乐如同“上课”一样，事前必将登载在《申报》上工部局乐队的当天音乐会节目说明认真读过，然后前往。自1920至1929年他每礼拜五去听，风雨无阻，8年无间断。对于当时来华的歌舞剧团的演出，如：米兰来的歌剧班演出的正歌剧和轻歌剧，“向·旦尼斯（Danis-Shawn）舞蹈团”演出的大型舞剧和各式舞蹈，上海俄侨演出的歌舞剧，以及从欧美、日本来华的邓肯舞蹈团、宝冢歌舞团等的演出，他更是千方百计找机会观摩，既使观摩券“每券售大洋十元，不易筹措”，也在所不惜②。大量音乐大师聚集上海，为中国音乐家提供了亲身从教的机会，而著名音乐家的巡回演出则为中国音乐家提供观摩的可能，这些对于中国音乐家的迅速成长和提高技艺无疑是难得的良机，非当时中国其他城市所能企及。三、都市消费生活与通俗音乐的滋生流行音乐的先祖是发源于美国的爵士乐和摇滚乐。20世纪流行音乐在全球迅猛发展，到今日已成为全球音乐文化的一个组成部分。中国的近代音乐也不尽是西方高雅音乐在中国的传播和生根的过程，还包括中国近代通俗音乐的产生。在这个过程中，上海不仅是近代中国高雅音乐的摇篮，更是近代通俗音乐的发祥地。音乐史研究者虽然对流行音乐的研究还不多，分期也并不完全一致，但是普遍承认上世纪80年代的流行歌曲与20年代至40年代的流行歌曲有密切的联系。当时黎锦晖以“时代曲”之名创作于20年代末上海的《毛毛雨》、《特别快车》等一批迎合市民口味的歌曲，标志了20世纪中国流行音乐的产生。在该阶段产生了以黎锦晖及其“明月歌舞团”为代表的中国第一代流行音乐作曲家和歌星。因此，研究者称这个流行音乐的第一阶段为“黎锦晖时代”③。而所谓“黎锦晖时代”其实亦可以称为“上海时代”，因为黎锦晖的整个活动主要是在上海，流行音乐的繁荣与上海的城市特点有密切关系，只有上海才能孕育第一个流行音乐的繁荣。那么为什么会是上海孕育出近代的中国流行音乐呢？这要从上海这座城市的独特历史和文化个性寻找原因。有学者指出，20世纪流行音乐的迅猛发展是20世纪社会历史文化背景、现代科技的发展、商业炒作和现代人的心理需求等多种因素综合作用的结果④。这些正好在上海有很好的土壤。首先,由于上海特殊的历史机缘和文化传统，使它在选择及接受外来文化上有非常积极和开放的态度，这种文化传统被称为“海派文化”。“海派文化”具有开放、灵活、多样、宽容等特点⑤，这为上海接受、容纳通俗音乐这种新形式提供了文化心理上的基础。此外，都会的经济繁荣，促进了都市大众文化生活的兴盛，也为流行音乐提供和扩大了流行空间。当时的上海无疑是中国近代娱乐业最为兴盛的城市，繁多的饭店、酒吧、咖啡馆、夜总会等服务业及娱乐场所,为流行音乐的发展提供了生存空间。其次,商业炒作和现代传媒的出现大大加速了流行音乐的传播速度。上海是一座商业城市，任何文化形式都避免不了商业的熏染。同时，上海又是当时中国最现代化的城市，很多现代化的娱乐消费形式只有上海才最为普及，比如电影、唱片、电台等。上世纪30年代的上海，既是全国的唱片业中心，也是无线电广播的中心，又是电影业中心。这三者的交互作用，使通俗音乐广为传播。唱片和留声机于20世纪初叶传入上海，至30年代，上海逐渐发展为中国唱片业的中心，拥有国内数量最多和实力最强的唱片企业，生产大量内容丰富的唱片。唱片开始还只是印制中国传统戏曲为主。但到了30年代，新兴的流行歌曲被市民阶层所喜爱，很快成为唱片录制的重要内容。1928年，黎锦晖创作、黎明晖演唱的《毛毛雨》由百代公司录制成唱片，在社会上迅速传播。一些著名的歌星由此诞生。一些实力雄厚的大企业争相为明星灌录唱片，从此录制流行歌曲唱片成为各公司的重头戏。比如，百代公司曾推出“明星锦集”，为红极一时的电影女明星们录制流行歌曲唱片，有胡蝶、陈玉梅、黎明晖、王人美、李丽莲、夏佩珍、胡珊、谈瑛、陈燕燕、黎莉莉、严月娴等。为了争取歌星们录音，各公司专为她们“量身定做”歌曲，并不惜给予优厚的报酬，如百代公司曾给予周璇6%的版税。有些年纪尚轻的女歌星一个月的收入可达20至30元，令世人羡慕。三四十年代，各公司录制了大量的流行歌曲唱片。根据中国唱片厂1964年登记的旧唱片模板目录统计，在百代、丽歌、和声、高亭、胜利等公司灌制的流行歌曲唱片中，以周璇演唱的最多，为150余张，白虹有125张，姚莉有117张，龚秋霞有67张，王人美有62张，另有白光、李丽华、李丽莲、李香兰、欧阳飞莺、吴莺音、张露、黎莉莉、严华、梅熹等录制的唱片①。唱片业之外，广播事业也扩大了通俗音乐的传播渠道，为其开拓了一个全新的市场。广播电台的兴盛使收音机在中产阶级市民中逐渐普及，越来越多的人开始从收音机里欣赏通俗音乐。上世纪30年代，上海电影业、特别是有声电影的发展更促进了流行音乐的繁荣。1931年中国第一部国产有声影片《歌女红牡丹》在上海首映，国产故事片在30年代的兴盛由此拉开序幕。电影需要配乐、插曲，这为流行音乐提供了新的创作和表演的市场。而电影的魅力更使穿插于其中的主题曲、插曲不胫而走、深入人心。本来流行歌曲主要以歌舞厅、酒吧、夜总会等为表演空间，有声电影则为歌星拓展了新的发展空间。一些原本以演唱流行歌曲、进行歌舞表演为主的歌舞团、歌唱社成员进入了电影界。如一直在黎锦晖的中华歌舞团和明月歌舞社从事表演的王人美和黎莉莉，就成为30年代联华影业公司“四大名旦”中的两位；周璇在进入电影界以前，先后辗转于明月歌舞社、新月歌剧社、新华歌剧社，早已是红极一时的名歌星。其他如白虹、白光、龚秋霞等，也都是在当红歌星的位置上走进银幕。歌星们从影后，继续维持歌唱生涯，而且往往演唱所主演影片的插曲，歌曲借电影而传播，电影亦因歌曲的流行而更加火爆。这种情况使一些原本并非歌星出身的电影明星也纷纷地开始灌录唱片，如胡蝶、陈燕燕、陈玉梅、李丽莲、夏佩珍、胡珊、谈瑛、严月娴等②。无论是电影明星出唱片，还是歌星拍电影，结果往往是其拍摄的影片与灌录的唱片同样受到崇拜者的热爱。电影这种新兴娱乐工具对通俗音乐的推动作用是巨大的。正如汪毓和所说，“从20年代末开始，中国城市歌舞音乐与中国电影音乐，特别是电影歌曲的发展合为一体，成为中国娱乐性通俗音乐的主体”③。足见当时电影对于通俗音乐的促进作用。总之，由于上海浓厚的商业氛围，具备较完善的市场运作机制，并受到唱片公司、无线电台、有声电影等新型娱乐媒体的强力支撑，流行歌曲发展的势头极为迅猛，形成了近代中国通俗音乐的第一个浪潮。其三，市民阶层的庞大为通俗音乐的流行提供了土壤。流行音乐具有创作题材贴近现实生活、富于情趣化，格式简炼完整、演唱方式不拘一格，突出“自我感受”、演出方式强调群众性、强化交流等特点①，这些都符合现代都市市民阶层的审美需求。类似《毛毛雨》等“家庭爱情歌曲”大都表现男女情爱，歌词内容、旋律、风格深受市民阶层的喜爱。上海是当时中国最大的都市，有庞大的市民群体，这为以迎合现代都市生活口味的通俗音乐的流行提供了良好的土壤。其四，三四十年代的上海很多进步的或严肃的音乐家，在流行音乐的创作上，也采取了较为积极态度。除了当时有黎锦晖、黎锦光、姚敏、严华等极负盛名的流行乐坛作曲家外，还有任光谱写的《渔光曲》、《燕燕歌》，刘雪庵谱写的《早行乐》、《何日君再来》，贺绿汀谱写的《天涯歌女》、《四季歌》、《秋水伊人》等都是30年代上海曾传颂一时的经典性的流行音乐作品②。四、结语近代上海因为优越的地理位置和独特的历史机缘，由原来的一个小县城发展成中国最大的都市，也成为中国的经济、政治和文化中心之一。上海在中国近代文化形成中的地位重要，它不但成为西方文化向中国传播的窗口，也成为中国近代新文化酝酿形成的重镇。本文所述上海在近代中国音乐文化形成中的作用，只是上海对中国近代文化贡献的一个侧面。概括地说，上海由于其滨江带海的地理位置和华洋杂处的社会形态，形成了敢为天下先的文化传统，因此成为中国输入西洋音乐的最初舞台，并成为新式音乐教育的试验场；而由于外国租界的存在，尤其是工部局乐队的存在，为中国人直接体验和学习西洋音乐提供了宝贵的机会；大量市民阶层的存在，以及浓厚的商业氛围，现代化传媒的兴盛也酝酿滋生了中国第一代流行音乐。当然，随着抗日战争的开始，中国的音乐出现了新的内容，作为孤岛的上海虽然仍然保持了一段繁荣，但是由于脱离了民族的主战场，其音乐中心地位有所下降。至中华人民共和国建立，上海在音乐方面的影响又有所转折。这将成为另文考察的内容。

西方音乐发展史及其代表人物- ---------流行音乐-------：爵士乐一、爵士乐的起源 爵士乐(Jazz)以其极具动感的切分节奏、个性十足的爵士音阶和不失章法的即兴演奏（或演唱）赢得了广大听众的喜爱，同时也得到了音乐领域各界人士的认可。它以布鲁斯和拉格泰姆为源头，经过整整一个世纪的发展，如今已是异彩纷呈、百花齐放。自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的发展潜力。20世纪初的新奥尔良爵士乐 、30 年代大乐队演奏的摇摆乐、40年代的比博普爵士、40 年代末的冷爵士、50年代的硬博普、60 年代的自由爵士、70 年代以后的摇滚爵士，而后拉丁爵士、融合爵士、爵士放克...... 一张张不同风格的爵士唱片汇成了一部爵士乐发展史。1、爵士乐的来源 --布鲁斯和拉格泰姆布鲁斯（Blues）布鲁斯是南北战争后，黑人民间产生的一种演唱形式......拉格泰姆（Ragtime）拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束......2、 爵士乐的发源地新奥尔良（New Orleans）爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良......二 、早期爵士乐（19世纪末～20世纪30年代中期）1、新奥尔良爵士乐一般认为，新奥尔良爵士乐出现在19世纪90年代。但是历史上的第一张爵士唱片问世于1917年，是由"正宗迪克西兰爵士乐队"（Original DixielandJazz Band）在新奥尔良录制的......2、芝加哥爵士乐三、摇摆乐20世纪30年代，一种由大乐队（Big Band）演奏的带有黑人风格，并极具舞蹈性的爵士乐--摇摆乐（Swing，例7）开始在纽约发展起来......四、 比博普......比博普的旋律很不连贯，有时却又连续不断地往外迸射；节奏是支离破碎的；拍子是含蓄的；和声变化频繁，而且十分复杂（例8）。推动这种风格的爵士音乐家主要是查理·帕克和迪齐·吉列期匹......五、冷爵士和硬博普1、冷爵士（Cool Jazz）20世纪40年代末，作为对比博普的反应，出现了一种全新的、柔美的、更温馨、更舒缓放松的爵士乐风格，这就是所谓的"冷爵士"......2、硬博普（Hard Bop）......硬博普于50年代末在纽约黑人乐师中兴起，以同冷爵士相对抗。他们不满于冷爵士那种深受古典音乐影响的风格，力图复兴比博普......六、自由爵士20世纪60年代，爵士乐创作飞速发展，创作者想尽一切办法来进行创新。他们打破了一切传统的创作规律......七、现代爵士乐从爵士乐经历的大半个世纪的发展和演变中，不管是音乐家还是听众，在艺术趣味和知识水准上都达到了一个比较高的层次。单纯的爵士乐已经难以满足他们的口味了，因此，他们开始将爵士乐进行新的组合，以致出现了一种爵士乐杂交文化......摇滚爵士（Jazz－Rock）拉丁爵士（Latin Jazz）波萨诺瓦（Bossa Nova）融合爵士（Fusion Jazz）酸爵士（Acid Jazz）乡村音乐一、乡村音乐的诞生乡村音乐（Country Music）出现于20世纪20年代，它来源于美国南方农业地区的民间音乐......二、西部摇摆......来自德克萨斯的鲍勃·韦尔斯（Bob Wills）在乡村音乐中融入了大量的西部牛仔歌曲（一种来自乡间的浪漫情歌）和摇摆乐的成分，创造了一种类似"大乐队"阵容的西部摇摆（Westen Swing）风格。三、 蓝草音乐20世纪40年代，在肯塔基州的山区还出现了乡村音乐的另一个分支，叫蓝草音乐（Bluegrass Music）......四 、纳什维尔之声20世纪50年代，纳什维尔成了乡村音乐的集中营，著名的乡村音乐家大部分都来自这里。因此?quot;纳什维尔之声"（Nashville Sound）也成了乡村音乐的代名词...五、乡村音乐的叛逆时代......到了70年代，乡村音乐已经显得老态龙钟了，因此一场"叛逆运动"改变了乡村音乐的传统模式......六 、乡村歌手约翰·丹佛（John Denver）肯尼·罗杰斯（Kenny Rogers）乔治·斯雀特（George strait）文斯·基尔（Vince Gill）加思·布鲁克斯（Garth Brooks）仙妮亚·唐恩（Shania Twain）摇滚乐一 、摇滚乐的产生1、背景2、摇滚乐的出现3、摇滚乐的来源节奏布鲁斯（Rhythm＆Blues）叮砰巷歌曲（Tin Pan Alley）乡村音乐二、早期摇滚乐50年代中期到60年代初期，摇滚乐从一个刚学会走路的幼儿迅速的成长起来，在这期间，摇滚乐舞台显现出了一片繁荣盛景。首先是两位先行者为摇滚乐的概念作出了更加完整的定位，接着又在众位摇滚明星的拥护下使其呈现出了三种不同的风格倾向。1、比尔·哈利（Bill Haley ，1925 ～1981）2、埃尔维斯·普莱斯利（Elvis Presley，1935～1977）3、三种风格倾向主流摇滚（Main Stream Rock）温和摇滚（Soft Rock）山区摇滚（Rockabilly）4、冲浪音乐(Surfing Music)三、"披头士"与英国摇滚乐1、"披头士"的发展历程就像50年代的摇滚乐以普莱斯利为代表一样，60年代推动和支配摇滚乐坛的主要代表是"披头士"。不仅如此，"披头士"也是至今为止世界上最成功的摇滚乐队......2．"披头士"的创作手法3、"滚石"和其他乐队四、民谣摇滚1、 背景2、 鲍勃·迪伦（Bob Dylan）3、 其他民谣摇滚五、迷幻摇滚1、"旧金山声音"2、旧金山乐队3、旧金山以外地区吉姆·莫里森（Jim Morrison）和"门"（the Doors）乐队吉米·享德里克斯（Jimi Hendrix）六、艺术摇滚艺术摇滚（Art Rock）于60年代末兴起于英国。其特征为：结构庞大，和声语言较为复杂，常借用古典音乐中的主题作为素材，并注重音乐的逻辑性和音乐素材的简炼、统一 ......"平克·弗洛依德"（Pink Floyd）七、温和摇滚和乡村摇滚1、温和摇滚（Soft Rock）2、乡村摇滚（Country Rock）"老鹰"（The Eagles）乐队八、重金属1、 重金属（Heavy Metal）"莱德·泽普林"（Led Zeppelin）乐队"黑色安息日"（Black Sabbath）乐队"枪炮与玫瑰"（Guns N' Roses）乐队"范·海伦"（Van Halen）乐队"邦·乔维"（Bon Jovi）乐队"戴夫·莱帕德"（Def Leppard）乐队"AC/DC"乐队"金属"（Metallica）乐队2、华丽摇滚（glitter rock或glam rock）与重金属有关的还有硬摇滚的另一个分支"华丽摇滚"。它的特点主要不是在音乐上，而是在演员的化装、服饰和舞台上的戏剧行为。这方面的领头人是戴维·鲍伊（David Bowie）。他经常被人比作"变色龙"......九、朋克运动1、朋克（Punk）朋克运动的兴起和影响主要在英国，它与西方，特别是英国社会日益蓑落有着直接的联系......2、新浪潮（New Wave）3、垃圾乐（Grunge，又译"格伦吉" ）垃圾乐，20世纪90年代初兴起于美国的西雅图，也称"西雅图之声"（SeattleSound）......"涅盘"（Nirvana）乐队十、另类摇滚......在这里，我们所要介绍的另类摇滚（Alternative Rock）主要是指从1983至1984年，新浪潮音乐开始逐渐衰退后出现的各种后朋克摇滚，这种潮流一直持续到1995年，直到另类摇滚成为摇滚乐的主流。1、 美国另类摇滚2、英国另类摇滚3、其他另类摇滚90年代以后，女性摇滚歌手开始引起人们的关注。其中像辛妮·欧康娜、比约克、"酸草莓"乐队等一些非英美国家的歌手及乐队也在欧美乐坛取得了极大的成功......索尔音乐一、概 述什么是索尔（Soul，又译"灵魂乐"）音乐？一些著名的索尔音乐家是这样认识的......二、福音歌19世纪末，伴随着五旬节派教会（基督教派别之一，主要由社会低层人士组成）的兴起，福音歌（Gospel）也随之诞生了。它与拉格泰姆、爵士乐差不多同时出现，不同的是它来自黑人教堂礼拜仪式，是礼拜仪式的组成部分，但也通过音乐会、广播和唱片等途径传播。......三、索尔歌手1948年起，在大西洋唱片公司（Atlantic）的推动下，逐渐出现了很多索尔歌曲和歌手，到60年代末，索尔已成为流行音乐中的一个重要品种......阿撒·富兰克林（Aretha Franklin）詹姆斯·布朗（James Brown）四、摩城音乐五、其他索尔音乐70年代，索尔音乐继续得到发展，它像70年代整个流行音乐一样，也呈现出了复杂多样的局面。除了前面已提到的歌手、团体以及后面将会提到的迈尔克·杰克逊之外，还?quot;斯莱和斯通一家"的"迷幻索尔"；"大地、风和火"继续摩城风格但变得更复杂些的索尔音乐以及英国逐渐兴起的"蓝眼睛索尔"（Blue-Eyed soul）。......世界音乐世界音乐（World music）有时又称民族流行音乐（Ethno pop）。广义的世界音乐可以泛指世界上所有的民族音乐。但是在这里我们所要介绍的世界音乐主要是指第二次世界大战结束以来，以美国流行音乐为主体的，同时融合了来自世界各国的民族音乐元素的一种新音乐形式。二战结束以来，美国流行音乐占据了整个世界。布鲁斯、爵士乐、摇滚乐、索尔音乐和其他更多的形式充斥全球的每个角落，对各国流行乐坛带来巨大的冲击。其实，所有的这?quot;美国"形式，实际上都是非洲血统的基因转移，是贩奴时代流传到北美的节拍。当这些节奏稍略加工以后以新的形式回到他们的故乡时，又影响了曾经孕育他们的文化并诞生了令人兴奋的混血品种--世界音乐。80年代世界音乐对西方流行音乐的发展带来了极大的影响。有趣的是这种影响却是一种循环关系：非洲的黑人文化作为流行音乐的源泉使其迅速发展这是有目共睹的，然而当这种美国形式的流行音乐回到非洲时又促使了世界音乐的诞生。80年代，当世界音乐的影响逐渐扩大，世界各地（特别是亚非地区）的音乐家便通过各种先进手段充分体现了更加前卫的当代意识，从而又返回来促进了流行音乐的发展。因此，我们可以明显地看到世界音乐并不是孤立存在的，它是一种流行音乐、民族音乐甚至传统音乐相结晶的混合体。一、雷盖音乐1、概述雷盖音乐（Reggae，港台地区又译"雷鬼音乐"），60年代中期起源于牙买加，速度中等，强调反拍的重音是它的明显特征。......2、鲍勃·马利（Bob Marley，1945-1981）3、其他雷盖乐队70年代后期，当雷盖音乐在欧美找到了广阔的市场后，众多音乐家开始纷纷效仿。其中以英国的"UB40"乐队和"警?quot;乐队最为知名。......二、拉丁音乐本节所谓的拉丁音乐（Latin music）指的是从美国与墨西哥交界的格兰德河到最南端的合恩角之间的拉丁美洲地区的流行音乐。拉丁美洲是一个多民族的组合，因此拉丁音乐是以多种音乐的融合而形成的一种多元化的混合型音乐。无论是欧洲的白人音乐、非洲的黑人音乐还是美洲的印第安音乐，甚至是东方的亚洲音乐，都对拉丁音乐作出过不同的贡献。它们经过长期的沉淀，在以欧洲文化为主体的基础上，同时又大量的吸取了印第安文化和非洲黑人文化的各种因素，逐渐形成了一种多姿多彩的、充满活力的、充满动感的拉丁文化。那么，在拉丁美洲的众喙�抑校�园臀骱凸虐臀�椎睦�∫衾郑��亲咴谑澜缌餍幸衾值那傲小?1、 拉丁音乐的来源及发展（1）印第安文化（2）欧洲（伊比利亚）文化（3）非洲黑人文化2、 拉丁节奏从拉丁音乐的来源中我们可以明显看到，拉丁音乐是一种以节奏为中心的流行音乐。它的节奏所具有的不仅仅是简单的强弱规律，而是作为一种音乐的灵魂使其上升到主导地位。因此，在了解拉丁音乐的过程中，首先需要了解的就是它的节奏。下面着重介绍几种具有代表性的拉丁节奏及风格。（1） 桑巴（Samba）（2）伦巴（Rumba；Ruhmba）（3）曼波（Mambo）（4）萨尔萨（Salsa）（5）恰恰 （Cha Cha）（6）探戈（Tango）以上介绍的六种风格，加上在爵士乐中介绍过的波萨诺瓦，作为拉丁音乐的代表，在全球范围内引起了一股拉丁狂潮，但是除了这七种大众性的类别之外，还有以下几种风格也都是极具个性的拉丁音乐，如波莱罗（Bolero）、瓜拉喳（Guaracha）、哈巴涅拉、崧（Son）、瓜希拉（Guajira）、坦桑（Danzon）等。这几种风格都来自于古巴，再加上前面的曼波、伦巴，因此古巴具有"拉丁节奏的宝库"之称。下面提供几种拉丁风格的乐队模式以供参考（例44）。3、桑塔纳（Santana）在60、70年代，有一位音乐家对拉丁音乐的传播及发展作出过巨大的贡献，他就是卡罗斯·桑塔纳（Carlos Santana）。......三、新时代音乐1、概 述80年代，当流行音乐呈现出复杂、多样的局面时：爵士乐各种流派重返舞台；摇滚乐各种风格丰富多采；索尔音乐更是冲破了各条防线不断扩散。这时出现了一种安静、温和的情绪音乐--新时代（New Age，又译"新世纪"）音乐。......2、"英格玛"（Enigma）"英格玛"（又译"谜"），一种通过西方流行音乐节奏表现出来的美国式圣歌。在这里，你可以感受到遥远而神秘的非洲部落，和神圣而庄严的宗教回声。很多人只是听到了神秘的声音，却极少了解"英格玛"背后的故事。那么，它到底是一种什么形式呢？......3、其他新时代音乐......恩雅（Enya）喜多郎（Kitaro）雅尼（Yani）其它流行音乐一、舞曲浪潮1、 迪斯科舞曲（disco）2、耗斯舞曲（House）3、流行舞曲（Dance Pop）二、说唱乐和嬉蹦乐1、说唱乐（Rap）说唱乐一词（有时又译"雷普"或"莱普"），原意为黑人俚语中相当于说话（talking）或交谈（chatting）的意思。作为一种流行音乐形式，它起源于70年代末纽约的贫困黑人住宅区，主要特点是以机械的节奏声为背景，快速地念诵一连串押韵的词句......2、 嬉蹦乐（Hip－Hop）嬉蹦乐，20世纪70年代末产生于美国纽约的一种街头文化，它涵盖了说唱乐、DJ的"刮擦"（Scratching）、"霹雳舞"（Break Dance）等各种活跃于街头的文化形式。......三、流行音乐明星这一节我们要介绍的这些歌手及乐队都是当今流行乐坛亨有盛名的国际大腕，每位歌手放在哪一章节都不尽合适。如埃里克·克莱普顿的布鲁斯血统，又在流行音乐中取得了巨大的成绩；埃尔顿·约翰的多元风格，"U2"的"新浪潮"、电子味以及各种元素的融合；迈克尔·杰克逊、玛丽亚·凯丽、惠特尼·休斯顿的索尔根基在流行音乐中的展现，等等。所有的一切说明的只是一个问题，流行音乐始终在不断地发展并且将源源不断。埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）埃尔顿·约翰（Elton John）迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）迈克尔·波顿（Michael Bolton）"U2" 乐队芭芭拉·史翠珊（Babra Streisand）惠特尼·休斯顿（Whitney Houston）麦当娜（Madonna）席琳·迪翁（Celine Dion）玛丽亚·凯丽（Mariah Carey）----------古典音乐--------:一. 早期 (1000-1600)二. 巴洛克时期(1600-1750)维瓦尔弟 (1678-1757) Italy亨德尔 (1685-1759) Germany/England巴赫 (1685-1750) Germany三. 古典时期 (1750-1830)巴赫 (1714-1788) Germany海顿 (1732-1809) Austria莫扎特 (1756-1791) Austria贝多芬 (1770-1827) Austria罗西尼 (1792-1868) Italy舒伯特 (1797-1828) Austria四. 早/中期浪漫派 (1830-1850)格林卡 (1804-1857) Russia柏辽兹 (1803-1869) France门德尔松 (1809-1847) Germany肖邦 (1810-1849) Polish舒曼 (1810-1856) Germany李斯特 (1811-1886) Hungary奥芬巴赫 (1819-1880) Germany/France五. 后期浪漫派 (1850-1930)威尔弟 (1813-1901) Italy斯美塔那 (1824-1884) Czech Republic小约翰.施特劳斯 (1825-1899) Austria勃拉姆斯 (1833-1897) Germany鲍罗丁 (1833-1887) Russia穆索尔斯基 (1839-1881) Russia里姆斯基-柯萨可夫 (1844-1908) Russia柴可夫斯基 (1840-1893) Russia格里格 (1843-1907) Norway埃尔加 (1857-1934) England普契尼 (1858-1924) Italy马勒 (1860-1911) Germany德彪西 (1862-1918) France理查施特劳斯 (1864-1949) Germany西贝柳斯 (1865-1957) Finland拉赫马尼诺夫 (1873-1943) Russia拉威尔 (1875-1937) France斯特拉文斯基 (1882-1971) Russia/France普罗柯菲耶夫 (1891-1953) Russia格什温 (1897-1937) USA柯普兰 (1900-1990) USA肖斯塔柯维奇 (1906-1975) Russia斯托克豪森 (1928) Germany

网易云音乐APP特点优势与发展建议毕业论文

紧张又充实的大学生活将要谢下帷幕，毕业生要通过最后的毕业论文，毕业论文是一种比较重要的检验学生学习成果的形式，那么你有了解过毕业论文吗？以下是我为大家收集的网易云音乐APP特点优势与发展建议毕业论文，希望对大家有所帮助。

摘要： 技术与互联网的进步，让智能手机与无线网络飞速发展，新时代下几乎人手一部智能手机，公共场所无线网络遍布，与此同时音乐爱好者对数字音乐的需求方式越来越高，移动手机音乐客户端应运而生，并不断改进创新给与用户友好的体验。网易云音乐作为音乐APP后起之秀，以音乐社交为依托飞速发展并迅速占领市场，2017年，网易云用户有3亿多，有超过4亿的歌单。研究音乐APP的发展模式时，网易云音乐的发展是值得探究与借鉴的。

关键词： 网易云音乐；音乐APP;数字音乐；发展模式；

1、网易云音乐APP特点优势

网易云音乐是网易公司旗下一款移动原生的音乐APP,于2013年4月正式发布，是国内市场最早提出“音乐社交”理念的音乐APP.较早提出“音乐社交”这一概念的是美国音乐流媒体软件公司Rdio的首席执行官DiewLamer,他认为音乐的本质是社交，而数字音乐的未来也将由社交体验的有效传递来推断。我认为音乐社交是指：以音乐产品为情感寄托，唤起用户内心感情的共鸣，达到用户享受音乐和用户间心灵与感情的交流的过程。网易云音乐APP自发布以来也很好的践行了“音乐社交”理念。网易云音乐有以下几个鲜明的特点优势。

网易云音乐从三个方面满足了用户的音乐与情感需求

一是极大的满足用户的视听享受，放松用户心情，网易云音乐人性化的视觉设计，大量的精准化推荐歌单让用户能轻易找到符合自己口味的音乐，另外还能订阅自己喜欢的电台，给自己轻松的心情。还有，网易云音乐按语种、风格、场景、情感和主题进行分类，对应用户不同爱好、不同场景下的听歌需求。二是给用户表达情绪，记录心情的空间，网易云音乐提供个人主页，遇到喜欢的音乐可以分享到自己的主页并且可以通过配图、评论等记录心情，也可以参与话题交流。三是能够分享交流，好友互荐，既可以分享给别人也可以对别人的分享评论点赞，丰富了“音乐社交”方式。

用户能够打造个性化的情感窗口

打造情感窗口主要通过“动态”和“评论”两大功能实现。音乐是一门艺术，很多人不能创作音乐但听到音乐是却能产生共鸣，并且会产生很多情感，而很多音乐APP没有给用户发泄情感的空间，其他用户则可以评论、点赞，这样用户在发表动态时就与其他用户形成了互动关系，在这个过程中还可能形成情感的共鸣。此外，用户间还可以通过发起互动话题等多种方式进行情感表达。从网易云用户行为大数据中可以看到，评论已成为用户听歌行为重要的一环，高质量的评论也是网易云音乐与其他音乐APP重要的区别，可以说是网易云音乐维持其社交生态的核心力量。

着力了解每一个用户，建立独特的大数据库

网易云音乐在用户日常听歌的时候会通过了解每一位用户的喜好来向用户推荐歌单歌曲，从而减少用户搜寻成本，增加用户在网易云音乐APP听歌的效用。不仅如此，网易云会记录每个用户特殊的音乐时刻，2018年1月初，每一个网易云用户都收到了一份属于自己的年度音乐报告，从报告中我们能够了解到自己2017年听歌的偏好。喜欢听什么类型的歌，哪一首歌听得最多也能回忆起一些特殊的时间，这一份年度报告让每一个用户了解了自己2017年的听歌之路，给用户留下了一份情怀。

差异化营销

网易云音乐上线时选择年轻人群体作为主要推广对象，年轻人群体一部分是学生，一部分是普通上班族。而网易云音乐的营销方式在两个群体间也有着差异。

在学生中，网易云音乐加强校园推广，从2014年开始，网易云音乐在各大学举办校园歌手大赛，通过有趣、创新的互动形式在大学生群体迅速。在推广上，还充分利用学生资源，以实习机会、聘书证明和现金等好处吸引学生担任校园大使，在校园中为大赛宣传。在吸引选手方面，除了常规的奖金外，获奖选手还能获得网易云音乐平台官方资源曝光机会、官方制作专辑的推广，与知名艺人导师一起学习合作，甚至有机会和唱片公司签约。

针对上班族，网易云也有多种营销活动。例如在地铁站设立“音乐加油站”展台，以“用音乐给上班族加油”为口号，提供100台装有网易云音乐APP的ipodtouch供过路人免费索取，并且不进行登记，但是要承诺在下班后送回指定地点。另外还有与Uber合作，用户邀请好友下载网易云音乐APP即可获得Uder打车软件抵用券。网易云的个性化、差异化营销方式吸引了众多媒体的关注与报道，也吸引了众多新用户。

网易云音乐APP凭借着独特的“音乐社交”理念和科学人性化的设计吸引并留住用户，差异化的营销策略不提高自身的影响力，创造了音乐APP市场的一个辉煌。

2、音乐APP发展建议及总结

音乐是一种艺术，它是创作人表现情感的方式，是聆听者感情满足的`途径，而音乐APP是服务于用户让有着更好的音乐享受环境。因此，我认为一个好的音乐APP必须满足两个条件，一是有歌听，二是听得舒服。另外，我认为音乐APP市场的竞争点不应该停留在歌曲版权上，应该是在听歌服务上。对于音乐APP市场的发展我总结了以下几点建议：

市场音乐版权竞争公平化、合理化

一个好的音乐APP首先得有歌给用户聆听，这是最基本也是最重要的要求。网易云曲库歌曲量没有优势，它是凭着优质的服务发展起来的，然而2017年当许多歌曲在网易云下架后，许多用户纷纷表示放弃网易云，重新接受酷狗、QQ音乐，所以歌曲才是APP生存的根本，情怀不能永远留住用户。各音乐APP一方面应该积极争取更多好听音乐的版权，另一方面应该发现好的音乐人，培养属于自已的优秀创作人，源源不断的好音乐才能推动音乐APP的可持续发展。尽管现在网易云能利用大数据算法合理避开曲库规模小的劣势，但在各大音乐APP仿照网易云发展“音乐社交”的时候，网易云未来的发展还是面临着很大的挑战。但我相信也认为，市场各音乐APP共享音乐版权，分摊成本，在服务与营销上竞争吸引用户才是音乐APP市场未来发展最合理的趋势。

音乐APP页面、功能设计合理化

音乐APP页面、功能设计是许多用户对这个APP的第一印象，所以页面简洁美观，操作友好科学是非常有必要的。在这方面网易云值得众多APP学习，尤其是没有广告。在我看来，APP弹出广告是一种强迫用户视觉的行为，是不尊重用户的表现，广告的出现只会越来越引起用户的反感。不仅如此，网易云音乐APP操作友好，UI设计美观，功能科学化设置，都是值得市场借鉴与学习的。在生活节奏加快的社会主义新时代，用户在宝贵的空闲时间里利用移动设备聆听音乐，是一件多么享受的事情，音乐APP要给用户带来愉悦或者将愉悦延续下去，就得好好在APP的基本面上下好功夫。

营造良好的“音乐社交”氛围

音乐是表达情感、交流情感的艺术方式，音乐APP有必要为用户提供表达和交流情感的空间。营造“音乐社交”氛围更能吸引满足客户，然而想要更久的留住用户，需要在“音乐社交”氛围上长期持久的营造。好的“音乐社交”氛围，不仅仅是浓郁的情感表达氛围，也要高质量的情感交流，低质量的“音乐社交”只是无病呻吟。高质量的“音乐氛围”包括走心的真情实感评论和认真专注的情感表达动态等等。各大音乐APP应该积极营造高质量的“音乐社交”氛围，尽管网易云在“音乐社交”上是国内的先行者，但却表现得非常好。网易云音乐的歌曲评论几乎每一条都是用户的真情实感的文字体现，一条条评论就好像一个个小故事，让用户在听歌的同时通过看评论与歌曲达到心灵与灵魂的融合。

差异化营销策略

通过差异化营销策略，音乐APP能够提高本身知名度吸引更多用户，还能回馈老用户提高留存率。差异化营销策略是一种针对不同用户群体的创意性、个性化的营销策略。各大音乐APP不仅仅是要进行差异化营销，而且要进行创意、走心和与众不同的高品质营销。

在技术条件不断发展的今天，各音乐APP的开发、创新条件都几乎趋同，当技术优势消失的时候，用心、人性化的服务和真诚的为用户创造良好的音乐环境的态度才是企业发展差别的根本所在。国内的音乐市场还有很大的提升空间，但在用户与音乐商的共同努力下，一个崭新的高品质音乐国度即将到来。

拓展阅读

网易云音乐app有何优势与不足？

优势

1.曲库质量

搜索、下载、欣赏高品质的音乐，是很多歌迷支持网易的一个重要因素，曲库的质量也不错，封面、歌词质量比较高，曲库内容比较优质，大部分喜欢听的歌都能找到，还能挖掘到很多宝藏歌曲和宝藏音乐人。

2.产品功能和产品体验

歌词/评论图片分享功能；基于歌曲个性化推荐功能；音乐周边商城等，能够较全面的满足大众的音乐需求。

3.社区氛围

网易云音乐是音乐播放器APP，也是氛围很好的音乐社区，很多用户都会在歌曲下面发表走心的音乐评论，近几年的地铁乐评专车、音乐歌单专机、毕业三部曲微电影系列等宣传，从情怀和互动出发，引起很多喜欢音乐的人的共鸣。

4.音乐推荐

云音乐的推荐功能不错，能够根据你听音乐的品位，帮你各种推荐各种你没听过的歌曲，对于很多热爱新事物但是懒得探索的年轻人来说，堪称懒人音乐神器了。

5.独立音乐人多

很多独立音乐人都会选择在网易云音乐发布单曲，同样的歌，你会发现云音乐的互动量高、互动质量也很高，乐迷的素质也比较好。

需要改进的

1、个别华语歌曲的版权没有，希望以后能争取到。

2、评论区虽然氛围很好，但非音乐相关的评论有点多，如能更多专注在音乐方面的评论会更好。

3、没有TV版，对于喜欢什么都在电视上操作的用户不太友好。

流行音乐的发展趋势研究论文

流行音乐自十九世纪后半页产生之日起就一直显示着蓬勃生机,虽产生较晚,但它和艺术音乐、民间音乐等音乐类型并行发展,成为当今社会主流音乐之一。下面是我为大家整理的流行音乐相关 毕业 论文，供大家参考。

[摘 要] 关于在音乐课堂中能否引入流行音乐，一直作为备受关注的话题争论不休。笔者认为，请流行音乐走进中学音乐课堂是利大于弊的。而音乐教师则肩负着引导学生正确学习、辨别、欣赏流行音乐的责任，真正使音乐在美育上的作用充分发挥出来，提高学生的审美能力，让学生享受到音乐给予的乐趣。

[关键词] 流行音乐 课堂 学习 辨别 引导

“老师，上课的时候能让我们听点流行音乐吗?”“老师，下节课教我们唱两首流行歌曲吧!”“老师……”作为一名中学音乐教师，近些年来，每当课前课后，总会有许多学生围着我提出这样的要求。看着孩子们那一双双渴望的眼神，我总会不期然地联想到这群孩子们在课堂上学习音乐课本的相关内容时那一副无精打采、恹恹欲睡的表情。学生对流行音乐的热和对传统音乐(教材所选音乐)的冷形成了鲜明的对比。这一现象值得我们深思。

《音乐课程标准》指出：音乐 教育 的目的绝不是要把学生培养成音乐家，而是通过多种途径引导学生走进音乐，积极参与各种音乐活动，在各种各样的活动中激发学生学习音乐的兴趣，使学生逐步养成鉴赏音乐的良好习惯和终生热爱并学习音乐的愿望。然而，一向被认为是课堂气氛活跃、轻松，培养学生道德情操的音乐课，却越来越没有了青春涌动的气息。原因到底出在哪儿呢?

翻开课本，我们可以发现，不论是哪个出版社的中学音乐教材，都秉持着以音乐知识为中心的思路，所选编的音乐作品大都为艺术歌曲或思想内涵较深的古典音乐，几乎没有涉及到通俗流行音乐。这就脱离了学生的生活实际和音乐情境感受。如果仅仅学习课本上的内容，很难提高学生的学习兴趣，容易使其产生枯燥甚至厌烦的情绪。这是与新课标中所提出的目标是背道而驰的。我认为，如果针对中学生的音乐审美心理特点，适当地将流行音乐引入课堂，不仅可以丰富音乐课堂的教学内容，而且有助于缩短师生之间的心理距离，使学生对音乐课更有兴趣，不断提高学习音乐的信心和音乐审美能力，享受到音乐艺术所给予的无限乐趣。

那么，如何在贯彻“音乐教育应当以 兴趣 爱好 为动力”这一新课程理念的前提下，将流行歌曲与音乐课堂教学相结合呢?

一、正确认识流行音乐

流行音乐是指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚并被广大群众所喜爱、广泛传唱或欣赏的流行一时的甚至流传后世的器乐曲和歌曲。这些乐曲和歌曲植根于大众生活的丰厚土壤之中，因此又有“大众音乐”之称。由于流行音乐的大多数载体都是以歌曲的形式出现，因此“流行歌曲”往往就成了“流行音乐”的代称。

二、正确选择流行音乐

流行歌曲发展迅速，曲目繁多，自然会出现良莠不齐的现象，但我们不能因此而全盘否定。在这百花齐放的音乐歌坛上，同样也出现了许多优秀的健康的脍炙人口的作品，若把它们一概挡在课堂之外，是一种不负责任的消极做法。音乐教师有必要把流行歌曲中好的作品引进课堂，担负起因势利导、提高学生的流行歌曲审美品位的责任，并力争把流行歌曲可能对中学生产生的负面影响降低到最低程度。与其让学生不假思索地“来者不拒”，不如大大方方地把流行歌曲引入课堂，把那些健康向上、适宜学生年龄和身心发展特点并具有一定艺术性的作品介绍给他们，使之对流行歌曲有一个更好的认识，能够辨识歌曲的优劣，同时提高他们的审美和判别能力，形成正确的审美观念。

三、正确学习流行音乐

学习流行歌曲要适合学生的演唱能力，对歌曲难度的选择要把握适度，选择音域不宽、音调不高、作品难度不大、容易演唱的歌曲更容易引起学生的共鸣;学习流行歌曲要注重艺术性和教育性，让学生从音乐中领悟艺术，从艺术中领悟音乐，培养学生正确的审美价值;学习流行音乐教学要体现审美，要充分考虑到歌曲音乐在立意、情境、曲调、配器、伴奏等方面是否能增强学生对音乐的感悟，陶冶学生的情操，从而在潜移默化的教学中培养学生的审美能力。

但是，流行音乐毕竟不是课堂教学的主流，不能真正取代民族音乐和西方古典音乐的地位，并且大多数歌曲在艺术性上是比较单薄的，经不起时间的推敲和考验。这就要求音乐教师把握好尺度，不能偏离音乐教学普及和提高学生音乐素质的基本要求。

把流行音乐引入课堂，让流行歌曲在课堂中响起，音乐教师负有不可推卸的引导责任。教师应做一个称职合格的音乐向导，引导学生选择积极健康的流行歌曲，同时注重提升学生的 文化 艺术素养，开阔视野，培养学生在茫茫乐海中练就一双“火眼金睛”，不断提升自己的音乐审美情趣，充分享受到美妙的音乐所带来的乐趣。

[参考文献]

1.(英)斯坦利萨迪 孟宪福译《剑桥插图音乐指南》(山东画报出版社)

2.陶 辛《流行音乐手册》(上海音乐出版社)

摘要：将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。音乐教师要正确指导学生欣赏和学唱流行歌曲。要发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学，不断增强学生学习音乐的兴趣;要有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲, 不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”;要注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重,突出教学重点。

关键词：流行音乐 音乐教学 选择性 健康元素

流行音乐具有歌词通俗易懂、曲调朗朗上口等优势。20世纪90年代中期以来，流行音乐受众迅速低龄化。现在的中学生可以说没有不喜欢流行音乐的，有的甚至到了痴迷的程度。面对这样的状况，作为一名中学的音乐教师，笔者认为，合理地将流行音乐带进中学音乐课堂，是中学音乐教育的迫切需要，也是中学音乐教学的必然趋势。客观来讲，有些流行歌曲的内容、格调不太适合中学生，会对他们的人生观产生消极的影响。我们将流行音乐引入课堂，目的正是在于加强对流行音乐的正确引导，帮助学生们仔细分析流行歌曲，引导他们在音乐教师的正确指导下有选择地欣赏和学唱流行歌曲。具体而言笔者有以下几点粗浅的见解。

一、发掘流行音乐中的古典元素，丰富音乐课堂教学

目前，中学音乐教育中普遍存在着这样一个现象：学生喜欢音乐，但是不喜欢音乐教材上面的音乐，而是特别钟爱那些耳熟能详的流行歌曲。其实现在很多的流行音乐都运用了古典音乐中的音乐主题，因此我们在给学生上课时，可以抓住这个特点，适当的引出与之相关的古典音乐供大家学习、鉴赏、提高。这样的教学形式应该比单纯的学习古典音乐效果要好。

例如：在一次音乐课中，笔者向学生教授“音乐作品的个人风格”，教材列出的内容是莫扎特和他的《第四十交响曲》。笔者刚介绍完作曲家，准备让同学们先完整试听音乐时，教室里面立刻传来一阵阵“唉···唉···”、“真没劲···” 的声音。于是笔者灵机一动说：“同学们，今天我们学习的音乐里面的音乐主题是大家都很熟悉的。因为在大家都非常熟悉的流行音乐里面运用了这首作品的音乐主题。这首流行音乐到底是什么呢?为了让大家更清楚这首音乐的出处，请你们跟随老师的思路。首先听老师试唱音乐主题一。”当我还没有唱完音乐主题一时，底下已叽叽喳喳地讨论开来。

学生们有说是SHE的《不想长大》的音乐，有说是韩剧《My girl》的插曲，气氛十分热烈。我充分把握住学生们情绪热烈、精神兴奋的有利时机，趁势引入莫扎特的《第四十交响曲》，让学生们用对比的 方法 分析、比较了作品与流行音乐的异同。同学们积极思考、讨论热烈，得出“莫扎特的作品与那两首流行音乐虽然旋律相同，但在情绪上有很明显的差别”的结论并具体分析。一节课就这样在很愉悦很融洽的气氛中结束了，很好地达到了教学目的，更重要的是拉近了学生和音乐老师之间的距离，增强了学生们学习音乐的浓厚兴趣，进一步调动了学生们上音乐课的积极性。

二、有选择性地让学生欣赏并学唱流行歌曲

当前，我们的音乐教科书特别是初中的教材里已经开始出现一些流行音乐。但教材里的音乐经过编写、定稿、出版再发到学生的手中需要一定的时间，而且教材不可能年年都在重新改编，因此教材里的流行音乐有些滞后甚至是落后，学生们普遍觉得书中的音乐不太符合现在的时代特点，于是便出现了学生喜欢 唱歌 而不喜欢音乐课中的歌曲的尴尬场面。但必须认清一点，流行的不一定都是好的。

流行音乐的发展良莠不齐，并不是所有的流行音乐和歌曲都适合学生、适合音乐教学。笔者所在学校每年的文艺汇演、卡拉OK或生命教育展示周的节目筛选时，很多学生首选都是像《死了都要爱》、《爱情买卖》这样的情爱歌曲。可见，音乐教师在课堂上引入流行音乐的一个重要职责，就是要选择一些和时代相结合的音乐并配合音乐教材中的音乐供学生欣赏或学唱，如北京奥运会前群星演唱的《北京欢迎你》，5·12汶川大地震后成龙演唱的《生死不离》等等。还有一些有利于学生身心健康发展的歌曲，比如臧天朔的《朋友》，孙楠的《红旗飘飘》，陈红的《常回家看看》，欧阳菲菲的《感恩的心》等等，不断增加音乐教学的“流行元素”、“健康元素”。

总之，在音乐教学中积极引入流行音乐是适应教学相长的有效 措施 ，同时要注意对流行音乐、歌曲的“健康选择”，避免让学生不辨善恶的听，要“取其精华，去其糟粕”，只要是健康的、积极向上的流行音乐和歌曲，就可以让学生接触、了解和学习。学生们在音乐教师的引导下有选择的去欣赏、去学唱流行音乐和流行歌曲，要比回避或强行制止的效果好的多。

三、注意把握流行音乐与传统经典音乐的比重

将流行音乐引入音乐教学只是手段而不是目的。笔者从事音乐教学时，除了用流行音乐来带古典音乐和有选择性的加入流行音乐在课堂中进行欣赏和学唱外，每节音乐课还会留出一点时间让学生听听教师为他们选择、准备的流行音乐，极大的提高了学生学习音乐的兴趣，同时也有效地规范了音乐课堂的纪律。

但是要注意的是，在留时间给学生欣赏流行音乐和歌曲时，一定要注意时间的把握。不要让学生听流行音乐的时间多过了我们上音乐课的时间，这样的教学就没有任何意义了。要清楚，我们将流行音乐带进音乐课堂是为了让学生更好、更多的学习和了解传统的、经典的音乐，而不是喧宾夺主，把整节课或者是大部分的时间都用于听流行音乐和歌曲。

如果本末倒置，这样的音乐课随便叫什么人都能上下来，哪里还需要专业的音乐老师?学生们哪里还需要接受什么专业的审美教育?因此，一定要把握好播放流行音乐和歌曲的时间。笔者在音乐课堂上一般都只留几分钟的时间让学生听听适合他们听的流行音乐，效果很好。

综上所述，音乐教师应该发挥自身主观能动性，适当的、合理的将流行音乐有效地带进中学音乐课堂，为音乐课的普及、学生素质的全面提高起到积极的作用。音乐是美的艺术，音乐教师是美的传播者，让我们音乐教师用一切有效的手段带领学生走进音乐的殿堂，在轻松、活泼的音乐气氛中感受美吧!

摘要：艺术需要百家齐放、百花争鸣，不拘一格地将流行音乐等音乐欣赏引进课堂教学，拓宽教学资源，重新整合教学内容，培养学生对音乐课的兴趣和艺术审美能力，是高中音乐教学的必然趋势。新课标为教师在音乐教育观念、内容、方法、手段和评价体系等方面做了大量适应素质教育发展的建议，以新课标为指导，结合实际，提高学生的审美情趣，培养良好的人文素养，真正使学生做到学习音乐、喜爱音乐、选择音乐、享受音乐。

关键词：流行音乐 欣赏 高中 音乐 课堂

高中生对于流行音乐的热衷是不可回避的客观现实，我们必须正视这一现象。爱因斯坦说过：热爱，是最好的老师。新《高中音乐课程标准》中就指出：“关注和重视学生音乐兴趣，发展学生的兴趣与爱好，既是音乐学习的重要基础和基本动力，同时亦是学生在音乐上持续发展，终生热爱音乐的根本保证。”《课标》中还提出：“应以开阔的视野，体验、学习、理解和尊重世界 其它 音乐文化，通过音乐教学，使学生树立平等的多元文化价值观，以利于我们共享人类文明的一切优秀成果。”面对这样科学、包容的指导思想，广大音乐教师所要做的，就是开动脑筋，选取健康、优秀、学生喜爱的流行音乐作品与课堂教学有机的结合，对学生进行有益的引导，从而达到激活音乐课堂，提升审美情趣的教学目的。

一、结合学生兴趣点，指导学生专题鉴赏

新课改教材中已经将大众音乐、通俗音乐作为一个独立的章节设置。这样，在高中音乐鉴赏课上，教师可以设计三到四个课时引导学生对其进行专题鉴赏。而面对涉猎广泛、紧跟流行脚步、并且对相关知识具有强烈求知欲的高中学生来说，只单纯地听几首歌、几段音乐显然是不能满足他们的鉴赏需求的。笔者认为，完全可以结合实际，结合学生的兴趣点，选取优秀的音乐作品引导学生进行较深入地学习、欣赏。例如，下面是笔者的一个教学实例。

这节课安排在爵士音乐欣赏之后，学生们已经对这种由美国黑人创造的、有独特旋律节奏特点的通俗音乐类型有所了解。于是，笔者决定“趁热打铁”，使学生能够继续感受一下同样源于美国的其它风格的流行音乐。

课程一开始，笔者先播放了一段周杰伦的歌曲，此举立即燃起学生们的兴奋点，很多人跟着唱了起来。歌曲结束，笔者提问：“周杰伦的歌曲属于那种风格?”“R&B”、“Hip-Hop”、“Rap”，学生们开口便说出了这些词。笔者紧接着又问：“大家把这些词说得都很熟，那它们究竟都是什么意思?”这个问题让学生们一下子卡了壳。于是我将这些音乐术语一一进行解释，并展示出它们的旋律节奏特点。然后再听歌曲时，学生归结出了周杰伦音乐中的R&B风格特点。

随后，我又选播了一首美国组合“后街男孩”的歌曲，让学生对比欣赏，找出中美两种R&B歌曲的异同点。通过讨论分析，学生们 总结 出：因为R&B音乐源自美国，所以其歌曲风格更加浓郁、鲜明，而周杰伦等人的中文流行歌曲借鉴了美国的R&B曲风，但并没有全部照搬，而是融入了一些中国音乐的元素，比如旋律、伴奏、歌词等等，更适合中国人的欣赏口味。因此，周杰伦等人的歌曲可以称为“有中国特色”的R&B风格歌曲。

这节课以现今学生追捧的周杰伦歌曲为切入点，使学生了解、感受源自美国的R&B音乐风格。同时，希望引导学生对自己喜欢的东西有所了解，在了解的基础上对音乐进行客观的评价。

从实际来看，这样的课是非常受高中生欢迎的。就像课后有些学生表示：“我终于明白了自己喜欢的到底是什么，以前只是一味喜欢，但什么也说不出来;现在了解了相关知识，我觉得自己不再那么盲目了。”由此可见，流行音乐的专题鉴赏是非常有必要的，这类课不仅使学生欣赏到喜闻乐见的作品，传授相关的音乐知识，更重要的是引导学生进行有益的鉴赏，培养他们健康积极的审美情趣，面对纷繁的流行音乐世界，能够作出属于自己的客观理性的评价。

专家分析认为，在整个高中音乐鉴赏学习中，流行音乐的专题鉴赏可以与古典音乐、民族音乐、以及其它音乐类型的欣赏学平行设置，大约占到1/4左右。部分课题内容可以根据流行实际随时进行调整更新，这样既吻合流行音乐的时代特性，同时也能够满足不同时期学生的兴趣和关注点。

二、借助辅助鉴赏，拓宽学生欣赏视野

除了专题鉴赏以外，在其它内容的音乐欣赏教学中，也可以选择符合课堂主题、优秀经典的流行音乐作品作为补充，一方面加深了学生对于教学内容的印象，另一方面也拓宽了他们的欣赏视野，使其从不同角度感受欣赏内容，同时调解了课堂气氛。

例如，在教材《生命之歌》一课中，除了课内古典音乐、民族音乐的欣赏，还可以配合主题，给学生播放迈克尔.杰克逊的《地球之歌》MV，深刻的内容、具有感染力的歌唱以及发人深省的画面，会带给学生另一种震撼，更加深化了保护生命、珍爱生命的德育目标。又如，教材中李斯特的钢琴曲《钟》，这是一首古典音乐作品，为了加强学生对于音乐的印象，在一系列聆听、分析后，可以给学生播放一段香港歌手李克勤的《我不会唱歌》，因为这首流行歌曲的伴奏部分正是改编自《钟》，学生在欣赏之余，不仅强化了对于古典钢琴音乐主题的记忆，同时还了解到，音乐是没有界限的，流行音乐也可以和古典音乐相互借鉴、相互融合。同样，在鉴赏中国戏曲音乐的教学中，穿插欣赏刘欢演唱的《胡雪岩主题曲》，也会产生很好的教学效果和作用。

诸如此类的流行音乐辅助鉴赏，在很多的欣赏主题中都可以使用。需要注意的是，这里的流行音乐作品是作为补充、附加的内容出现的，目的是以另一种面貌呈现教学主题，丰富教学内容。笔者以为，一定要有的放矢地选择与当堂教学联系最紧密的作品，优中选优，宁缺毋滥，这样才能达到锦上添花、升华主题的作用。

无论是主题鉴赏，还是辅助鉴赏，教师都应该以教材为基础，以《新课标》为准绳，精心挑选思想性与艺术性完美统一的流行音乐作品来丰富教学。引导学生正确认识、准确鉴别、理性对待流行音乐，以开放、包容的态度对待各种音乐类型，在音乐中感受真善美。

艺术需要百家齐放、百花争鸣，不拘一格地将流行音乐引进课堂教学，拓宽教学资源，重新整合教学内容，培养学生对音乐课的兴趣和艺术审美能力，是高中音乐教学的必然趋势。新课标为教师在音乐教育观念、内容、方法、手段和评价体系等方面做了大量适应素质教育发展的建议，以新课标为指导，结合实际，提高学生的审美情趣，培养良好的人文素养，真正使学生做到：学习音乐、喜爱音乐、选择音乐、享受音乐。

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改革开放以来，随着信息化的日益加快，流行音乐已经成为文化艺术领域中一股强劲势力，其地位也越来越高，下面是编辑老师为大家准备的流行音乐演唱教学。各高校为顺应时代潮流和社会需求，逐渐把流行音乐演唱纳入到声乐教学中。不过流行音乐演唱的教学还处于摸索起步阶段。一、改进教学观念目前，流行音乐演唱在教学观念上具有一定的局限性，缺乏声乐独特魅力的培养，难以让不同年龄的人群产生共鸣，因此，流行音乐演唱缺乏个性表现，体现不出原汁原味的亲和力。我们需要进一步改进流行音乐演唱的教学观念。首先，正确认识其在声乐教学中的地位。美声和民族的演唱教学是流行音乐发声和演唱技巧的基础，但并不代表流行音乐演唱教学是声乐教学的附庸，如果按照传统声乐教学方式，是不能够让学生充分了解流行音乐作品内涵的。流行音乐演唱教学要求在借鉴民族和美声唱法的一些基本技巧的基础上，找到属于流行音乐演唱的发声方法和演唱技巧。其次，端正演唱教学的观念，譬如有些人推崇流行音乐演唱方式的随意性，认为演唱方法的讲究会让音乐失去流行和时尚的味道，事实上这种观念是片面的。尽管流行音乐演唱没有其他声乐表演那样相对的固定模式，但学生只有在科学掌握演唱技巧的基础上，才能够将流行歌曲的内在表现力挖掘出来，真正实现流行音乐演唱方法的传承。二、加强艺术实践“脱离实践的歌唱教学是徒劳的、本末倒置的，实践是最终的目的”。教学都是为实践服务的，流行音乐演唱的流行性、时尚性和多样性，决定了它必须在实践演出中、时代潮流中去发展、成熟。流行演唱讲究个性鲜明，最主要的是歌手还应该有自己的风格。学生在初学阶段以模仿为主，逐步学习后就要慢慢确立自己的风格。如王菲的声音纯净空灵、韩磊的声音大气十足、韩红的声音收放自如、杨坤的声音沙哑柔情，流行歌手个性十足的声音打破了民美唱法“千人一面”的音色和声线，这也是大家喜爱它的重要因素之一。这种自身风格的确立很大程度要在艺术实践中得以实现。

巴洛克时期音乐的发展论文研究

简述巴洛克时期器乐的发展 音乐史上的巴洛克时期一般认为是1600年至1750年之间。这和我们对于任何时期的划分一样，也是相对的。即从蒙特威尔第开始到巴赫和亨德尔为止的150年。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的去世标志着巴洛克巅峰对违法的终结也标志着巴洛克时期的终结。 自1600年以来，欧洲各国相继建立了专业和业余的音乐家组成的音乐小组，专门从事各种音乐活动。使欧洲的乐器得到了蓬勃的发展。巴洛克时期则是一个探索和实验乐器的时期。各种乐器组、合奏曲等风格开始形成。主要体现在一下几方面： 1.小提琴与器乐合奏： 随着主调音乐创作方法被重视，小提琴在器乐发展中取得了主要地位。意大利提琴制造业的三大家族是阿玛蒂、瓜特瓦内里、斯特拉蒂瓦里，他们生产的提琴工艺精良，音色优美，大大促进了提琴制造水平和演奏技术的迅速发展，同时也促进了提琴为主的合奏艺术的发展。小提琴的发展还促成了“奏鸣曲”和“协奏曲”两大体裁的问世。 奏鸣曲最早的含义是“器乐曲”，和组曲比较相近，它的每一乐章在性格和速度上都是建立在“对比”的原则上，通常是4或5个乐章。直到意大利作曲家科莱里最终确立了“三重奏鸣曲”这一体裁，形成了“慢—快—慢—快”的结构原则，成为现代奏鸣曲的雏形。 协奏曲则指由独奏部分与合奏部分协同演奏的乐器体裁。意大利作曲家维瓦尔第为大协奏曲的形成做出了突出的贡献。他的小提琴协奏曲《四季》就是大协奏曲这一体裁的突出代表，并确立为3个乐章的套曲结构。第一乐章是回旋曲性质的快板，第二乐章是歌唱性质的慢板，第三乐章是带舞曲性质的快板。此套曲是音乐会上经常演奏的曲目。 2.古钢琴艺术的发展： 英国古钢琴家最早创作了钢琴音乐的新风格，常用变奏曲体裁。法国古钢琴家蓬涅尔所写的主要是舞曲性质的组曲，将不同民族风格的舞曲结合在一起。在性格上，速度上以对比的方式排列起来。从而确立了古组曲的基本结构：①阿列曼德：一种庄重、从容的双拍子德国舞曲。②库兰特：一种活泼、节奏轻快的三拍子法国舞曲。③萨拉班德：一种沉重、庄严、缓慢的三拍子的西班牙舞曲。④吉格：一种跳跃性的速度很快的英国舞曲，又是三拍子，有时又是以三连音为基础的复拍子。17世纪是，法国作曲家库普兰家族对组曲形式的巩固起了重要作用。特别是弗朗索瓦·库普兰(大库普兰)。他的许多钢琴小品有鲜明的形象，体裁多样，带有标题性。他是钢琴艺术的一个重要探索者，代表所有《莫尼克小姐》、《收割者》等。继库普兰之后，法国的作曲家拉莫是古钢琴艺术的另一个代表人物，他确立了古典和声的基本原则，为近代的功能和声体系奠定了基础。 3.管风琴音乐的发展： 管风琴这件古老的乐器，一直属于宗教音乐的范围。后来逐渐单独演奏，随之涌现出很多为管风琴创作的作曲家，推动了托卡塔与赋格曲的完善和发展，最后由巴赫推向了顶峰。巴赫除了歌剧体裁未涉猎外，其他各种体裁均有尝试，是巴洛克时期的重要代表人物。他的器乐创作主要以钢琴为主，根据写法的不同大致可分为5类：舞曲、前奏曲、赋格、即兴曲、协奏曲。他的两卷《平均律钢琴曲集》被誉为复调音乐风格的最高典范，标志着调性功能思维的高度发展。另外，他还有《马太受难乐》、《b小调弥撒》、6首《勃兰登堡大协奏曲》等重要作品。巴赫是音乐史上有着深远影响力的人物。 如上所述，器乐音乐在巴洛克时期不断得到发展。这个时期是一个充满各种探索和实验的复杂时期。由于复调、舞曲、变奏曲、即兴曲等因素的不同程度和不同方式的结合产生了不同的题材。在这个时期，不光器乐题材形式逐渐固定下来而且器乐曲的风格也逐渐形成。一意大利、法国以及德国为中心的作曲家们对于这个时期器乐的发展也做出了很大的贡献，为古典主义时期艺术的创作提供了基础。

摘 要:巴洛克艺术属一种艺术流派。它在16世纪下半期开始出现,在17世纪的时候盛行起来,但是到了18世纪的时候,除北欧和中欧一些地区以外,就逐渐衰落了,它在18世纪晚期和19世纪备受冷遇,到20世纪时对巴洛克进行了重新评价,不管对巴洛克的评价在历史上如何变化,但巴洛克时期的各种艺术作品,给这个时期增添了独特美的艺术色彩,以使得巴洛克艺术在过去很长一段时间内对很多个国家和地区都产生了深远的影响。 关键词:巴洛克;艺术;建筑;绘画;空间 提及巴洛克,往往会是巴洛克风格,关于建筑室内外的装饰,极尽繁琐之能事,而这往往是片面的。巴洛克艺术属一种艺术流派。它在16世纪下半期开始出现,在17世纪的时候盛行起来,但是到了18世纪的时候,除北欧和中欧一些地区以外,就逐渐衰落了,它在18世纪晚期和19世纪备受冷遇,到20世纪时对巴洛克进行了重新评价,不管对巴洛克的评价在历史上如何变化,但巴洛克时期的各种艺术作品,给这个时期增添了独特美的艺术色彩,以使得巴洛克艺术在过去很长一段时间内对很多个国家和地区都产生了深远的影响。 在现在,如果要把巴洛克这个时期的文化及其各种事件理顺的很清晰,或许不是件容易的事。这就跟现在我们都还不能去确定“巴洛克”这一词是从何处来一样。不过,对这个词的解释之一是---源自葡萄牙文,原意指不规则的、怪异的珍珠形状。这种说法确实是道出了巴洛克时期的一些普遍存在的文化性格。它虽说不算是西方文化史上成就最为辉煌的,但可以说是最为复杂多样的一个特定时期。 巴洛克是继文艺复兴之后的主要流派,17世纪欧洲有新旧教的权力之争。巴洛克通常会被认为是一个高度集权主义的时期,是为宗教服务的艺术。巴洛克艺术最开始是从意大利流行起来的,慢慢的在佛兰德斯、西班牙等天主教盛行的国家盛行开来。“巴洛克”成为一种独特的风格,体现在它的艺术精神和手法上。什么是巴洛克精神实质?那是一种对无限性的意识、沉思、渴望和追求。手法上表现了一种时空结构的特征。过去人们认为巴洛克艺术是稀奇古怪,繁琐的,然而如今的“巴洛克”已经不再是一个贬义词,反而成为了一个时期的代名词,巴洛克艺术被认为华丽多彩且富变化、装饰精美、富有激情性、浪漫性、富有戏剧性、动感且情感充沛。巴洛克艺术一反文艺复兴艺术的平静,它将建筑、绘画、雕塑等艺术形式融为一体进行展现。 巴洛克时期最重要的创造可以说是“对比”的这种概念。建筑外形追求动感和自由,内部则偏爱富丽的装饰和雕刻。巴洛克艺术的特点是:华丽性,由于服务的对象主要是教会及上层人物,因此要追求豪华只能事;还有浪漫性,它极力的打破文艺复兴时期的和谐与平静;富有激情与运动性,这种骚动不安不仅与宗教有关也与当时的动乱不宁的局势有关;再就是它的作品富有的空间性并强调艺术形式的综合性;是浓重的宗教色彩。总之,不能低估了巴洛克艺术,不管是从哪种维度来讲,作为文艺复兴和现代之间的一个中间阶段的确是一个过渡时期。这就决定了它的繁复而不断变化。 巴洛克艺术展现了它时代文化的特征。由此,在意大利,我们可以在罗马圣彼得大教堂的结构中看到反宗教改革运动。尤其是在它的大祭坛中,表现出了强烈的动感。在法国的圣杰尔维教堂,它的正立面是对法国巴洛克建筑立面构成的诠释。在它的立面采用了古典柱式,三角形额墙,檐壁部分直线形凹凸,凯旋门式入口构图,比其他欧洲大陆的巴洛克建筑表情严肃。再看一下德国巴洛克风格教堂。它的建筑外观简洁大方别致,造型柔和运动并且装饰不多,外立面色彩简单明朗,但在教堂内部的装饰却很豪华,繁富,形成内外的一种强烈对比。着名的罗赫尔的修道院教堂就是比较典型的实例。 总的来说巴洛克风格的教堂外部简洁内部繁复豪华,并且能造成很强烈的`神秘氛围。它从罗马开端以后,不久就传遍欧洲,并远达美洲。 巴洛克的艺术与古典艺术的宁静相博,而是处于一种骚动不安之中。巴洛克的艺术形式所追求的是形式与无序,表面与深度之间的相互作用。这与古典艺术形式对清晰和整一的那种向往是有所不同的。这集中表现在巴洛克艺术对时间空间的理解。正如贝尼尼的雕刻艺术,他的《圣特瑞莎的迷狂》,运用了空间造型手段,当大理石抓住并承载无限的折皱时,呈现出了一种动感。这件作品是以群雕的形式展示的,其雕刻中的形象内容是根据特瑞莎《自传》中的文字而塑造的。贝尼尼捕捉到了它富于孕育性的顷刻,并把它转换为三维空间形式展现。雕刻中的两个人物的姿势与常用的表现方式有所不同。塑造的天使站立着而不是在空中飞翔,并且特瑞莎是斜卧着而不是通常所表现的跪着。这两种姿态形成的垂直线和对角线将他们牢固的相互联结在一起。而且在表情的刻画,天使平静的微笑与特瑞莎痛苦中伴随着甜蜜,形成一种更为激烈的情感运动。这件作品作为一个空间形象充满了时间的意味,但对贝尼尼来说仍不能有力的表现那种灵魂在时间中飞升的无限性,因此,他将它安置在美丽的祭坛壁龛之中。把它立在高高的祭坛之上,其周边的柱子起到一定的衬托,将其包裹。可以联想到潘诺夫斯基的话:“雕刻同周围的空间融合为一完整的视觉图画”。 巴洛克所强调的光线,在这里也特别值得注意,贝尼尼对自然光线的巧妙运用。这就是巴洛克的交叉空间,创造无限性的幻觉。 巴洛克的时间与空间中,或许,它的音乐呈现的更为清楚。较之诗歌而言,音乐似乎是更纯粹的时间艺术,虽说音乐本质上是含糊不清的艺术形式,而音乐内在的时空特质源自它既是水平的旋律又是垂直的和声。巴洛克早期在音乐方面较着名的作曲家应该算是是意大利人蒙特威尔蒂。从他开始到巴赫和亨德尔为止。 罗兰·巴尔特认为眼睛是知觉的最高级器官,而巴洛克是可见事物的艺术,便是证明。绘画是一种“视觉艺术”,巴洛克的绘画艺术超越了文艺复兴时期所确立的追求和谐的准则。巴洛克绘画是凝视,是沉思,是忧郁,是激情,是欲望,是巴洛克世界的残篇断简和废墟。其绘画代表人物有鲁本斯,它是弗兰德斯画派的主将,是一位积极地巴洛克艺术大师;荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯凯兹,法国的普桑等,他们的画作都强调光影变化,色彩也比较明快,有一些作品具有一定的批判性。 在明媚的田园风光中,四个牧羊人围在一块墓碑旁,辩读着刻在上面的铭文。这是普桑的《阿尔卡狄的牧羊人》中所描绘的情景。这幅画取材于维吉尔的《牧歌》中的文字,画中的人物安排和各不相同的姿态与表情显然具有一种叙事的含义。不过画中那十四个字母处于显着的位置,画面空间的中心。此作品以其典型的巴洛克戏剧化表现力—奔放的对角线,强烈的明暗对比,夸张的动作和表情,展现了牧羊人对于现实的死亡的突然领悟和由此而生的复杂感受。普桑不仅是巴洛克艺术的最后一位大师而且是新古典主义的第一位大师。在他的这幅作品中,普桑充分表现了他对于自己艺术的这种过渡和转化,或许,普桑所阐释的是巴洛克艺术的终结。 参考文献: [1]《破碎的痕迹》,耿幼壮着,中国人民大学出版社,2003.

摘要:“巴洛克”是一个时期，而不是一种“风格”。1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期的音乐与其他艺术交相辉映，呈现出比往昔更加繁荣的艺术景象。本文通过论述巴洛克时期的音乐历史文化背景及音乐特点，让大家了解更多有关巴洛克时期的音乐的知识。 关键词：巴洛克时期；音乐背景；特点 巴洛克时期音乐历史文化背景 “巴洛克”也译为“巴罗克”，这一词产生于文艺复兴时期，并源语葡萄牙语，原意指体大且形状不规则的珍珠，在意大利语中有冲动、任性、夸张、幻想之意。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色，也比较适合吉他翻弹！巴洛克时期音乐的三个阶段 巴洛克风格的产生经历了一个相当长的时间过程。随着文艺复兴的衰落和反宗教改革潮流的蔓延，在意大利以及天主教甚至新教世界中，艺术和音乐比纳入具有新的教会精神的文化氛围中。在古典主义形式的完美、平衡、和谐被打乱之后，综合、调和以及刻意的修饰成为新一代风格教会为自己的世界从建筑形式上提供了富丽堂皇、瑰丽精致的形式，同时也给音乐打下了自己的文化烙印。巴洛克时期音乐课分为三个阶段，即早期阶段——1600-1640是巴洛克风格的形成期；中期阶段——1640-1690是巴洛克风格的定型期和晚期阶——1690-1750是巴罗的风格的盛期，也是完善期。巴洛克时期音乐兴起的原因 17世纪欧洲已跨入近代的历史，几个世纪的商业革命已摧毁了停滞的中世纪行会经济。国家规模扩展，国王权力的增大，欧洲政治专制主义时代正向着鼎盛发展。宗教改革与反宗教改革运动，使欧洲的教会处于分裂的复杂对立状态，导致了宗教派别间及专制君主间的大规模战争。16世纪的人文主义思潮导致了巴洛克时期音乐的这一种新风格的产生；科学和文化的发展，特别是实验科学的进步，推动了巴洛克时期音乐的发展；而宗教的兴盛，新教和天主教的斗争都在利用这种新风格为其服务。（3）巴洛克时期音乐的代表人物 巴洛克时期音乐的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是音乐之父，由此可见他的威望之高。维瓦尔蒂凭着他的《四季》一举成名天下知。亨德尔是旋律大师，他的作品有一种优雅！他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富！ 巴赫作品——《马太受难曲》，创作于1724至1727年间，取材于《圣经》中队耶稣受难过程的叙述。整部作品结构宏大，共有78首分曲。分为两大部分：第一部分有35首，描述了耶稣被门徒出卖和最终被捕的过程；第二部分有43首，描述了耶稣受审，被钉十字架和被埋葬等场景。 维瓦尔蒂的《四季》属于标题音乐，从形式上看，自然较其他协奏曲显得自由而且不平衡，但这样反而更能表现出巴洛克的特色及魅力。《四季》的标题分别为：《春》E大调、《夏》g小调、《秋》F大调、《冬》f小调。这四部作品画意盎然，激发出人们对巴洛克时代音乐的浓厚兴趣。 亨德尔代表作——《水上音乐》，又称《水乐》、《船乐》。亨德尔作于1717年，是一部管弦乐组曲。传说是在英国伦敦泰晤士河上为新即位的英皇乔治一世演奏的，故有“水上音乐”的美名。全部组曲由二十首小曲组成，开始是一首法国式的前奏曲，其后是布莱舞曲、小步舞曲等各种形式的舞曲，同时也有缓慢乐章。乐器使用了小提琴、低音提琴、日耳曼横笛、法兰西横笛、双簧管、圆号、小号等。 巴洛克时期音乐特点 巴洛克时期，综合、调和以及刻意的修饰、精美成为新一代的艺术风格特征。虽然艺术中文艺复兴式的人文精神并未消失，但是音乐主要成为新的教会精神和宫廷贵族时尚生活的表达方式。在不同作品的表现中，风格又是多样而综合的。17世纪中期在音乐风格方面采用的普遍分类，是教堂风格（如声乐复调）、室内乐风格（如管风琴、古钢琴等器乐体裁）、戏剧风格（如歌剧创作）这三类风格分类，其音乐特点共有以下六点：两种作曲常规。 蒙特威尔第提出“两种常规”思想。即“古代风格”为第一常规，他自己的新手法为第二常规。这种思想像根源于柏拉图，强调音乐要为歌词服务。在第二种常规中，歌词支配音乐以扩展音乐的表现力，使音乐能够更加好地表现歌词的内容、强调感情的表达，对那些旧有的规则和限制进行大胆的突破。例如采用无准备的不协和的音或非正规的解决等。调性和声与对位 巴洛克时期在对位上的变化是纵向思维引领横向思维。在调性和声体系中，和弦的关系是建立在对一个调性中心的趋向性上的。主和弦的根音决定了该调性的名称。体系内的每个和弦都是独立的实体，但是，它们之间却有着一定的功能关系，特别是和主和弦之间。所有的和弦完全围绕着主和弦，以及支持主和弦的另外两个重要的和弦－属和弦和下属和弦组织起来，它们之间的功能关系得到强调，即使离调或转调也不能动摇主调的地位。同时，复调对位在巴洛克时期并没有完全消失，不少作家仍在沿用第一常规的手法创作无伴奏合唱和宗教作品，但是随着通奏低音的运用，这些对位手法逐渐被纳入了功能和声进行的框架之中，形成了一种新的对位。（3）情感类型化。 巴洛克的音乐家用音乐体现歌词中所表达的情感或精神状态，如愤怒、激动、宏伟、秀安、忧伤等。但是这并不是表达音乐家个人感情的，而是表现类型化的感情。为了这些情感的交流，逐渐出现了一套相对固定的手法，当时的人们逐渐认为各种音乐因素如音程、调式、调性节奏型等，都具有一种情感性。（4）节奏与记谱。 音乐史上，通常节奏变化会导致记谱变化。典型的巴洛克节奏一般分为两类：一种是非常规整的；另一类是非常自由的。巴洛克时期出现了小节线并被系统的使用于有规律的节拍之中。作曲家在作品的开头标记一个谱号成为一种习惯性的做法。（5）通奏低音。 通奏低音是一种不同于文艺复兴时期的复调织体的主调和声织体。它起源于16世纪末教堂管风琴音乐中应用的“管风琴低音”声部，至少需要两种乐器——演奏和弦的基本乐器以及演奏低音部的低音乐器来实现。通奏低音的运用贯穿于整个巴洛克时期，成为巴洛克音乐的一个最重要的技术特征。（6）声乐与器乐与乐器制造。 巴洛克时期器乐与声乐的发展是并行的。声乐是指单声歌曲这种新风格的出现，歌剧，清唱剧，康塔塔诞生。器乐是指纯器乐的体裁得到了长足的发展。在乐器制作方面，小提琴家族在这个时期形成，钢琴在这个时期出现。此外，各种管乐器的制造也有了新的发展。这些发展使得巴洛克时期出现了典型的巴洛克室内乐和乐队组合，造就了很多巴洛克时期名闻遐迩的演奏大师。结束语 巴洛克音乐的历史文化背深厚，声乐作品题材广泛、内容丰富多彩、旋律线条优美、节奏多种多样、装饰音运用较多、曲式运用多样化,注重结构,工整严谨，为世人留下了宝贵的音乐财富。参考文献[1]王嘉陵：《西方音乐简史》，四川文艺出版社，2009[2]巴洛克时期音乐概述，网址：

民族音乐文化传承与发展研究论文

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加强民族音乐教育 弘扬民族音乐文化艺术论文

摘要： 我国的民族传统音乐文化是人民音乐才智的结晶，是凝聚着民族精神的宝贵文化财富，是创造、发展我国未来音乐的参照系，亦是对青少年进行爱国主义教育的宝贵教材。加强民族音乐教育是当前我国高校教育改革的重要课题。

关键词： 高校音乐；教学；民族音乐教育

我国的民族传统音乐是人类文化中的瑰宝，我国音乐教育长期以来以西方音乐体系为主，造成了民族音乐教育的缺失，这成为当今音乐教育界的一个关注问题。我作为一名高校音乐教育工作者，以多年的教学经验，认为加强民族音乐教育，弘扬民族音乐文化是解决这一问题的方法。就此谈一谈我的看法。

一、加强民族音乐教育的必要性

1.加强民族音乐教育是传承和弘扬民族音乐文化的需要

所谓传承，就是要尊重和传播历史文化传统。民族音乐是一个民族历史、文化、风格与情感的载体与镜像。他凝结着一个民族的精神与性格。中国是一个多民族的国家，每一个民族都有着自己独具特色的民族音乐。他们共同构成了中华多姿多彩的音乐文化。不了解这些民族音乐，就很难真正了解祖国丰富灿烂的文化与文明，当然也就更谈不上传承与发展。近些年来，甚至高校音乐专业的一部分学生也对我国丰富的民族音乐知识表现出一种陌生的态度，他们听惯了迪斯科节奏，电声磁带和通俗音乐，而对优美动听的民歌，旋律委婉悠长的戏曲唱腔，产生了抵触的情绪，还有每年的招生考试中，演唱民歌、演奏民乐的考生却寥寥无几。在迪斯科、爵士、摇滚等外来音乐的旋律中如痴如醉。这种现象若任其发展，不仅可能造成中国民族音乐的后继乏人，而且很有可能造成民族音乐文化的进一步断裂。高校音乐专业作为音乐教育与研究的主要阵地，传承与弘扬祖国音乐文化是其应有之义。

2.加强民族音乐教育是21世纪中国音乐发展创新的需要

在多元文化背景下，加强民族音乐教育可以增强学生民族音乐的积累和储备，增厚学生民族文化历史与情感的底蕴，使学生在与世界其他异质音乐文化的比较鉴赏中，了解各民族音乐的风格特点，培养跨文化的开放多维的音乐视阈。广泛吸纳各民族音乐的.优长，以母语音乐为基础，融汇中西、贯通古今，创作出新的音乐作品。因此，在音乐专业的教学中加强民族音乐教育，有利于开发学生的创作思维，培养创新能力，并进而推动当代音乐的进一步发展。

3.加强民族音乐教育是培养和提高音乐专业学生人文素养的重要途径

人文素养是一个人之所以为人所应具备的基本素质和修养。高等教育的终极目标是培养全面发展的高素质人才，这一点早已成为人们的共识。高校音乐专业不仅仅是技艺型人才，更要培养全面发展的高素质音乐人才。因为音乐教育不仅是一种知识教育，技艺教育，更是一种审美教育、文化教育和人文教育。民族音乐浓缩着一个国家和民族的历史文化、风格、情感，蕴涵着丰富的人文精神。我国抗战时期产生的《义勇军进行曲》、《黄河大合唱》、《太行山上》……充分表现了中国人民浴血奋战、抵御外侮、不屈不挠的民族精神。通过对《长征组歌》、《梁祝》等作品的学习，可以加强学生对民族历史文化的理解，激发学生热爱祖国音乐艺术的情感，增强学生民族自豪感和为民族音乐发展奉献自己的热情，它对于完善学生的自我人格，培养其审美观具有十分重要的意义。

二、加强民族音乐教育的途径

1.应在理念上加强民族音乐教育。在大纲、教材和教学方面应形成系统化和科学化。从一个学校的整体看，教材和大纲可以反映一个学校的管理水平和教学质量。我国是个多民族的国家，各民族都有自己极为丰富的音乐，应该将这些优秀的传统音乐的精华和风格编入教材，传授给学生。并将民族音乐作品的学习作为教学的重要目标，安排足够的课时。只有突出了民族特色的教材，才能使我们高校的教学更具有民族化，有价值，立得住，更容易被承认。当然，这里并不排斥世界各国的优秀音乐，同时还应该在吸取外国的民族音乐精华中来进一步充实自己。

2.在具体的教学中，民族音乐的教学应表现在各个学科上，如在声乐课的教学中，要让学生多演唱一些民歌，浏览大量的我国优秀的民族歌剧；在舞蹈课的教学中，要让学生多学习一些民族民间舞蹈，或尝试民族歌舞的编导；在和声课上，尽可能多解析一些民族调式；视唱练耳教学中，让学生多演唱民歌或具有民族调式的乐曲；在民族民间音乐课上，让学生广泛浏览、演唱民歌和戏曲音乐；在器乐选修课上要让学生多选学民族器乐，并建立民乐队，开设民乐合奏课。从情感上加深学生对民族民间音乐的了解和兴趣。

3.教学方法教师不仅要通过演唱，演奏技能的培养，使学生从技术上了解中国传统音乐的民族特异性，而且还应通过对作品创作背景内在情感、音乐结构的分析、引导学生从深层次上理解民族音乐，体会其中所蕴藏的精神文化内涵。由表及里，潜移默化培养学生热爱民族音乐，尊重和传承音乐文化的自觉意识和责任感。

三、结束语

作为音乐教育者，应志在通过音乐教育引导青少年学生维护本国家、本民族文化的独特性，从而更好地担当起继承和发展我国民族文化的重任。我们要不断加强探索和研究，制定出切实可行的措施，让高校民族音乐教育迈上一个新的台阶，使我国悠久灿烂的民族音乐文化进一步发扬光大。

【参考文献】

[1]特里斯[M].沃尔克.音乐教育与多元文化．

[2]陶敏霞.中国钢琴作品教学与欣赏.陕西人民出版社.

[3]蔡仲德.中国音乐美学史资料注译.人民音乐出版社.

[4]樊祖荫.中国少数民族音乐在世界多元化音乐中的作用与地位.中国音乐.2004，（4）.

音乐永远是民族文化中的那唯美的一面，在乐器的缓缓鸣奏中，表达的是作者的情感，无形之中乐曲的深处流淌着的是民族文化血脉深处的精髓。。。每每听着古典音乐的响起，那种悠扬，那种独特的中国风，心灵深处的有着不一样的触动，虽然听不出《高山流水》的知音难觅，品不到《春江花月夜》的清丽奇幻；但是依旧为凄凉忧伤的《二泉映月》而伤怀，被《霸王别姬》的悲凉豪迈而震撼。。。。他们再现了古代的情感生活，过往的抑郁悲愤，那时的英雄儿女，跨时代的哲理思考，都是那么地多情，那么的发人深省。 中国民族音乐有悠久的历史传统，在四五千年前的原始氏族社会中，就产生了原始的歌舞和歌曲，到殷周奴隶主统治的时代，音乐文化已经相当发达。两千多年的封建社会中，音乐不断得到发展。在中国历史上曾经多次出现音乐文化繁荣昌盛的时代。中国民族音乐是中华民族传统文化的重要组成部分，它反映出中华民族的伟大精神，体现了中华民族的情感、意志、力量、幻想和追求。 中国民族音乐基本上由宫廷音乐、文人音乐、宗教音乐、民间音乐四部分构成。 宫廷音乐：一部分是典制性音乐，如各类祭祀乐、凯歌乐、朝会乐等；另一部分是娱乐性音乐，如各种筵宴乐、行幸乐。这两大部分音乐体现了宫廷贵族文化的两个侧面，一是皇权至上自我形象的塑造，二是贵族阶层的精神享乐。 文人音乐：文人音乐包括古琴音乐与词调音乐，它与书、绘画、诗词共同构成中国传统文化中独特的文人文化，琴、棋、书、画，琴居首位。古琴音乐追求的是超尘脱俗的意境天人合一的思想，“清、幽、淡、远”的浪漫色彩，这种音乐最符合封建社会的“中和”思想，成为古人修身养性，塑造人格的最好手段。 宗教音乐：一、体现了中国宗教信仰的多元化特点，佛教、道教、基督教、萨满教，在各自的文化基础上宗教音乐各有特征； 二、外来的宗教带来的外来音乐和乐器不断与本土音乐的融和； 三、较浓的民间风格，大量的宗教音乐以民间歌曲为基础加以改动使之仪式 化、教仪化。 民间音乐：民间音乐分为民歌、歌舞、说唱、戏曲、器乐，以综合艺术为主。独特的中国传统文化孕育了独特的民族民间音乐的体裁、形式、风格、内容，成为中国民族音乐的基础。 如今古典民族音乐的现状不容乐观，中国历来重视音乐教育，有着悠久的历史传统。但在普通教育中将音乐作为正规课程列入期间，则是清末才开始的。1898年康有为以“请开学校折”上书光绪帝，提出了废八股遍设学校的主张。戊戌政变后，梁启超等人积极提倡在学校中设立乐歌课。此后几年间，新式学堂陆续开设了唱歌课，从而在普通学校中形成了以教授新式歌曲和欧洲音乐常识为主要内容的音乐教育，至此，学堂乐歌成为我国一个新文化即将实行切换的关键时期。1927年采用德国专业音乐教育体制建立的上海国立音乐院，均依照德国音乐院校的课程内容上课，学生们演奏我国传统乐器也是用现代方法演奏。 当时以西方音乐为主体的中国学校音乐教育虽然对建立和发展近代中国音乐文化起到了重大作用，做出了重大贡献，但由于学校中的音乐教育未能把传承中国音乐作为自己的重要职责，因而对多数教育者来说，接受民族音乐文化的传承受到了相当程度的阻隔和影响。虽然在各个方面做了一些有利措施，但从学校音乐教育的整体来看，民族音乐尚未能取得其应有的主体地位。这不仅对民族音乐文化传承是个沉重的打击,而且对今后的民族音乐教育也产生了重大影响。 由于多年来形成的教育体制和观念及外来文化的侵入，使得我国学校音乐教育与民族音乐教育传承之间存在割裂、脱节现象，这就造成了国民对民族音乐的不重视，而使民族音乐文化处于不断滑坡状态。因此，学校教育应该作为民族音乐文化传承的主要渠道，传承民族音乐文化是学校教育的重大历史使命。 民族音乐作为文化的一个重要组成部分，是富有民族特色的各种文化形式的综和，同时又是各民族在长期历史发展过程中创造出来的。音乐文化里包括了多种文化，涉及到人民生活的各个方面。因为各种类型的民族民间音乐是在劳动中创造出来的,它不仅仅是一种音乐现象,其中也体现了各个时代各个地方的文化、民俗、语言、美学观点，同时也寄托了一种文化的情思,其所涵盖的情感和精神是这个民族的灵魂与思想,是这个民族精神的载体。匈牙利音乐家柯达伊这样说过:“民族传统有机的继承,唯有从我们的民间音乐中才能找到。”意思是说,作为文化的民族民间音乐具有继承的价值，民族音乐教育同时也具有爱国主义教育的积极意义。 音乐教育是教育的一部分，民族文化是文化的一部分，而教育和文化是相辅相成的,没有文化的教育是不可行的,没有教育的文化就失去了它的实际存在价值，教育和文化是不可分割的整体。所以，民族音乐传承与学校的音乐教育是分不开的。 毋庸置疑，民族音乐文化在教育中有着举足轻重的作用，从几千年来的中国音乐史及现代的音乐教育现状看，我国音乐要得到真正的发展和提高，必须以中华民族本土音乐为主，如果把西方或者其他流行音乐当成主流，而将民族音乐作为附庸的话，必然会带来民族音乐衰退乃至消亡。学校教育作为传承文化的重要方式，要使民族音乐文化在学校音乐教育中得以很好地传承，就要强调民族音乐教育在音乐教育中的重要性，所以要加强民族音乐教育，改善教育措施是关键。 我国音乐教育的发展存在着一些不容忽视的问题，传统民间音乐的发展现状不容乐观，就像我们的母亲河每年断流一样，民间音乐中的许多品种也出现了断流，濒临绝灭。流行音乐充斥着中小学音乐课堂，民族音乐教育被忽视。专业艺术院校招生和业余器乐考级中，报考西洋乐器和报考民族乐器的人数惊人的悬殊。更令人痛心的是多数学生都不会欣赏民族音乐的美，甚至对教材中的民族音乐持排斥态度。造成这些现象的原因有很多，用历史追朔法分析这些现象不难发现： （一）近二十年来受外来文化、市场经济的影响，各种媒体播放民族音乐的比例较少，流行音乐所占比例较大，加上港台流行音乐的推波助澜，使得很大一部分学生趋之若鹜。致使我们成长起来的青年一代追星族与歌迷越来越多，而民族音乐的爱好者却越来越少。青年学生只知道四大天王、超级女生，对民族音乐知识可以说了解甚少，说不出几种民族乐器的名称、叫不出几位中国民族音乐家的姓名； （二）应试教育长期不重视音乐教育，音乐课的情况无人问津、无人监督、无人指导音乐教学。致使音乐教育无法执行教学大纲，更无法完成规定的内容。音乐教学科研不足，教学观念陈旧，教学模式没有改变，致使学生对音乐课丧失兴趣。 二、发展民族音乐教育的具体措施 长此以往，没有青少年对民族音乐的喜爱和发扬光大，民族音乐将会失去它存在和发展的基础。因此，“发展民族音乐教育，提高民族音乐素养”显得尤为重要。学校责无旁贷地成了弘扬民族音乐文化、振兴民族音乐的主要阵地。在教学中发挥民族音乐教育的优势，陶冶学生情操，增强民族意识，让绚丽璀璨的民族音乐自立于世界之林，乃是当前音乐教育工作的主要任务。怎样落实呢我认为应主要从以下几点抓起： （一）以情感教育为主线，培养学生对民族音乐的深厚感情。通过学习一些带有典型民族风味的歌曲，在掌握和灌输民族音乐知识的同时，让学生明白音乐离不开民歌，民歌是一切音乐创作的源泉的道理，使学生从心理上崇拜民族音乐，提高学生对民族音乐的感情。我国民歌浩若烟海，内蒙民歌的豪放、辽阔，江南民歌的婉转、秀丽，陕北民歌的高亢、奔放，云南民歌的明丽、清新，新疆民歌的活泼、欢快，无不给人以美的享受，从中得到丰富的体验，体味到各民族的风俗民情和鲜明的地域色彩。学生对这些民歌创作根源的追溯，会对民族音乐产生由衷的热爱之情。有了这样美好的感情，就会对学习民族音乐产生浓郁的兴趣，为学校进一步实施民族音乐教育打下浓厚的情感基础。 （二）以民族音乐的欣赏为契机，增强学生的体验能力，体验民族音乐所塑造的意境，开拓学生的艺术视野，提高学生的艺术感受力、鉴赏力和创造力，以学生自我感受为基础，启发学生展开形象的翅膀，令学生将民乐与自我的情感认识不断协调起来，使民乐的欣赏成为学生情感体验的活动，在此活动中令学生自我振奋、自我感动。教师有意识地选择欣赏曲目，做到有浅到深、由表及里地对学生实施教育。只有这样，学生才能怀着由衷的喜悦去吸收民族音乐的营养，接受民族音乐文化的熏陶。 中国民族音乐走向世界很有市场前景，关键是要有好的作品和市场运作。我认为，当前中国民族音乐的发展存在着创作和市场两个问题，需要下大功夫解决。“中国民族音乐的作品不够丰富制约了其自身的发展。由于民族管弦乐的乐器和编制的特性，你不能用西洋的配器方式来写中国民乐作品，而当代作曲家的作品有许多却还是从西洋乐团的配器移植过来的，这样的作品并不适合民族乐团演奏。民族音乐的市场开发问题也十分明显，从我们在欧洲和美国的演出看，实际上民族音乐有市场，但国内缺少推广民族音乐的机制,没有专门的人才和经纪公司向世界各地推广中国民族音乐。” 古典民族音乐的传承也许还要走很远，但是我们必须不停的寻找契机，为民族的文化作出应有的保护，更要作出应有的创新，让更多的人去接受，去认识我们的音乐文化。

学习中国民族民间音乐的重要意义需要从中国民族民间音乐的意义和文化的交流角度答题，并且谈谈音乐对文化的渗透：

学习中国民族民间音乐这有助于促进各民族民间音乐文化共同繁荣进步。尤其是在当前世界各民族、各地区民间音乐相互融合的社会趋势下，很多固步自封的少数民族音乐以及一些民族音乐中所存在的脱离现代文明的保守、狭隘的思想将被历史的长河吞并而逐渐消失。

它们逐渐消亡的原因在于，中国各民族、各地区民间音乐在本质上不仅仅意味着对古老的、传统的各民族、各地区民间音乐的弘扬与传承，更不是单纯的保存和继承，而是意味着在这一过程中要不断进行新的创造与发展。

扩展资料：

中国各民族、各地区民间音乐的传承主要表现为各民族、各地区民间音乐的多元性与丰富性。在中国各民族、各地区民间音乐的传承过程中，各民族、各地区民间音乐既需要与世界其他国家的音乐文化保持前进一致性，又要以自己的独特风貌将自身的特殊性与个性化特征在音乐文化艺术中生动地展现出来。

关于大班音乐教育发展的研究论文

幼儿音乐教育论文范文3000字

论文题目： 幼儿音乐教育课程游戏化教学探究

摘要： 伴随着社会经济的发展，人们对幼儿教育的重视程度越来越高，与此同时，幼儿教育的形式也越来越多样化。音乐课程游戏化即任课教师有所计划地在教学过程中多采用游戏的形式进行授课。音乐课程游戏化使得音乐课程的授课能通过游戏的形式呈现，让幼儿在乐趣中学习、在玩乐中吸收知识。本文以幼儿音乐课程游戏化为切入点，对课程游戏化的论点深入剖析。

关键词： 幼儿;音乐;课程;游戏

游戏，具体而言即人类与某些动物共同享用的行为方式，反映着与之相应的社会现实生活。成年人和幼儿都会游之戏之，但游戏在成人与幼儿的生活中所扮演的角色、所赋予的意义、所起的作用皆有不同。游戏，于成年人而言是制度化的，是有所谓的游戏规则的;而于幼儿而言，游戏则是非制度化、没有所谓的规则束缚的，简单的快乐的即是游戏。

一、音乐课程游戏化的重要性

在孩子的教育当中，音乐课程是必不可少的，而游戏化的音乐课程更是不可或缺的。音乐课程游戏化除了能开发幼儿音乐能力以外，对幼儿智商和情商的培养更是有所帮助。

(一)音乐课程游戏化能使幼儿愉快学习

喜好游戏是孩子的天性，也是幼儿与周遭环境互动的一般形式。作为幼儿的一般活动，游戏关系着幼儿身体和心理的发展需要，并且，游戏也反映着幼儿生理心理发展的客观需求。音乐课程游戏化，依照幼儿对游戏的一般需求，给幼儿的音乐学习创造多彩、自由、愉悦的学习环境，让幼儿能快乐地在游戏中认知音乐，深入感受到学习音乐的快乐。

音乐课程游戏化，应该以孩子本身为出发点和落脚点，观察孩子是否自由地学习音乐，是否尽情地展现他们的个性，以及是否快乐。成人应该设计可以满足孩子每种内在需要的环境，并剔除不利于成长的因素，寻找有助于幼儿成长的途径，发现并培养幼儿的潜能。利用音乐课程游戏化，开发幼儿的学习兴趣，提高幼儿的音乐能力，此外针对音乐课程内容的游戏性、组织形式的多样性等进行相关研究。(二)音乐课程游戏化能开拓幼儿思维

幼儿园的音乐课程游戏化，是对幼儿大脑多方面开发和发展的重要途径。音乐课程游戏化促使幼儿运用自己的肢体去认知音乐，用自己的内心去感受音乐，并在游戏的整个过程中去享受音乐。音乐游戏具有较强的灵活性和开发性，符合幼儿学习音乐的生理和心理需求，由此，幼儿阶段是早期音乐教育的重要阶段。有目的、有感情地聆听音乐是幼儿学习音乐的主要动机，在聆听中抓住音乐的相关信息是幼儿学习音乐的基础。许多幼儿在婴儿阶段即拥有敏锐的听力，且由于本能，幼儿也能对音乐快速做出反应，以此看来，音乐游戏对幼儿而言，是必不可少的教育手段。

由于幼儿喜欢玩动、遵从兴趣、思维具体形象，所以将音乐教育以游戏的形式呈现，则能与幼儿的学习、生活融为一体。音乐课程游戏化可以开发幼儿学习音乐的兴趣，提高幼儿的创新能力，挖掘幼儿的探索精神。幼儿音乐教育在学校教育中扮演者重要的角色，音乐任课教师应当了解幼儿学习音乐的心理动机，从而更好地去建设幼儿音乐学习的最佳心理结构。

当前，幼儿园音乐课程游戏化的探索剖析是非常有必要的。从现在的一些幼儿园教学状况可以看出，音乐教学形式过于单一，音乐游戏的形式颇少，音乐课程与游戏之间的相关性甚少。

二、音乐课程游戏化的教学理念

音乐课程游戏化不单单只是一种游戏，它不仅包含了音乐游戏中的特殊因子，而且还包括了游戏的特征。从幼儿的心理特点出发，幼儿的音乐教学应该是有趣多彩的过程，结合游戏的趣味灵活，应能让儿童有足够的玩耍、娱乐和学习的时间。幼儿教育者应当全面了解游戏在儿童发展中的作用，注重音乐游戏内容的趣味和形式的多样，以确保游戏在幼儿教育中的重要位置。随着社会的不断发展，越来越多的专家、学者都在关注和研究音乐教育，音乐教育在基础教育中的地位日益增长。从幼儿到成人，每个不同年龄段都有独特的心理特征。现代音乐教育应该依据不同成长阶段的心理特征，设计与之相应的音乐教育内容和方式。

(一)组织形式的灵活性和多样性

在探究音乐课程内容游戏化的时候，还要特别注意组织形式的灵活性和多样性，采用合适的方法和组织形式去搭建幼儿音乐学习的最佳心理结构。使用与幼儿生理心理发展特点相适应的方式，使得幼儿在多样式的游戏化教学中，欢乐地认知音乐，积极主动地投身到教学游戏中。音乐课程游戏化教学方式是各种各样的，不单包含唱、跳、演奏等，它的教学渐趋多元化。例如：故事《毛毛虫和大公鸡》，讲述了大公鸡发现草地上的毛毛虫兴奋不已，想把它们当作美餐，聪明的毛毛虫想出一个办法恳求大公鸡把他们养肥了再吃。大公鸡把它们带回家，精心照顾它们，一段时间后的早晨发现毛毛虫不见了，原来毛毛虫变成蝴蝶飞走了，他的心情难过极了。大公鸡由原来的得意到最终的伤心。分析故事情节后我们可以把这段故事分为四个篇章，第一篇章：遇见大公鸡;第二篇章：小青虫快长大;第三篇章：蚊子赶跑了;第四篇章：小青虫变蝴蝶。并配以合适的音乐、角色表演、戏剧表演等多种艺术表现形式来呈现这一故事情节。游戏化的音乐教学应该有感情丰富的语言、情节多层的故事配乐、充沛情感的音乐、美妙撩人的韵律、趣味百变的造型以及在音乐背景下各种新颖创新活动，让幼儿在游戏化的活动中最大程度地感受音乐艺术的美妙，最大程度上提高自身的音乐艺术能力，增强音乐气质，为日后在音乐道路的发展起铺垫作用。

(二)游戏化的教学内容

幼儿园音乐教学内容中，音乐游戏所具备的游戏特征最为明显，但除此之外，唱歌、韵律活动、乐器演奏等方面也具备一定的`游戏特征。如：“洋娃娃和小熊跳舞”这首歌曲，可以采用游戏的形式，赋予相应的角色扮演、场景再现等使之具体表现歌曲的意境。还有一些较为常见的传统游戏歌曲“猜谜歌”、“手绢歌”、“跳格子歌”等，都可以采用各种游戏的形式，使孩子在欢快的游戏中展现自己;在愉悦的游戏中增强音乐能力、表演能力和创新能力;在快乐的游戏中收获参与游戏的乐趣。

幼儿阶段是采用早期音乐教育的最佳阶段，幼儿园音乐课程游戏化渗透于音乐教学的整个过程，有效地提升幼儿的音乐素养和相关能力。在游戏化教学中要着重教学内容制作的情节化和意趣化。利用音乐教学游戏化形式，让幼儿学习音乐教学中所囊括的知识，达到音乐课程内容的游戏化。

(三)激发幼儿学习音乐的兴趣

兴趣是一种正面的认知倾向和情感状态，是激发幼儿认知、思维和创造的内部驱动力。带着兴趣学习，幼儿能够较大限度地掌控自己的注意力，并且能够带着快乐情绪参与整个学习的过程。兴趣的产生，并不是与生俱来的，一般是由某些外部因素刺激而来的。从这个观点看来，关于幼儿学习的兴趣培养则要予以重视。积极的音乐教育能够主动激发幼儿自身学习的积极性、主动性和对音乐游戏活动的兴趣。在兴趣培养方面，首先要提高幼儿教育者发现幼儿兴趣的能力，善于在活动中识别幼儿的兴趣所在。教育家陈鹤琴说过，“大多健康的儿童无论是游戏散步或工作，他们本能地爱唱歌，表现出音乐的律动。”幼儿拥有学习音乐的潜力，而教师则要及时发现幼儿对音乐的兴趣，保护好幼儿兴趣的萌芽并且给此幼芽营造适合成长的环境，使其安稳地成长。而教师对幼儿的教育并不仅仅是用理性去教授，也要用感性去带动，即是要用自己适当的情感和情绪表现方式去带动幼儿。另一方面，幼儿的注意力非常易于转移，也就表明，幼儿的兴趣一般都是暂时的、短暂的。如何让幼儿保持较为稳定的学习兴趣，这是培养幼儿兴趣的重中之重。在音乐课程游戏化教学过程中，要采用游戏的手段，将学习的重点和难点转变为幼儿玩乐的高潮点，有效地刺激幼儿的学习兴趣。兴趣需要持续不断，若想让幼儿在愉悦中学习，教师则需要不断地加强幼儿学习音乐的兴趣。

(四)培养提高幼儿的音乐能力

音乐能力即对音乐各部分的认识和情感反应的综合能力，包含了识别音乐、音响、音色、节奏、旋律等能力以及音乐审美能力，在参与演唱、演奏、音乐创作等方面活动时，就需要音乐感、节奏感等能力的整体配合。由此观之，音乐能力是以音乐素质为基石，利用教育培养和实践活动为渠道，从而得以提升的能力。

音乐能力的开发提高需渗透在整个课程游戏化过程中。一日生活皆课程，在生活各环节我们都可以用音乐引领，例如：入厕、洗手可以播放欢快的音乐使幼儿随音乐做动作，培养幼儿的音乐表现力;进餐时可以播放舒缓的钢琴曲，提升幼儿的欣赏能力;在午休环节可以播放摇篮曲，让幼儿伴随音乐入睡。幼儿的音乐能力一般会受到心理发展水平、知识水平、理解能力、生活经验、音乐修养等方面的限制。因而，对幼儿来言，利用听觉来感受音乐，并借以一定的想象力，能更好地去体验音乐所要表达的意境和感情，从而更加地形象具体。

音乐教育可以全方面地开发幼儿的各种能力。而幼儿音乐能力的开辟最好是在幼儿成长过程的初期。研究所得：人的潜能是获得内在能力所必备的条件，因而，越靠近0岁，这种潜能就越大，内在能力也就越高，不过，随着人的成长，这种能力则会快速地消失。由此观之，幼儿教育者在此的重要性不言而喻。充分地开发幼儿的潜能，使之不被时间的推移而淹没，是幼儿教育者的工作职责。音乐课程游戏化则是幼儿教育者更好地履行工作职责的必要工具。

三、结语

节奏是音乐的基础，是舞蹈的灵魂。音乐课程游戏化，着重幼儿在音乐节奏感方面的培养。培养幼儿的节奏感，最佳的方法即是利用语言节奏、动作节奏和音乐节奏，加以与音乐本身密切地 糅 合，最终得到视觉、听觉、触觉的综合感知，收获锐利的节奏感。音乐课程游戏化教学最好还能结合其他科目，比如：在幼儿学习歌曲或故事时，加上美妙的音乐及音响效果，可激发幼儿的学习兴趣，提高幼儿的表现能力。

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音乐教育作为重要的启蒙教育，在孩子的成长过程中发挥着十分关键的作用，音乐有利于促进孩子的身心健康和成长发育。下面是我给大家推荐的论述音乐教育对儿童发展的作用论文，希望大家喜欢!

论述音乐教育对儿童发展的作用论文篇一

《浅谈音乐教育对儿童智力开发的作用》

摘 要：当代儿童的发展，也就是身体和智力的综合的发展。儿童健康快速的发展，是一个国家后备人才的储备的基础。当代社会的发展和科技的进步，取决人才快速健康的发展。儿童的发展，不仅有强健的体魄，而且更要有较高的智力。

关键词：右脑;感知觉;想象力;注意力;记忆力;人格

所谓的智力(Intelligence)是指生物一般性的精神能力。指人认识、理解客观事物并运用知识、经验等解决问题的能力，包括记忆、观察、想象、思考、判断等。这个能力包括以下几点：理解、计划、解决问题、抽象思维、表达意念、以及语言和学习的能力。担任钢琴教师的音乐教学工作，发现音乐是提高和开发儿童智能最具动力因素(美国加利福尼亚大学戈登・肖教授将78名3～4岁智力相同的幼儿分成三组，一组学习莫扎特和贝多芬的音乐曲，一组学习计算机，一组不接受训练。结果九个月后，他用拼图游戏对这三组孩子进行智力测试发现，学习音乐的孩子的得分平均提高百分之三十五，而另二组孩子则几乎没有提高)。音乐对儿童智力的开发表现在以下几方面：

1 学习音乐能够开发人右脑的潜能

人类为了追求自己左右脑发展平衡，进行大量研究和实验。学习音乐是如何开发人右脑的潜能的呢?首先，我们来了解些人的大脑结构和职能：人脑的构造就像半颗核桃。左脑和右脑通过中间的神经束(也就是所谓的脑胼胝体)相连，组成完整的大脑。20世纪60年代，美国神经生理学家罗杰・斯佩里(Roger Sperry)教授在研究被截断脑胼胝体的癫痫病人时，发现了人的左右脑的职能划分。根据斯佩里博士的理论，人的左脑主要负责分析性工作。左脑在处理信息时采取线性方式，即按照信息出现的先后顺序一个接一个地进行计算处理，类似我们今天常说的数字化。因此，信息出现的先后顺序和具体时间就显得格外重要。除此以外，人类独有的语言功能也位于左脑。所谓的学习能力，也就是我们在读书与职业培训时最需要的思维能力，也主要依赖左脑的正常运作。因为左脑相对于右脑来说比较关注细节，所以我们可以形象地说，左脑只能看到一棵一棵的树，却无法看见整片森林。与之相反，右脑与时间顺序、线性或语言信息的处理都没有关系。在右脑中，最重要的是空间思维。一个人的想象力、创造力和形象思维能力都取决于其右脑的发达程度。如果说左脑主要处理数字信号，那么右脑负责的就是模拟信号。一件事物的全貌才是右脑关注的焦点，而不是任何具体的细节。换言之，右脑看到的是整片森林，而不是其中一棵一棵的树。也可以说左脑是知识司令，它的职责是以思维、分析思维、集中思维为主进行智力开发，左脑又可称为数学家的脑。右脑是创造司令，它的职责是以想象、直觉思维、扩散思维为主进行智力开发，右脑又可称为艺术家的脑。从以上的理论，让我们了解人的大脑和职能分工。一个人从出生到老去，不停地学习和生活，我们的学习和计算都是依赖左脑的职能。这样导致左右脑发展不平衡。从而科学家进行大量的实验证明，得出结论学习音乐和演奏乐器有助于开发人的右脑的潜能。

2 学习音乐能够提高儿童感知觉能力发展

音乐教育可以发展儿童的感知觉儿童学习音乐不需要先认识文字符号，而是通过感知觉。对于音高、节奏、力度、音色等的辨别力，对于音乐结构形式的感知，都会提高儿童听觉的敏锐性、选择性和对音乐的整体感受性。音乐的学习不仅是耳朵和手指的事情，它还会引起全身官能的反应。伴随着律动、舞蹈、乐器进行的歌唱或表演活动，要求儿童的耳、眼、脑、四肢协调作用，可以培养儿童的敏锐感觉，提高大脑反应的灵活性。音乐艺术和其他艺术一样，具有形象性的特征，但音乐中最重要的乐音又是看不见、摸不着的，其高低与时值的长短、音乐的开始和结束、时间和空间的关系等等，对于培养儿童的直觉、分析、想象、创造等具有重要意义。

3 学习音乐能够开发儿童的创造思维和想象力

音乐教育活动不仅能培养儿童的创造能力、发掘儿童的聪明才智同时也能激发儿童的情商等。通过课堂音乐教育，既促进了儿童的全面和谐发展，也培养了儿童对音乐的感受、理解和表现能力;既丰富了儿童的想象力，也锻炼了儿童的创造力。对开发儿童的创造思维起着积极的作用。在教育大改革、科学大发展的当今，全面提高儿童的素质，在音乐课堂教学中培养学生的创造性思维必将展现出富于魅力的前景。伟大的物理学家爱因斯坦，他的钢琴、小提琴演奏都很出色。一些研究爱因斯坦发明创造的人说，乐器演奏在爱因斯坦发明创造中所起的作用，要比人们想象的大得多。因为，他从喜欢的莫扎特、贝多芬的音乐中听到自然音乐规律的反映，听到了毕达哥斯创造数的歌声，还听到了开普勒怎样谱写天体的乐章……音乐作品展现的奇特画面不知不觉的培养了爱因斯坦的想象力。

4 学习音乐能够开发儿童的注意力素质和提高记忆力

儿童在欣赏音乐旋律时，既要注意音乐旋律的音高，又要注意音乐旋律的节奏以及所要表达的情感。参加合唱团的孩子，首先，学会看指挥的手势，又要看着手中的谱子，还要倾听每个声部的旋律和声音以及自己声音的音色。学钢琴的孩子，在弹奏音乐作品时，首先，认真的看着谱架上的谱子，又要注意左右手的节奏和踏板的运用，还要注意音乐所要表达的情感。来自加拿大的一项新的研究显示，学习音乐的孩子比不学音乐的孩子有更好的记忆力。研究者选择两组4～6岁的孩子，在一年中对他们进行4次测试。其中一组学习音乐，另一组没有接受音乐训练。结果发现，短短4个月后就有了变化。这些孩子需要完成一个区别和声、节奏和旋律的音乐测试，和一个听完一列数字后必须记住并复述的记忆测试。经过一年音乐训练的孩子，在记忆测验中的表现比那些没有学习音乐的孩子要好。而且，他们在非音乐方面的记忆能力也有所提高，包括文字、图形记忆、数字记忆以及整体智商等。研究者称，学习音乐的人的大脑运转与没有学习音乐的人是不同的。这一研究结果让那些花很多时间和金钱教孩子学习音乐的父母们备受鼓舞。

5 学习音乐能够陶冶儿童的道德情操和人格的完善

孩子和艺术结缘，陶冶他们的情操，让他们在艺术的圣殿中自由地遨游，汲取艺术中最精华的灵感，将使他们一生受益，受用无穷。学艺术的孩子品性好。音乐等艺术可以给人以美的熏陶，从小与艺术结缘，孩子的审美意识和审美能力在不知不觉中得到进步与强化，对他们的身心成长是大有裨益的。音乐能极大地促进儿童的思维活动。音乐是智慧的源泉，是开启灵感的一把钥匙。不少科学家、艺术家都把音乐作为提高修养，启迪灵感和创造力的重要手段。常听音乐的孩子，能深切感受、理解音乐中所体现出来的优美、崇高的情感，伴随着节拍和旋律的变化，他们的思想也逐渐飞向远方，和优美的乐声互相交融，成为一体。艺术之美千姿百态、气象万千，与艺术接触的孩子可以尽情地呼吸艺术世界中新鲜的空气，感受艺术王国中的鸟语花香，有助于陶冶孩子的情操，增强他们感受美、欣赏美和创造美的能力。音乐，正是以它迷人的魅力，启迪孩子们纯洁的心灵。促进他们良好道德的形成。通过长期的音乐培养，使他们在潜移默化中，晓之以理、动之以情、感之于心、导之以行。使心灵不断得到净化，思想不断得到升华。孩子们学习音乐的过程就是受教育的过程。这个过程不仅使他们对音乐产生了浓厚的兴趣，而且加强了同学之间的团结合作，在训练演出中培养了他们的集体主义精神，荣誉感、责任感以及坚强的毅力，为塑造他们高尚的人格品质打下良好的基础。

6 学习音乐能够开发儿童的学习语言能力和社会交往能力

通过大学四年兼职教师的锻炼，我发现个别同学，学习音乐之前，语言能力很一般，经过几年的音乐教育，孩子变得很自信、语言能力和没有学习音乐之前相比语言能力增强了很多。在声乐教学学习当中，教师让孩子朗诵歌词，也进而加强了儿童语言的能力的培养。视唱练耳的基础教育，训练孩子对一段旋律的音高、节奏、情感的表达，从而也加强孩子语言能力的培养。音乐艺术是一门交流的艺术，只有交流学习，取长补短、互相借鉴，才能取得重大进步。在讲座、比赛、演出等一系列的活动当中，孩子不断的交流和学习，从而加强了孩子们的社会交往能力。

论述音乐教育对儿童发展的作用论文篇二

《学前音乐教育对儿童发展价值初探》

摘 要：音乐教育作为重要的启蒙教育，在孩子的成长过程中发挥着十分关键的作用，音乐有利于促进孩子的身心健康和成长发育。通过培养孩子在音乐方面的兴趣爱好，能开发其音乐才能，激发想象力。重视音乐在幼儿学前教育时期的作用和影响，益于孩子在成长发育的初期能够拥有一个良好的开端，从而使其站在正确方向引导的人生起跑线上。

关键词：学前教学;儿童;发展

一、学前音乐教育内涵

当下音乐教育受到重视，源于教育界致力于发展科学健康的教育事业，以及对如何更好地帮助孩子学习和成长的研究和探

索。音乐之于孩子教育，有其区别于其他学科的优势。音乐作为一门独立的学科，与其他学科有着普遍一致的基本属性。因此，把音乐教育作为一项致力于培养音乐的学科作为重点，还是把音乐课程作为一门辅助学生接受教育的手段，其侧重点的不同，音乐教育的效果和影响也将迥然不同。前者目的在于培养孩子的专业音乐知识与技能，侧重的是音乐教育事业本质;后者是立足于孩子的全面健康发展，通过音乐课程作为一种诱导，从而实现教育的最终目的，这也是目前对于音乐启蒙教育的观点和分歧。

通过分析和总结，这两种观点并不相互对立，恰恰是音乐教育当中并存的两个方面或层次，不能将两者孤立起来进行考察。从音乐学科在教育中的层次来看，专向培养孩子的音乐技能和知识的音乐教育观点，是音乐作为基本学科的属性，而后者是对这种观点的拓展和升华，教育的最终目的是培养全面发展的人才，塑造健全的人格。在教育的过程中，独立人格表现为世界观、价值观和人生观的形成，生存能力表现为技能的训练和知识的储备。因此，这种观点作为教育一个主题的两个方面，是相辅相成，和谐统一的。

二、学前音乐教育对儿童发展的价值

音乐作为一种流动与感官的艺术，其形式或载体是声音。处于幼儿成长时期的孩子，对新鲜事物充满好奇，音乐作为一种区别于普通方式的声音，一方面能够激发孩子感知和探索的兴趣，培养一种认知和辨识的能力，通过引导和教育，在音乐自由的聆听空间中充分发挥想象力;另一方面，通过教授音乐的一些知识，培养孩子的创造能力，将普通的声音通过音乐知识，转变成动听优美的音乐。音乐之于学前教育的重要意义可以从以下五个方面详述：

1.促进儿童身体发育的价值

音乐的影响体现在儿童教育中最明显的作用是，促进儿童的身体健康发育。音乐课程教育主要作用于儿童的感官，即听觉，音乐通过对听觉的刺激，给予大脑一定的信号，大脑中枢神经对音乐刺激信号进行处理后得以反馈。音乐课程的训练，增加了孩子接触音乐的机会和空间，通过聆听音乐和欣赏音乐，锻炼了大脑对于事物的反应能力，活跃了大脑皮层并促进其灵活思考。有医学方面的研究表明，音乐对于幼儿的身体发育具有促进作用，能提升孩子的大脑反应能力和身体协调能力。

2.促进儿童语言能力发展的价值

幼儿时期的孩子，语言系统处于一个成长发育的初级阶段，音乐教育有利于孩子的听力和发声。以歌曲为例，歌词和曲谱是组成歌曲的主要元素，歌词内容往往是由优美押韵的诗词写成，孩子们可以从中学会大量的文学词汇，积累文化知识，提高语言表达能力;曲谱的节奏和发声方法，能帮助孩子对自身肢体的控制和协调，做到灵活反应。音乐最大的优势是避免了传统课程的枯燥和乏味，能够以寓教于乐的方式，将知识融于课程学习之中，通过营造一个课堂气氛活跃，学习热情高涨的环境，集中孩子学习的注意力。

3.促进儿童认知能力的价值

音乐语言流动难以捉摸，对音乐的鉴赏是一个感知、想象和识别的过程。因此，音乐促进儿童认知能力的价值体现如下：

(1)音乐教学作用在孩子的感官方面。调查结果表明，在孩子的教育过程，强调各种能力的全面培养和锻炼，目的在于促进其能力的全面提高。大脑皮层的神经系统，往往对接触最多的刺激信号反应最快，音乐教育则是帮助幼儿语言系统趋向完善，语言能力得到提高，增强对音乐的敏感度。

(2)幼儿音乐教育提高了孩子的记忆能力。幼儿记忆力的锻炼和能力的提升，是学前教育的重要目标之一。音乐作为一种有节奏、有感情的声音，虽具有一般声音的属性，但它有着自身显著的特征和属性，这就需要孩子调动听觉的高度注意力，通过大脑皮层对音乐信号的感知，进行区分和辨识。在大脑对这一系列刺激和信号进行反应前期，需要大脑对这些信号进行短暂保存，即记忆，表现为对音乐符号的再现。音乐的内容通过孩子们发挥自由的想象力，加工转化为声色具体的形象，因此，对音乐的记忆有助于幼儿的对语言的感知和感悟。

(3)音乐感受和欣赏的过程，也是想象、联想自由发挥的过程。音乐是流动的声音，因此较为抽象，联想帮助孩子贴近音乐的内容，与自身的生活体验相联系，并通过想象力转化成具体的音乐形象。

4.促进儿童情感的发展价值

儿童时期的情感表现，多呈现为一种认知活动的表达，儿童会对外部环境与自身需要进行平衡，多表现为需要的满足与否的态度和情绪。儿童时期的情感中需要的满足，是比较低级的情感表现。音乐是建立在情感的直接表达基础上的，从直观的角度可以体验到蕴含于音乐当中的各种情绪，舒缓的曲调多为柔和平静的情绪，激昂高亢的曲调会调动人紧张的情绪，对音乐的欣赏也是对各种情感和情绪的体验。音乐教师可以采用各种教学方法和方式加以引导，让幼儿聆听各种情绪的音乐，展示各种与乐曲相符合的情绪图片，帮助孩子丰富和体验各种情感元素。在教学过程中，多涉及著名和经典的音乐作品，为孩子提供一个良好的情感开端。

5.促进儿童个性形成的价值

个性表现为与其他个体相区别，自身具有的相对稳定、独特和完整的特征。素质教育提倡孩子的个性培养和发展，个性是幼儿身心健康成长的标志，完整的人格是个性的确立和成熟。在幼儿时期应当重视孩子的个性成长和发展，而学前音乐教育能帮助孩子培养对事物的兴趣，以及乐观积极的生活态度，对促进幼儿的个性成长具有重要价值。

重视幼儿的学前音乐教育和培养，创设各种校园音乐活动，营造轻松、自由、开放和活跃的音乐学习氛围，已成为幼儿园努力的方向和目标。应当明确学前音乐教育的理念，立足于幼儿全面人格的形成与发展。在教授音乐技能与知识的同时，致力于孩子身心健康成长，是学前音乐教育作为幼儿教育事业的组成应当承担的角色和任务。

从古老遥远的时代开始，音乐作为传达情感和信息的人类语言，便具有极强的感染力。音乐艺术是一座知识广博的殿堂，里面典藏着从古到今不计其数的优秀音乐作品，是每个时代人们精神世界的生动写照。音乐教师应当立足于幼儿成长的需要，挖掘音乐教材中的有益元素，促进孩子的健康成长和全面发展。

参考文献：

[1]王次炤.音乐美学[M].北京：高等教育出版社，1994.

[2]徐卓娅.学前儿童音乐教育[M].北京：人民教育出版社，1995.

[3]张旭.音乐欣赏[M].重庆大学出版社，2004.